«Отговорила роща золотая
Березовым, веселым языком,
И журавли, печально пролетая,
Уж не жалеют больше ни о ком.

Кого жалеть? Ведь каждый в мире странник -
Пройдет, зайдет и вновь оставит дом.
О всех ушедших грезит конопляник
С широким месяцем над голубым прудом».
(С. Есенин)

Этот отрывок из стихотворения классика русской поэзии Сергея Есенина, на мой взгляд, весьма точно передает настроение нового альбома Olshanoe «В диких условиях». Ностальгия, неясное томленье и печаль, навеянная унылыми, но столь щемяще родными деревенскими пейзажами под пасмурным небом – все это слилось воедино в музыке сибиряков. Их неспешный и отстраненный атмосферик-пост-блэк как нельзя лучше подходит для передачи подобного настроения. Пара вспышек бласт-бита общий созерцательный фон не нарушают. Такой меланхоличный, я бы даже сказал «пейзажный» блэк почти полностью лишен олдскульной ярости, но при этом полон характерной для блэк-метала особой атмосферы. Хотя не совсем так. Если быть точным, «В диких условиях» это пост-блэк, но именно в эволюционном плане. Потому что с точки зрения тренда в музыке Ольшаного не хватает «модных» пост-блэковых фишек типа шугейза и хипстерской истеричности. Мы слышим производную от блэка музыку, которая вобрала в себя атмосферу и многие творческие находки, пришедшие в жанр за три десятилетия его существования. Это касается как общей манеры звучания, так и специфического мелодизма, со структурами песен близкими к традиционному року. Присутствуют даже элементы дума и готик-рока. Например, трек «Прямохождение» напомнил мне Katatonia периода 96-98 годов. Но по большей части «В диких условиях» звучит на стыке Agalloch (в их наиболее отстраненной манере) и Tenhi. Это комфортный альбом, который не напрягает и словно укутывает своим обволакивающим звуком. Кстати, звук заслуживает отдельной похвалы, так как группе удалось добиться ощущения аналогового звучания, присущего экспериментальному метал-андеграунду 90-х, что делает атмосферу альбома более ощутимой. Даже если вы ничего не запомнили после первого (часто поверхностного) прослушивания, в памяти сразу откладывается «ощущение» от этого альбома.

Как по мне, по сравнению с прошлогодним LP «Как велик и печален мир» новая работа Ольшаного получилась более собранной. Есть пара шероховатостей, но в целом группа наконец избавилась от той разрозненности в звучании, коей грешила на прошлых записях. Этому способствует наряду с грамотным продакшеном более лаконичный и компактный подход к сочинению. Однако лаконичность кроется не в минимализме, а в сдержанной манере игры, а также в способности более четко сформулировать музыкальную идею, поскольку само звучание альбома довольно разнообразное. В меру размытый звук разреженных гитар то и дело перемежается с акустикой, струящейся среди журчащих тремоло; местами возникает фортепиано с интересным эффектом звучания словно «из-под воды». Эпизодические вкрапления аккордеона и виолончели, а также перекликающиеся журавлиным кличем лид-гитары добавляют красок в музыкальную картину и позволяет достичь глубокой атмосферы с минимальным использованием клавиш. Хотя влияние ранних эмбиентных работ Ольшаного все же прослеживаются. Открывающий альбом инструментал «Мерцание» отчетливо знаменует связь с ранним эмбиентным периодом группы. Но куда интереснее эта связь прослеживается в треках «Память затопленных деревень» и «Уход в лес» - это переосмысленные старые вещи группы, исполненные с новыми аранжировками и совершенно новым звучанием. И так уж вышло, что это одни из наиболее ярких треков альбома. Особенно композиция «Уход в лес», торжественное вступление которой рисует в воображении величественный покой осеннего леса. «Память…» проникнута трагизмом тематики, когда в начале ХХ века при строительстве ГЭС и водохранилищ массово затапливали русские деревни. А именно деревня веками была носителем глубинной идентичности народа. И народные же песни, которые мы слышим словно издалека в финале этой композиции, будто эхом летят над вечностью, оплакивая ушедшие под воду исконный уклад и память, что наполняли смыслом бытие многих поколений.

Я мог бы упомянуть еще пару своих личных фаворитов, но в принципе все композиции равнозначны по своему содержанию, и откровенно слабых вещей здесь нет. И пусть Ольшаное не поражают воображение изобретательными новаторскими риффами и прочим авангардом, но им удается звучать искренне, а не по расчету. Группа сумела правильно расставить эмоциональные акценты, выбрать верную подачу, а также сочинить и проникновенно исполнить такие мелодии, чтобы нарисовать в воображении слушателя зримые образы. Альбом как русский пейзаж – хоть и неброский, но отчего-то пронзительный и родной. Разве нужно что-то еще? Конечно, можно попенять на то, что не помешало бы больше запоминающихся мелодий или впечатляющих композиционных решений, но «В диких условиях» производит впечатление последовательной и даже мировоззренческой позиции группы. Это хороший честный альбом с душой, который заслуживает внимание вдумчивого слушателя.

Alias   6 сен 2024

«Старые люди сказывают, где-то на неведомой земле лежит село Маговей. Окружено оно лесами и болотами и скрыто от глаз людских...» Добро пожаловать в Маговей – место, где живут тёмные легенды, а леденящие сердце слухи разносятся зловещим эхом пугающих событий. Встречайте: Irga – новый, концептуальный one-man проект из Москвы, играющий атмосферную смесь из прогрессива, блэка, фолка и много чего ещё.

Вообще, меня всегда удивляет, насколько питательной оказалась ядовитая почва блэк-метала. Казалось бы, на такой иссушенной, пропитанной нигилизмом земле должны произрастать одни шипы да колючки, но нет! Блэк-метал, как ни странно, можно считать одним из самых прогрессивных жанров, вобравшим в себя широчайшую палитру звучания. Irga служит тому красноречивым примером. Как бы ни кокетничал мастермайнд проекта, называя свою музыку атмосферным металом, блэк-металлические корни здесь торчат отовсюду: и в самой музыке, и в общей эстетике, и в визуальной подаче. Хотя справедливо будет отметить, что блэк здесь не самоцель, а лишь один из инструментов в общей насыщенной картине, но всё же.

Теперь разберем подробнее этот интересный альбом. “Welcome to Magowei” – это увлекательный и действительно атмосферный микс из прогрессива, блэк-метала и фолка. Разнообразные, динамичные аранжировки и даже строй гитар наполняют музыку прогрессивным ощущением. Вместе с тем, мелодика также содержит и черты, характерные для финского pagan и мелодэта. Помимо влияния начинаний Хенри Сорвали в духе Finntroll и Moonsorrow можно услышать и отголоски каких-нибудь Ensiferum. Ну а блэк-метал здесь присутствует по умолчанию и в значительной мере ответственен за атмосферу альбома. Причём главным источником чёрного вдохновения, несомненно, стали Emperor времен “Anthems to Welkin at Dusk”. «Лихо», одна из самых ярких и многоплановых композиций, является настоящим оммажем этому великому альбому, местами вплоть до прямого цитирования.

Изящно вплетённая в блэковые и проговые структуры тонкая фолковая вязь ненавязчиво наполняет музыку народным колоритом. Что характерно, фолк звучит в какой-то степени академично и где-то даже симфонично, больше напоминая народные мелодии в интерпретации русских композиторов, что идеально сочетается с заимствованиями Irga из классической музыки. Но и этим фолковая составляющая не ограничивается. Непродолжительная фолк-интерлюдия «Утро в Маговее» отчасти напоминает… музыку из советских фильмов! Помимо этого на альбоме прослеживается влияние традиционного рока и метала. Есть даже чуточку грува в духе Макса Кавалеры. Вроде бы полнейшая эклектика, но Irga звучит предельно органично, умело совмещая столь разнородные жанры.

На выходе получилась весьма насыщенное, драматичное произведение. Это не размеренный сказ, а вихрящийся хоровод нечисти, подобно балету «Ночь на Лысой горе». В этой музыке скрыто больше, чем может показаться при первом прослушивании. И виной тому не самое удачное звучание. Самый главный минус альбома – это драм-машина, которая сильно смазывает общее впечатление. Ко всему прочему, слишком часто используемый т. н. «реверсивный бласт-бит» (если не ошибаюсь), как я его называю - «ленивый бласт-бит», сильно утомляет. Irga жизненно необходим живой барабанщик, который, к тому же, обладал бы творческим мышлением. Это может добавить аранжировкам выразительности, сделав их более броскими. Всё же местами альбом звучит немного сумбурно. Да и в целом такой музыке, на мой взгляд, необходим более фактурный звук. Тем же гитарам не хватает резкости и временами они звучат игрушечно. Поэтому получается, что интересных идей много, но некоторым из них ещё требуется огранка – их можно "вытянуть" и доработать. Но все эти спорные моменты, по большей части, носят сугубо технический, а не творческий характер. Интересные идеи и общий настрой всё же компенсируют эти досадные погрешности.

Теперь о концепции “Welcome to Magowei”, которая является важнейшей составляющей альбома. Несмотря на инструментальную музыку, альбом – это собрание историй, которые выстраиваются в единый сюжет. Как такое возможно? По замыслу автора проекта, «музыка сама по себе погружает слушателя не в абстрактный, а очень даже конкретный сюжет без помощи какого-либо нарратива или вокала, транслирующего песенный текст». Эта идея пришла мастермайнду Irga после вдумчивого прослушивания классических произведений Мусоргского и Прокофьева. Все истории Маговея написаны в солидном буклете, и это не просто выдумки автора, а целый культурный пласт, поскольку в их основе лежат сюжеты, взятые из разнообразных русских «быличек», а также из сборника «Народные русские сказки» русского учёного и собирателя фольклора Александра Афанасьева. Советую не полениться и зайти на страницу Irga «ВКонтакте», чтобы ознакомиться с этими историями. Ну а если вы имели удачу посмотреть чешский фильм 2000 года «Букет», то вам однозначно зайдёт настроение альбома и его истории.

Само CD-издание “Welcome to Magowei” очень радует своим качеством и основательностью. Дигипак содержит 22-страничный буклет, качественная полиграфия не вызывает нареканий. Это как раз та вещь, которую чрезвычайно приятно держать в руках, листая и глубже проникаясь миром Маговея. Обратите внимание на тщательно прорисованную обложку авторства Таи Ростовцевой (ныне едва ли не главный художник российского атмо-блэка), которая воспроизводит элементы сюжетов большинства историй альбома.

В итоге мы имеем весьма самобытный и оригинальный релиз, который затруднительно привязать к какой-то конкретной нише на российской сцене. В совокупности всех творческих инструментов Irga мало на кого похожи. Да, есть шероховатости, о которых сказано выше, но дадим Irga аванс за оригинальность и спишем эти огрехи на издержки творческого роста. Так что заслуженная 7-ка.

Alias   8 фев 2024

Для выпуска второго альбома уральским творцам холодно-созерцательной атмосферы Elderwind понадобилось целых шесть лет! Столь долгий перерыв объясняется тем, что после выхода дебюта группа, находясь в относительном информационном вакууме, попросту не имела представления о том позитивном фидбэке, который получил альбом, и какое-то время пребывала в неопределённости относительно будущего творчества. Поэтому написание и запись нового материала сильно затянулись. За это время дебютный альбом «Волшебство живой природы» успел завоевать почётный статус не только на российской сцене, но и вообще стал считаться образцовой работой в жанре атмосферного блэка.

«Чем холоднее ночь», развивая идеи своего предшественника, показал вместе с тем и заметный прогресс, привнеся много нового в музыку Elderwind. Прежде всего, продакшен получился очень пристойным и более качественным, чем на прошлом альбоме – и звук объёмнее, и барабаны звучат куда живее и убедительнее. Но главное отличие кроется в другом. «Чем холоднее ночь» - это по-прежнему неторопливый атмосферик-блэк, но упор теперь сделан на гитарный звук. Несмотря на это, музыка получилась очень мелодичной и местами даже задушевной. В немалой степени этому способствуют пусть и простые, но берущие за душу тремольные соло и упор на плавный мелодизм ведущих гитарных партий. Мелодий на альбоме действительно много и именно вокруг них строятся композиции. Вроде в музыке и нет ничего сложного, но есть правильное чувство и качественное исполнение. Кстати, на этом альбоме проявилась и такая характерная черта творчества Elderwind, как протяжные, напевные мелодии, которые легко ложатся на аккордеон. Есть в этом что-то исконно-национальное, народное. Звучание клавишных хоть и перестало доминировать, они стали шире по наполнению и разнообразнее, временами даже солируя, а не просто создавая фон. В лирических и совсем воздушных клавишно-акустических отступлениях теперь можно услышать флейту и даже арфу. Музыка в итоге получилась торжественно-атмосферной – простор, холод и яркие звёзды. И хотя «Чем холоднее ночь» это всё ещё атмосферик-блэк, местами альбом становится просто атмосферной музыкой, тяготеющей к саундтреку, чему способствует и большая продолжительность композиций. Это особенно заметно в инструментальной версии альбома без вокала. Кстати, на этом диске дебютировал новый вокалист и его манера исполнения ближе всего к декламации. Что вкупе с напористой манерой исполнения делает вокал излишне рельефным, на мой взгляд.

Что касается отдельных композиций, то я бы выделил, в первую очередь, «Алтай». И знаете почему? Потому что песня была написана основателем Elderwind Вячеславом Обоскаловым после двухнедельного (!) похода на Алтай. ТруЪ! По сравнению с этим комфортные прогулки по лесу скандинавских блэк-металлистов похожи на посещение городского парка. Очень мне понравился трек «Просторы свободы» - такой размеренный, атмосферный бошкотряс. «Тишина» весьма удачно выражает идею всего альбома, а кроме того, является идеальным инструменталом современного атмо-блэка. Завершающая альбом заглавная вещь «Чем холоднее ночь» также получилась очень удачной благодаря яркой мелодике и атмосфере. Вообще, любопытно, что по отдельности здесь хороша каждая песня, но всё вместе звучит несколько однобоко. Такой подход способствует ощущению цельности альбома, но больше динамики пошло бы музыке только на пользу. И доказательством тому служит следующий полноформат Elderwind «Пожары», который сохранил атмосферу и мелодические находки предыдущих двух альбомов, но заметно оживил композиции ранее недостающей интенсивностью. Ну а «Чем холоднее ночь» вытащил Elderwind из небытия, укрепил зарождающийся статус группы, а также добавил в концертный сет-лист пару значимых вещей, которые музыканты «обречены» теперь играть всегда.

Alias  19 янв 2024

Выход «живого» альбома Second to Sun вполне закономерное событие, учитывая концертную активность группы в последние годы. Думаю, все помнят, что изначально это был чисто студийный, да к тому же инструментальный проект? Но теперь взята и эта планка. И надо сразу сказать, что взята вполне успешно.

Вообще в блэке мало концертников, которые «тащат» и действительно интересны. Лично я кроме “Emperial Live Ceremony” Emperor вспомнить больше ничего не могу. Подавляющая масса концертных альбомов (причём не только в блэке) довольно скучные, дежурные записи, которые не предлагают слушателю что-то действительно интересное, выполняя сугубо сувенирную роль. Но Second to Sun удалось отличиться и здесь, применив оригинальный подход. Альбом разделён на три части: первая часть является качественно сведённой и отмастеренной записью, вторая – записью напрямую с микшерского пульта во время концерта и третья часть записана на диктофон в центре сцены во время выступления. (!!!) Ну и плюс два бонус-трека в конце, записанные в «обычном» режиме. Это если ваши изнасилованные уши будут ещё в состоянии что-то воспринимать. Так что название альбома “Live At The Third Rome” (Живое, сырое и сущий ад) в буквальном смысле отражает его содержание.

Теперь пройдёмся по каждому разделу. Первая часть запечатлела группу практически в безукоризненной форме, демонстрируя все её сильные стороны. Помимо безупречного исполнения, мы ясно слышим всё то, что делает Second to Sun теми, кто они есть: отличные песни, риффы, крутые хуки, разнообразие и оригинальность. Благодаря профессионализму на концерте группа звучит не менее привлекательно, чем на записи. Периодически проскальзывающие в музыки элементы трэш-метала, как в “No Need to Be Afraid Now”, очень годно дополняют песни именно в концертном исполнении, добавляя драйв и динамику. В такие моменты появляются мысли, что Second to Sun это интересный гибрид блэка и более традиционной, компетентной метал-группы. В общем, здесь всё хорошо и даже очень. Но, как ни странно, из-за этой безупречности первая часть альбома кажется чересчур «обычной» и ровной. Это как начало гулянки, когда все собравшиеся ещё только разогреваются и стараются блюсти приличия. Всё самое интересное ждёт нас впереди.

Вторая часть, записанная с микшерского пульта, самая крутая – вот где огонь и отрыв! Именно здесь достигнут идеальный баланс между захватывающим исполнением и убийственным живым звуком. Сырая запись лишь подчёркивает наиболее сильные стороны музыки, стирая ненужный перфекционизм. Правильная концертная атмосфера лучше всего передана именно здесь. То, что надо! Такая сырость весьма подходит музыке группы, которая звучит выгоднее, если её «взлохматить» и сделать саунд более шершавым. Так совпало, что на 2-й части оказались и одни из сильнейших вещей. Только “Marsch der Wölfe” чего стоит – настоящий чёрный предвестник, в мрачном торжестве которой слышится угроза и в то же время обречённое сострадание. Просто душа наизнанку.

Ну и третья часть – это лютый бутлег в духе середины 90-х, чисто для маргиналов. Вот здесь точно сущий ад! Больше и добавить нечего… Хотя даже здесь слышно, что группа работает чётко, как часовой механизм.

В общем, альбом получился что надо. И пусть из-за такой специфической структуры он отчасти воспринимается как компиляция, а не стройный концертник, такой хаос ему даже на руку. И оригинально, и убедительно, и атмосферно. Реально интересная штука! “Live At The Third Rome” ещё раз показал, что сегодня Second to Sun едва ли не сильнейшая российская экстремальная группа как в творческом, так и в техническом аспектах.

Alias  11 янв 2024

В последние годы отечественный андеграунд не перестаёт радовать. Постепенно он становится более разнообразным, самобытным и, не побоюсь этого слова, оригинальным. Пусть пока не так уж много (хотя много, впрочем, и не надо), но появляется всё больше групп и проектов с собственным лицом. Среди них сибиряки Olshanoe относятся к числу наиболее интересных и необычных. Группа развивает собственное звучание и всё время пробует что-то новое. Прошлогодний альбом «Как велик и печален мир» стал интересной и многогранной работой, открывшей новую страницу в творчестве Ольшаного. Тем более удивительно и неожиданно было получить ещё один альбом группы под самый конец уходящего 2023 года. Как оказалось, «Древний кит» это не полноформатный альбом, а компиляция. Но компиляция весьма ценная, поскольку сюда вошли композиции, написанные с 2015 по 2021 год, но так и не выпущенные, а оставшиеся лежать «про запас». Поэтому «Древний кит» станет необходимым приобретением для поклонников этих сибирских кудесников. Из ранее известных композиций здесь только «Сила жизни», да и то в совершенно новой аранжировке и с новым, более насыщенным звучанием.

Кстати, в 2021 году у Ольшаного уже выходила подобная компиляция под названием «Что ты слышишь по дороге домой?». И стилистически оба этих релиза довольно близки друг к другу. Однако материал, представленный на «Древнем ките», звучит более осмысленно и содержательно в плане музыкальной наполненности. Заявленный самой группой в описании winter synth/neofolk даёт хоть и верное, но очень обобщённое представление о музыке, которая получилась куда более насыщенной, чем обычно считается достаточным для заявленных поджанров. Ведь часто подобный стафф грешит излишним минимализмом и ведущими в никуда зачатками аранжировок. В случае с Ольшаным всё наоборот – проделана кропотливая работа над аранжировками и композицией, которые в большинстве своём имеют чёткие и завершённые структуры. Да, на первый взгляд может показаться, что это достаточно комфортная музыка для прослушивания фоном. Что ж, можно и фоном. Но стоит начать вслушиваться, как обнаруживаешь множество нюансов и полутонов. И незаметно для себя ты уже неотрывно стремишься за зыбкими видениями, которые навевает «Древний кит» из пучины эфирных грёз. На самом деле музыкальная и инструментальная наполненность здесь весьма богаты. Помимо клавиш, которые задают необходимый тон, в развитии музыкального сюжета активно участвуют перкуссия, на заднем плане то и дело всплывают «философемообразные» гитары, тут и там появляются акустика, аккордеон. Во вступлении к «Рассказу листвы о твоём детстве» даже нашлось место этническим женским песнопениям, словно эхом доносящихся из зыбкого марева далёкого прошлого. Из этого художественного многообразия живыми побегами вырастает очень поэтичная, проникновенная музыка, наполненная сказочно-атмосферным духом, грёзами ностальгии и атмосферой видений полусна. Эта хрупкая музыка свободна от шаблонов, удачно совмещая в себе экспериментальный характер и тягу к фольклору. В этом плане особенно интересен открывающий трек «Огни раннего снега», в котором гуслям на фоне эмбиента отдана ведущая роль в художественном замысле, но при этом они не звучат музейной архаикой (нечто похожее некогда играл финский Nest).

Естественно, такое многообразие было бы невозможным без хорошо проработанного и продуманного звука. Здесь музыканты постарались на славу. Звук у Ольшаного получается многогранным и пространным. Он навевает ассоциации с вечерним горизонтом, застывшим в многообразной палитре полутонов. Хотя справедливости ради всё же стоит признать, что в паре мест музыкальный сюжет излишне перегружен, отягощая этот ясный простор. Но это частности. Даже несмотря на то, что это сборник, который не имеет чёткой структуры, «Древний кит» звучит как самодостаточная работа. И вообще я не удивлюсь, если со временем появятся фэны именно такого направления творчества Ольшаного, отвергающие все блэковые начинания группы. Пусть и не без скидок, но при желании «Древний кит» можно считать релизом, равнозначным прошлогоднему полноформату «Как велик и печален мир». Думаю, со временем эта компиляция станет больше, чем просто релиз с неизданным материалом.

Alias  10 янв 2024

Для меня дебютный ЕР Уводь стал едва ли не главным открытием этого года. По крайней мере, в российском блэк-метале. Пусть и субъективно, но это мой однозначный фаворит уходящего 2023-го. Я считаю, что услышать миниальбом стоило бы большему количеству ценителей блэка, уходящего корнями в атмосферную мелодику скандинавских работ середины 90-х. На удивление, ЕР оказался лишь прологом – на конец года Уводь припасли туза, выкатив уже полноформатный альбом "Пламенем прошлого". Кто-то может возразить, что в мире цифровых технологий вовсе не проблема выпускать блэк-метал альбомы хоть каждый месяц. Да и вообще это никогда не вызывало сложностей у «тру-графоманов». Но учитывая тщательный подход Уводи к созданию своей музыки, в данном случае это не какой-то цифровой пустяк.

Итак, что же нам явлено в пламени прошлого? Прежде всего, как и в рецензии на дебют, я вновь отмечу, что не считаю Уводь атмосферик-блэком. Мне до сих пор непонятно, почему сейчас стремятся всюду прилепить эту этикетку по поводу и без?! «Пламенем прошлого» это гитарный альбом – довольно мелодичный, но сырой блэк-метал, который местами напоминает старые работы Ancient, Gehenna и даже Ulver времён их классической трилогии. Безусловно, всё это атмосферная музыка, но и отнюдь не утопающий в клавишных атмосферик-блэк с текстами по природоведению.

Музыкально «Пламенем прошлого» продолжает идеи дебютного ЕР. Даже обложка и название открывающего трека «Вой III» демонстрируют преемственность. Пусть альбом немного однообразен, но почти все сильные стороны прошлой работы остались на месте: мелодии, чёткие структуры песен, вокал в духе Долгара, Сатира и Ноктюрно Культо. Также в музыке сохранилось и ощущение, которое вызывает ассоциации не с сегодняшним «атмосферик-VK-блэком», а, как я уже говорил, с работами середины 90-х. В то время блэк-метал уже полностью сформировался и осознал себя как оригинальный жанр, пока ещё имея возможность не бросаться в крайности в поиске новых идей.

«Пламенем прошлого» то шагает неспешной размашистой походкой, то летит, оседлав ярящуюся вьюгу бласт-битов. Но даже в этих случаях, благодаря плывущим над бластами тремольным мелодиям, в музыке преобладает скорбное ощущение яростной ностальгии, а не чувство адской гонки. В аранжировках и построении композиций определяющую роль играет мелодическая основа, а не тупо гитарный чёс. Есть идеи, которые не очень-то характерны для блэка. Отдельные проигрыши, солирование и мелодии гармонично расширяют строгую палитру оттенков чёрного. К примеру, «Око» местами напоминает раннюю Katatonia.

Удачным решением для этого альбома стало использование акустической гитары. Мелодии, сыгранные в акустике, умело вписаны в колючий блэковый поток и продолжают основные бм-риффы, привнося в музыку фолковый налет, как в случае «Скальд». В «Скорбном духе» акустическая постлюдия стала подлинным украшением композиции, а «Слёзы ивы» мимолётно напомнили мне вечернее настроение ульверовской классики “Kveldssanger”.

Я с интересом ждал этот альбом, но всё же не могу сказать, что он полностью оправдал мои ожидания. Замысел, как мне кажется, я понял, но вот реализация его подзавалена. Что мне не понравилось, это излишне хаотичный звук, который зашумляет многие интересные моменты. Песок из гитар я бы прибрал. Из-за этого даже соло, которые по идее должны сыграть заметную роль, теряются в миксе и порой приходится приложить усилия, чтобы их расслышать. По этой же причине хуже читаются барабаны, а это напрасно. Слышно, что прописаны они вполне достойно и с правильным звуком, но тоже тонут в миксе. Ну и над «чистым» вокалом стоит ещё поработать, конечно.

С другой стороны, «Пламенем прошлого» показал желание группы двигаться дальше по пути музыкального развития, сохраняя при этом свою суть. Мне по душе такое понимание жанра и музыкальное чувство, которое позволяет дополнять музыку интересными чертами, не нарушая канона. Так что я всё же поставлю этот альбом в свою коллекцию. 6,5 из 10

Alias   5 дек 2023

«Волшебство живой природы» - это важный альбом для Elderwind, заложивший прочную основу будущего группы. К тому же, со временем он стал считаться образцовым для современного атмосферик-блэка. Сегодня это покажется удивительным, но после выхода альбома группа имела весьма смутное представление о степени его признания в силу своей пассивности в интернетах. По этой причине Elderwind какое-то время попросту не знали о той отдаче, которую заслужили своим дебютом. Но со временем всё встало на свои места, и сегодня Elderwind в определённых кругах считаются апологетами атмосферного блэка, а "Волшебство..." стал значимой работой для российской сцены. Но давайте посмотрим, так ли хорош этот альбом, как о нём говорят.

Существует справедливое мнение, что правильно выбранное звучание – уже половина успеха. «Волшебство живой природы» тому наглядный пример. В плане правильно выстроенного звука и атмосферы здесь всё сделано очень грамотно. Чёткий, хорошо прописанный, в меру плотный и слегка разрежённый холодный звук прекрасно ложится на такую музыку: мы слышим очень размеренный и мелодичный атмосферик-блэк, неторопливое течение которого временами омывает думовые берега. Даже редкие бласт-биты на этом фоне звучат оцепенело и словно сквозь туман. Всё сделано незатейливо, но основательно. Мелодии хоть и не закрученные, однако достаточно эффектные в своей простоте. Так что не особо техничная музыка больше привлекает своей композицией и атмосферой. Продолжительные треки неспешно рисуют масштабные и даже эпичные картины бескрайних студёных просторов под холодными небесами. Что примечательно, журчащие гитарные тремоло и степенный кач играют в музыке чаще базовую роль, а погоду преимущественно делают хрупкие клавиши. Причём временами они совсем «неметаллические», а ближе к готике и нью-эйджу. В итоге мы можем наблюдать интересный дуализм, когда вязкий поток давящих гитар увенчан неприхотливыми узорами меланхолично-романтических клавиш. Так что если вы одержимы нечестивой блэк-металлической ненавистью, то в этом царстве созерцательной меланхолии вы её не найдёте. Эта музыка воспаряет в зефирные выси, а не устремляется в глубины преисподней. Утрирую, конечно. К тому же, предаваться унынию – тоже грех... Но альбом действительно не о гневе и ярости, а подобен лицезрению угасающего заката с сопутствующей рефлексией о быстротечности нашего бытия на фоне непоколебимой вечности стихий. Или можно провести аналогию с оцепенением при смертельной гипотермии. Говорят, что когда человек замерзает и теряет сознание, он видит яркие сны…

В композиционном плане альбом сбалансирован и равнозначен, однако заглавную вещь «Волшебство природы» и «Холод в душЕ» я всё же выделю как самые яркие. В них наиболее выгодно подчеркнуты все акценты, на которых построен этот альбом. К тому же, здесь особенно отчётливо прорисовывается фирменная мелодика Elderwind. Хочу сказать, что мне очень понравился вокал. Шершавый и шипящий скрим вокалиста убедителен и чрезвычайно удачно вписан в микс. Где-то он даже может напомнить поздний Abigor. Хороши и осмысленные тексты, которые полны поэтических образов и несут в себе художественную ценность.

Итак, «Волшебство живой природы» это действительно рафинированный атмосферик-блэковый альбом, где холодная рефлексивная атмосфера довлеет над всем прочим. Можно сказать, что это концентрат атмосферной музыки. Поэтому неудивительно, что у него есть преданные почитатели. К тому же, это очень цельная работа, выдержанная в едином ключе. Даже слишком цельная – доля разнообразия и динамики, как по мне, были бы не лишними. Для кого-то может стать проблемой дослушать альбом до конца за один присест. Но задачу по погружению слушателя в определённое настроение альбом выполняет целиком и полностью. Конечно же, такую медитативно-меланхоличную музыку нужно слушать под определённый настрой. Но таков авторский почерк и альбом заслужил признание и любовь слушателя именно таким, какой он есть. Для многих именно «Волшебство живой природы» является любимым альбомом Elderwind. Но, не умаляя его ценности, сегодня я бы всё же поместил этот альбом на второе место после великолепных «Пожаров».

Alias  30 окт 2023

Создание альбома «Пожары» заняло три года – по меркам Elderwind это не так уж много, если учесть, что два предыдущих альбома разделяло целых шесть лет. В данном же случае хватило менее продолжительного срока, чтобы полностью созрел самый сильный, на мой взгляд, альбом Elderwind.

Что сразу обращает внимание, «Пожары» получился заметно бодрее своих предшественников. Если предыдущие работы грешили излишней размеренностью (особенно «Чем холоднее ночь»), то этот альбом намного более динамичный и разнообразный. Появились ранее нехарактерные для группы риффы, и вообще в гитарах стало чувствоваться больше «железа». К тому же, барабанщик здесь раскачался по-настоящему и выдаёт свою самую вариативную работу. Это тоже сыграло свою роль в том, что музыка обрела столь необходимый агрессивный напор и ярость. Насыщенный атмосферный блэк Elderwind стал более прямолинейным, устремившись с хрустальных высей на грешную землю испепеляющим пламенем гибельных пожаров. Именно эта тема пылающей нитью пронизывает концепцию альбома.

По сравнению с прошлыми работами клавиши ушли на задний план, уступив определяющую роль гитарам. Кроме того, новый бас-гитарист постарался сделать так, чтобы его все услышали, и ему это вполне удалось. Местами его басовые партии не только предельно насыщают музыку, но и играют роль не менее важную, чем массивное звучание гитар, делая сокрушительный звук ещё плотнее. Несмотря на ужесточение курса, в дефиците мелодий группу упрекнуть сложно. Наоборот, над неостановимым клокочущим потоком разливистые мелодии переливаются северным сиянием. Да и что касается плавных гармоний, здесь Elderwind остались верными себе. Интересно, но каким-то образом некоторые мелодии звучат так, словно были специально написаны для баяна/аккордеона. И воображение поневоле замещает гитарные тремоло протяжными «баянистыми» мелодиями.

Что касается непосредственно песен, то провалов здесь нет. Каждая по-своему хороша и в них присутствует достаточно захватывающих моментов. Однако я бы особо выделил «Реликт» - прямо таки мощнейший боевик. Кто бы мог подумать, что такая скоростная яростная вещь станет едва ли не самой сильной у столь размеренной ранее группы! К тому же, в этой песне наиболее сложный и необычный с точки зрения образов текст. Да и вообще поэтические тексты «Пожаров» заслуживают того, чтобы их прочитать.

Но самая эмоциональная вещь, на мой взгляд, «По зову Урала». Это идеальный трек, в котором слились воедино ярость, мощь, напор, драматизм и мелодии. Именно эта композиция воспринимается как настоящий гимн группы. Ну и весьма интересен заключительный трек «Перерождение». Эта вальсирующая тема за время своего звучания удивляет не раз: и упомянутым странным вальсом, и своими протяжными соло и лид-гитарами с морозным привкусом Суоми, и шквальным бласт-битом, который метелью накрывает всю эту сверкающую красоту ближе к концу композиции. Воздушно-эмбиентное аутро в финале служит напоминанием о ранних работах группы. Так что «Перерождение» действительно оказалось таковым, поскольку Elderwind здесь не только привнесли что-то новое в своё звучание, но и сохранили свои традиционные черты.

Но всё же альбом не идеален. Все его недостатки проявляются, когда слушаешь инструментальную версию. Главная и, по сути, единственная претензия касается продакшена. Даже не столько его качества, сколько акцентов в миксе. Во-первых, в музыке многовато вокала. Он слишком выпирает, отвлекая внимание от инструментальной части. Учитывая объемные тексты, это не очень хорошо. И во-вторых, было бы неплохо чётче спродюсировать мелодику, немного вытащив из клокочущего шквала мелодические линии. Это было бы отнюдь не лишним, позволив сделать музыку ещё более фактурной.

В остальном же претензий никаких – достойная работа. Этот альбом действительно удался, и если в будущем Elderwind продолжат развивать его идеи, то «Пожар» будет ярко гореть и дальше.

Alias  20 окт 2023

Довольно неожиданный и где-то даже нестандартный релиз от лесников Gloosh. Уже то, что изначально студийный андеграундный блэк-метал проект разродился лайвом – само по себе примечательное событие. Особенно в условиях наших реалий, в которых экстремальная сцена есть нечто инородное. Место проведения и записи концерта тоже незаурядно. Дело в том, что Зеленогорск Красноярского края имеет статус закрытого моногорода. Город примечателен тем, что там расположен завод, который производит высокообогащённый уран (!!!). Кому, зачем и почему пришло в голову проводить там метал-гиг – лично для меня неразрешимая загадка! Уже поэтому рассматриваемый концертничек по-своему уникален. Есть во всём этом какая-то паранормальность, не находите?

Но давайте послушаем, что нам нашелестели «Шорохи». Концерт был записан на клубном минифестивале "Siberian Metal August" 20 августа 2022 года. Насколько я понял, в силу каких-то причин на запись попала только часть выступления, но всего четыре трека концертника дают достаточно полную картину о том, что из себя представляет вживую Gloosh. Мне доводилось слышать исключительно хорошие отзывы о концертах «лесников». «Шорохи» стали тому документальным подтверждением. Всё сыграно мощно, очень ровно, профессионально и максимально близко к оригинальному материалу. Настолько, что порой трудноотличимо от студийной работы. Едва доносящийся шум зала между песнями лишь усиливает это впечатление. Причём объёмный звук вполне приличен не только для концерта, но и для любой студийной работы в жанре ортодоксального блэка. Такая же история была на лайве культовых финнов Horna “Vihan Tiellä”. И в этом я вижу минус. Всё же концертная запись должна нести в себе определённый заряд и драйв, для поддержания ощущения которого не грех подкрутить, а где-то и добавить реакцию публики. И ничего особенного в этом нет, на подобные хитрости шли многие топовые группы. В общем, есть дефицит ощущения концертной энергетики, и тут ничего не поделать.

Что касается концертного состава, то мастермайнд проекта принял самое очевидное решение и привлёк музыкантов из другого своего проекта Eoront. К сожалению, партии бас-гитары идут в виде подложки. Распространённая ныне практика. Конечно, некоторые не парятся и вообще выступают без баса, но в данном случае для полноты ощущения было бы интересно послушать материал с живой бас-гитарой.

По материалу 3/4 альбома это композиции из актуального на тот момент полноформата “Sylvan Coven” – первые три трека полностью повторяют лонгплей. Заключительная вещь “Самсара” – с мощного дебюта “Timewheel”. Хотелось бы, конечно, услышать больше материала и с других альбомов, но здесь подбор треков и продолжительность записи были обусловлены, судя по всему, технической возможностью.

Что имеем в итоге. Профессиональное исполнение и изначально сильный материал здесь во всей красе, тут не придраться. Но упомянутая «стерильность» звучания и скромный набор не позволяют воспринимать «Шорохи» как полноценный концертный альбом. Однако, как дополнение к полноформатному “Sylvan Coven” этот непродолжительный концертник выглядит вполне органично.

Alias  18 сен 2023

В начале 90-х шведская дэт-метал сцена была подобна бурлящему котлу. Сколько легендарных, культовых и просто хороших альбомов тогда вышло – не счесть. Это был настоящий взрыв брутальной музыки! Сегодня в это трудно поверить, но когда-то Therion играли самый настоящий дэт-метал. И хотя в авангарде этого движения стояли другие группы, Therion были далеко не самой последней бандой на шведской экстремальной сцене. Их ЕР 1990 года “Time Shell Tell” является вообще одной из самых первых записей, обозначивших новую главу в истории экстремального метала.

Свой второй альбом “Beyond Sanctorum” Therion записали в декабре 1991 года в Montezuma Studio, сознательно желая уйти от типичного для шведских групп звука Sunlight Studio. Хотя впоследствии лидер Therion Кристофер Йонссон всё же пожалел об этом решении. И действительно, продакшен на альбоме не ахти – звук получился хоть и достаточно насыщенный, но неряшливый, шумный и сумбурный. Особенно это заметно в наиболее интенсивных частях. Но несмотря на это, второй альбом Therion получился интереснее дебюта “Of Darkness…” и довольно разнообразным по музыке. На нём нашлось место и крутым гитарным риффам, и взрывным элементам грайнда с безумными бласт-битами, и более размеренному дэт-металлическому качу с уклоном в дэт-дум, и меланхоличным проигрышам с хрупкими соло. К тому же, альбом весьма атмосферен. В определенные моменты Therion играют нечто такое, что действительно можно определить как “Romantic Death Metal”. Просто послушайте композицию “Symphony of the Dead”. В общем, именно на этом альбоме начались эксперименты со звучанием, которые пока пусть и не так очевидно, но намекают на дальнейший путь Therion. И по тем временам это были очень смелые решения. Ближневосточный колорит и готические хоралы в андеграундном дэт-метале в 1991 году? Да ладно! Более того, есть пара моментов (треки “Cthulhu”, “The Way”), сильно напоминающие Voivod. Как вспоминал Кристофер Йонссон в книге Дэниела Экерота «Шведский дэт-метал»: «Мы стали использовать больше клавишных – и Петер (Петер Ханссон – клавишные, гитара, бас-гитара – авт.), и я вошли во вкус. Мы также немного поэкспериментировали с необычными барабанными партиями и гитарными настройками. На этом альбоме берут начало многие вещи, которые потом станут фирменным знаком группы».

Действительно, на “Beyond Sanctorum” группа настойчиво старается расширить узкие рамки дэт-метала, стремясь во главу угла поставить художественный, а не жанровый подход. В музыке стала проявляться масштабность и даже эпическая торжественность. В ряде случаев Therion уже вполне удаются интересные, продвинутые структуры. Хотя порой и запутанные. Что ни говори, но временами явно слышно, что сырые навыки музыкантов пока ещё не позволяют в полной мере воплотить задуманное. К тому же, порой альбом звучит больше как трэш, а не дэт-метал, и то и дело проскакивают довольно стандартные хэви-метал-риффы. И если уж быть совсем объективным, то некоторые песни здесь откровенно не удались и выглядят высосанными из пальца, как, например, заглавная “Beyond Sanctorum”. Странно, но это так! Заключительный трек “Tyrants of the Damned” тоже звучит надуманно. Тем не менее, такие вещи, как “Chtulhu”, “Symphony of the Dead”, “The Way” делают альбом выдающейся работой и служат мостиком к следующим двум пластинкам Therion. А пронзительный гроул Кристофера Йонссона просто великолепен!

Записав альбом, группа отправилась в свой первый тур, прокатившись по Голландии и Бельгии. Для того чтобы уместить группу и всё оборудование, тогда хватало одного минивэна. Как впоследствии вспоминал Кристофер Йонссон: «Сами мы едва могли втиснуться в автобус и буквально сидели друг у друга на головах».

Альбом вышел в январе 1992 года на британском лейбле Active Records, который ранее отметился выпуском классического альбома Atheist “Piece of Time”. Тем не менее, эта контора изначально была больше ориентирована на трэш и в целом уступала быстро набиравшим силу Century Media и Nuclear Blast. Я уж молчу про Earache. Поэтому, выпустив “Beyond Sanctorum”, Therion получили положительную критику и укрепили своё положение на сцене, но не сказать, что сильно продвинулись вперёд. Всё придёт чуть позже.

Какое же место этот альбом занимает сегодня? С точки зрения последующего творчества группы он уже давно не актуален. Для современного (веган)дэта и брутального бульканья – вероятно, тоже. С позиций сегодняшнего дня альбом звучит архаично и слишком свободно. Отчасти даже анархично. Но ценители олдскула и конкретно шведской сцены, уверен, разочарованы не будут! Несмотря на все свои недоработки, “Beyond Sanctorum” очень интересная и честная запись – яркая, живая иллюстрация творческого становления Therion. Это просто замечательный альбом, что же ещё нужно? К тому же, он великолепно передаёт дух той новаторской эпохи. Для таких пердунов, как я – самое оно!

P. S. В 2022 году на переиздании от Hammerheart Records “Beyond Sanctorum” наконец вернули оригинальное оформление авторства легендарного Кристина Валина. Никогда не мог понять, зачем Nuclear Blast запороли великолепные оригиналы на своих изданиях первых трёх альбомов Therion, заменив их одинаковыми убогими черными обложками.

Alias  19 июл 2023

Возникший словно из тумана загадочный дуэт Уводь записал ЕР, который по праву забирает лавры одной из самых ярких блэк-метал работ 2023 года на российской сцене. Этот непродолжительный ЕР по качеству музыки и наполнению стОит целого альбома и для дебюта звучит весьма убедительно.

Уводь играют блэк-метал едва ли не в самом лучшем его проявлении. На этом ЕР мы имеем квинтэссенцию блэка 90-х, фактически самые сливки. В целом музыка больше тяготеет к норвежским делам, но при этом также вызывает в памяти Judas Iscariot времён “Heaven In Flames”. Почему Уводь упорно тулят в атмосферик-блэк – мне непонятно. Появляющийся временами минималистичный клавишный фон ещё не делает музыку атмосфериком. К тому же, не стоит забывать, что блэк сам по себе атмосферный жанр, и здесь эта черта раскрывается в полной мере. Это глубоко эмоциональная, осознанная, прочувствованная работа.

ЕР сразу вступает в диалог со слушателем и увлекает за собой, ведя сумрачными тропами зловещих чудес. Многослойное звучание позволяет в полной мере осмыслить музыку и понять творческий замысел дуэта. Запись отличает сырой, но не дерьмовый, а хорошо поставленный гулкий звук с угрюмым, звенящим надрывом. Поверх тремольного чёса гитары сдержанно рисуют мелодические узоры. Хорошие структуры композиций позволяют течь музыке естественно и не надуманно. Интересные переходы делают прослушивание разнообразным и вполне увлекательным. В отдельных местах присутствуют даже зачатки соло, но звучат они дозированно, без излишнего украшательства и в тему, чтобы не перегружать саунд. Но, тем не менее, эффектно. То и дело появляющаяся лид-гитара также добавляет оттенков звучанию.

Стоит отметить, что Уводь зачастую склонны к более сдержанному музицированию, напоминая чем-то, скорее, первые работы Gehenna (особенно вокал) и где-то даже «ульверовский» “Bergtatt”. Это не оголтелая козлятина, а более философская вещь, которая ближе к мрачной созерцательности. Даже фонтанируя разрушительным шквалом и бластбитами, как в треках «Чаша», «Предвестник» и «Обращение II», впоследствии водоворот имеет тенденцию перехода в более размеренно бурлящее русло. Поэтому музыка рождает эмоции сложнее, чем просто тупая агрессия, и обладает выраженным эффектом погружения. В некоторых местах почти ком к горлу подкатывает…

Примечателен трек «Погибель деревень русских» - эта размеренная вещь с заковыристым среднетемповым ритмом привлекает к себе внимание не только музыкой, но и темой, напрямую связанной с прошлым страны и теми последствиями, которые, на самом деле, наложили заметный опечаток и на всю нашу последующую историю. Так что именно эта композиция особенно полно характеризует Уводь как серьёзную группу с собственным мировоззрением и творческим подходом.

В общем, дебют Уводь получился весьма завершённой, продуманной записью, которую отличает целостное звучание и зрелая композиторская работа. Музыка достаточно выразительная для того, чтобы оставить после прослушивания и послевкусие, и ощущение. Великолепное оформление также обращает на себя внимание и способствует полноте восприятия. Да, можно обвинить Уводь в определённой типичности музыки. Но эта типичность, на мой взгляд, компенсируется яркостью и эмоциональностью. Это не набор клише, а талантливая музыка, созданная на основе проверенных временем ценностей жанра блэк-метал. И если музыканты проявят чуть больше творческой амбициозности и оригинальности, то они вполне могут стать не только одной из лучших российских блэк-метал групп, но обоснованно претендовать на внимание и на мировой сцене.

Alias  11 июл 2023

“No Prayer for the Dying” принято считать не самым удачным альбомом Iron Maiden. Несмотря на то, что вскоре после выхода он занял 2-ю строчку в британском хит-параде, альбом получил (и продолжает получать) много отрицательных отзывов. Да, “No Prayer for the Dying” не лучший момент карьеры Iron Maiden. Но так ли уж плох этот альбом на самом деле? Давайте разбираться.

К началу 90-х Iron Maiden подошли в статусе хэви-метал группы №1. Шесть платиновых альбомов подряд создали британцам безупречную репутацию. После великолепного “Seventh Son of a Seventh Son” ожидания от новой работы Maiden были весьма высоки. Уверенность группы в собственных силах также была на должном уровне. Но, как оказалось, не у всех. Вскоре после начала работы над альбомом из группы уходит гитарист Эдриан Смит. По словам самого Смита, он был недоволен новым звучанием, так как хотел развивать идеи последних двух альбомов. Но проблема была глубже и назревала давно. Уже двумя годами ранее у Эдриана Смита стал заметен недостаток энтузиазма, из-за чего накануне “Seventh Tour of a Seventh Tour” с ним состоялся откровенный разговор. И всё же чёткого решения по поводу своего будущего в группе у Смита пока не было. Когда приступили к работе над альбомом, оказалось, что у гитариста практически нет нового материала, и он по-прежнему не уверен, готов ли отдавать себя группе на 100%. Поэтому было принято коллективное решение его уволить. Это было сложное решение для всех, но энтузиазм остальных музыкантов и непоколебимая преданность своему детищу основателя группы Стива Харриса исключали прочие варианты.

Как ни странно, замена Смиту была найдена очень быстро. Новым гитаристом Iron Maiden стал Яник Герс, которого привёл Брюс Дикинсон – c ним он недавно записал свой сольный альбом “Tattooed Millionaire” и отыграл небольшой тур. Герс был хоть и не самым топовым, но достаточно опытным гитаристом. Помимо работы с Дикинсоном, до этого он засветился в составе группы экс-вокалиста Deep Purple Яна Гиллана, а также записал сольный альбом с бывшим вокалистом Marillion Fish’ем “Vigil in a Wilderness of Mirrors”. (Кстати, отличнейший альбом, возможно, лучший у Fish.) Так произошла первая за 7 лет смена состава Iron Maiden, и распался золотой состав группы. Естественно, это не могло не отразиться на звучании.

Как я уже говорил, Maiden были полны энтузиазма приступить к работе. Вместе с тем, музыканты решили кардинально изменить подход и записать сырой и прямолинейный хэви-метал альбом, вернувшись во времена “Killers”. Что сильно контрастировало с предыдущими продвинутыми работами. Возможно, группа просто решила освежить звучание и отдохнуть от высоколобых наворотов, коими изобиловали оба предыдущих альбома. Впервые со времён “The Number of the Beast” альбом был записан дома, в Англии. Отказавшись от современной профессиональной студии, группа отправилась в сарай (!!!) в имении Стива Харриса, куда была доставлена передвижная студия “Rolling Stone Mobile Studio”. С помощью неё когда-то были записаны легендарные альбомы “Exile On Main St.” The Rolling Stones и “Machine Head” Deep Purple. Конечно, это было круто для начала 70-х, но по меркам 1990 года достоинства продвинутой когда-то студии были крайне спорными. Но таков был план. И записать альбом именно таким, каким он получился в итоге, было общим решением. Другое дело, что не все потом остались довольны результатом. Но тот же Дикинсон, активно критиковавший альбом впоследствии, явно лукавил, так как был соавтором 6 из 10 песен. К тому же, его простенький сольничек в плане подхода был ничуть не лучше, демонстрируя незамысловатый хард-рок. Так что, на тот момент вся группа находилась на одной волне.

Каким же получился альбом? Возможно, на фоне своих ослепительных предшественников “No Prayer for the Dying” и был шагом назад. Но, по сути, он просто другой и в этом его главная «вина». Потому что в музыкальном плане альбом очень хорош! Узнаваемый почерк группы никуда не делся, это на 100% Iron Maiden. Более того, обретённая с годами профессиональная искушенность тоже на месте. Без прошлых работ этого альбома не было бы. Просто аранжировки стали прямолинейнее, а музыка в целом драйвовее и мрачнее. Грубая прямолинейная подача отлично гармонирует с царящей на альбоме тёмной, промозглой атмосферой. Будучи созвучной своему названию, пластинка получилась злой, тёмной и сырой. «Сырой» здесь вообще ключевая характеристика. И если «мэйден» хотели вернуться во времена дебюта и “Killers”, то они даже перевыполнили эту задачу. Из всего этого можно сделать главный вывод, почему “No Prayer for the Dying” подвергся критике: все ждали продолжения прогрессивного звучания “Somewhere in Time” и “Seventh Son of a Seventh Son”, а получили грязного хулигана с ближайшего кладбища, который не обременён хорошими манерами и чуть что, сразу лезет в драку.

Оформление обложки тоже как нельзя лучше подходит для такой музыки. Это самая свирепая облога в истории британцев. Здесь Эдди озверел до предела, с треском вырвавшись из могилы и вцепившись в глотку несчастного могильщика. Все сопутствующие альбому картинки (синглы и изображения к туровым программам) столь же агрессивны и пропитаны кладбищенским духом. Так что и здесь план перевыполнен. Даже в свои ранние деньки Эдди выглядел как-то посдержаннее. Фотосессия и имидж группы тоже стали куда брутальнее тех цветастых трико, в которых все привыкли видеть «мэйден».

Но вернемся к музыке и давайте сразу вспомним вот что. Два сингла с этого альбома моментально заняли первые места в национальном хит-параде. “Bring Your Daughter… to the Slaughter” возглавил чарты, став первым и единственным в истории группы синглом №1. Изначально эта песня была написана Дикинсоном для 5 части франшизы «Кошмар на улице Вязов». В оригинале она звучит немного иначе, и если кому интересно, можете поискать одноимённый сольный промо-сингл Брюса 1989 года. Также оригинальную версию можно услышать на бутлеге 2011 года “The Secret Anthology”, где куча редких вещей за все периоды сольного творчества Дикинсона. Стив Харрис сразу же оценил потенциал “Bring Your Daughter…”, попросив Брюса отдать эту вещь Maiden. Как вспоминал Яник Герс, в самом начале песня сильно смахивала на AC/DC. Но после глубокой доработки получился саркастичный, тёмный хит с колокольным звоном, угрожающим хором и пронзительным натиском соло-гитар. И это, вне всякого сомнения, одна из самых крутых песен Iron Maiden в их обширном каталоге. Второй хитовый сингл, “Holy Smoke”, занял 3-е место в чартах. Эта хулиганская, разухабистая вещь звучит непривычно рок-н-ролльно в контексте большей части наследия Iron Maiden и была написана в качестве ответа на выпады в адрес группы святош и религиозных лицемеров. Текст песни пропитан едкой социальной сатирой, что стало тогда чем-то новым для Maiden. Хотя, справедливости ради, сама песня кажется всё же немного «проходным» хитом на фоне остальной классики группы.

Помимо двух хитовых синглов, на альбоме достаточно и «просто» очень сильных песен. Например, заглавная “No Prayer for the Dying” – атмосферная полубаллада с намёком на симфоническую обработку, в определённый момент срывающаяся в оголтелое рубилово. Несмотря на такой элемент дикости, песню никак нельзя назвать примитивной и в ней явно присутствуют отголоски прошлого альбома. Кроме того, здесь Дикинсон пускается в философские рассуждения о вере, предопределённости и прочей метафизике. Наряду с упомянутым социальным контекстом, такая тематика тоже впервые зазвучала в текстах британцев. Очень хороша остросоциальная “Public Enema Number One” – это ураганная вещь с соло-дуэлями, проникнутая сырым ощущением ненастной ночи, одна из самых зачётных на альбоме. По подаче она схожа со следующей вещью – смурной и забойной “Fates Warning”. В связке две эти песни составляют своеобразный энергетический центр альбома, отлично дополняя друг друга. В этих песнях особенно рельефно проявился стиль игры Герса, чья нарочито небрежная, импульсивная игра заметно контрастирует с продуманным и куда более сдержанным солированием ушедшего Смита. Манера игры Герса, обрушивающая на слушателя каскад нот, оказалась ближе к стилю Дейва Мюррея и удачно вписалась в новый материал. Хотя… вам никогда не казалось, что местами Герс звучит как-то немного мультяшно… Нет? Ну и ладно.

В общем, при ближайшем рассмотрении оказывается, что альбом под завязку набит убойными песнями и полон необузданной энергии. И это я ещё не упомянул боевитую “Tailgunner”, угрюмую “Run Silent Run Deep” и угрожающую “The Assassin” – все образцовые хэви-метал стервятники, мрачно высматривающие добычу. Словно под стать сырому духу альбома и каркающий, хриплый полускрим Дикинсона. И хотя я не уверен, что это он специально так, поскольку уже на «Седьмом сыне» его голос заметно огрубел, но именно здесь такой вокал идеально вписался в общее звучание.

Не обошлось, правда, и без провалов. “Hooks In You”, текст которой вновь возвращает из небытия проститутку Шарлотту, это какой-то вялый хард-рок. Совершенно невнятная вещь. По иронии судьбы, это единственная песня на альбоме, к написанию которой приложил руку ушедший Эдриан Смит. “Mother Russia” я бы тоже не отнёс к удачам альбома. Звучит она натянуто. Как по мне, получился натужный полумаршевый эпик, текст которого к тому же полон клише. Хотя в то время эти клише казались даже милыми в исполнении столь маститых монстров хэви-метала. Perestroyka, glasnost – эх, времена-времена... Однако, как бы там ни было, “Mother Russia” воспринимается лишь в контексте того времени. Но пара проходных вещей особой погоды не делает. У большинства песен на альбоме классные структуры, манера игры и подача пусть и не совсем характерны для предыдущего творчества Iron Maiden, но их нельзя назвать неудачными. Сделав условный шаг назад, группа добавила новые штрихи к своей музыке. Как по мне, такая «готичность» и угрожающие интонации вкупе с мэйденовским мелодизмом очень подходят музыке и звучат намного увлекательнее занудного околопрогрессивного топтания Maiden 00-х.

Так что же не так с этим альбомом? Ну, помимо синдрома неоправданных ожиданий, это слабый продакшен, из-за которого хромает весь альбом. И невзирая на то, что узнаваемый харрисовский бас здесь хорош как никогда, а барабаны наконец обрели бОльший удельный вес, звук в целом жидковат, а гитары подзавалены. И дело не в сырости как таковой, а просто в слабом звуке. Чтобы всё зазвучало как надо и по-настоящему забойно, не хватило плотного звука. Всё же надо было идти с этим материалом в полноценную студию. Это тем более обидно, что музыка здесь отнюдь не так проста и далеко не архаична. Более того, представьте себе здесь звук, близкий к “Fear of the Dark” и станет ясно, что “No Prayer for the Dying” был большой разминкой перед более успешным последователем.

В общем, это не лучший альбом группы, но и далеко не худший. Конечно, он не мог тягаться с вышедшим в том же году оглушительным “Painkiller” Judas Priest, но лично я не могу назвать “No Prayer for the Dying” провальным. К тому же, платиновый статус альбома в Канаде и золото в других странах говорят об обратном. Мне кажется, что альбом отлично соответствовал своему времени, в нём есть определённая романтика, и он идеально передал ту необузданную часть Iron Maiden, которую с начала 80-х все уже порядком подзабыли. И которой так не хватает группе сейчас. Здесь достаточно отличных песен, присутствует крутая атмосфера и море энергии. Даже в последовавшем турне “No Prayer on the Road” группа заметно приободрилась на сцене, и даже статичный до этого Дэйв Мюррей оживился на фоне бегающего по потолку Яника. Так что “No Prayer for the Dying” ознаменовал собой завершение целой эпохи. Или, скорее, начало новой. Этот альбом символизирует уход от удалых, цветастых 80-х и начало более мрачной, интровертной эпохи в музыке, и был ей всецело созвучен.

Alias  20 апр 2023

На этом альбоме Сруб достиг творческого пика. По крайней мере, на данный момент. Продолжив прогрессивные эксперименты, начатые годом ранее на альбоме «Пост», на «988» Сруб добился максимальной насыщенности своей музыки. Не исключено, что во время работы над альбомом у главного зодчего Сруба Игоря Шапранского было завершённое видение того, каким в итоге он должен получиться. Опираясь на творческие находки предыдущей записи, он продвинулся дальше, где-то углубив удачно сработавшие эксперименты, а где-то и добавив новые элементы. Причем довольно радикальные. Впервые Сруб решились зайти на территорию экстремального метала. Недаром в записи альбома приняли активное участие музыканты Ultar и Grima. К тому же, сведение делал Владимир Лехтинен (Second to Sun) в своей студии Blastbear Sound. При таких исходных данных крен Сруба в экстрим видится закономерным результатом. Но обо всем по порядку.

Что сразу обращает на себя внимание, так это выверенная структура альбома. Несмотря на всю эклектичность музыки, выбранная последовательность песен позволяет во всей полноте прочувствовать творческий замысел. Начало и конец альбома обрамлены схожими по звучанию вещами «Морок» и «Мехом мертвых мхов». Эти мрачные фолк-эмбиентные композиции с влиянием дарк-вейва, в свою очередь, перекликаются с заглавной вещью «988» (988 – год крещения Руси) – идеальным фолк-эмбиентным треком, который безупречен по композиции и подаче. Находясь почти в середине альбома, он уравновешивает его, связывая воедино все части. Эта мрачная тема эпична и одновременно хитова за счёт цепкого припева, благодаря которому «988» становится почти стадионным гимном! Возможно, это самая масштабная вещь в творческом багаже Сруба. Редко когда языческий мрак звучит столь воодушевляюще.

Остальные песни альбома смогли вобрать в себя все оттенки настоящей и прошлой звуковой картины Сруба, а также добавить новые яркие штрихи. Ироничная, поданная в немного лубочной манере песня «На смерть царя», сохранив пост-панковскую подачу, целиком ушла в акустический фолк. Пост-панк, исполненный на гуслях, бас-гитаре и фортепиано с перкуссией – это то, что просто надо услышать. К слову, пост-панк в чистом виде присутствует на альбоме весьма ограниченно. Он мутировал в нечто совсем уж причудливое, чему трудно подобрать чёткое определение. Наверное, только гулкая «Мой гроб пустой» выдержана в привычном для Сруба ключе. Кстати, это одна из самых простых, доходчивых и вместе с тем и наиболее ярких вещей альбома.

Дальше начинается благодатное поле экспериментов. И без того эмоционально насыщенные меланхоличные треки «Ожидание черной весны» и «Избавление» в определённый момент уходят в рафинированный пост-блэк. Кроме того, в «Ожидании…» можно отчетливо услышать влияние Opeth, а «Избавление» это вообще вариация на тему The Doors! Тягостная вещь «Остынь», которую местами почти физически тяжело слушать, это странный микс из дума, пост-панка и… колыбельной. В общем, на этом альбоме Сруб замешали такое варево, что голова идёт кругом! Обновлённое звучание, которое стало более объёмным, живым и глубоким, идеально подходит для таких экспериментов и кажется, что оно создавалось специально для того, чтобы такие моменты зазвучали максимально полно. Что примечательно, былая тёмная атмосфера Сруба не только никуда не делась, а сгустилась ещё больше.

Также нельзя не отметить, что Игорь Шапранский сильно вырос как певец. Можно со стопроцентной уверенностью утверждать, что теперь его узнаваемый голос является основой всего звучания Сруба. Его голос удивляет своей глубиной и разнообразием применяемых техник, а также долей эксцентричности. Например, на «Мороке» мы слышим в исполнении Шапранского церковное песнопение! Тексты по-прежнему полны туманных образов и символизма, навеянного мерцающими огоньками мглистых болот.

Я полагаю, что на сегодняшний день «988» является самым сильным альбомом Сруба. В нём есть и свежесть, и зрелость, и широкий диапазон. На этой работе у проекта окончательно сформировался собственный творческий язык. И несмотря на любые эксперименты, Сруб сохраняет свой стиль и легко узнаваемое звучание. Эта музыка настолько самобытна, что её сложно привязать к какому-то жанру и она шире любых классификаций. Сруб это Сруб, и он такой один. Добавить тут больше нечего.

Alias  16 мар 2023

“Norrøne Spor” стал третьим альбомом после воссоединения Einherjer в 2008 году. Всё это время группа пыталась найти новое звучание. Точнее, даже не найти, а выстроить. “Norrøne Spor” дал окончательный ответ, чего же хотели добиться норвежцы. На двух предыдущих альбомах - “Norrøn” и “Av Oss For Oss” - они ясно обозначили творческий курс, двигаясь от эпического викинг-метала к приблэкованному хэви. Но именно на этом альбоме Einherjer нашли свой идеальный баланс, играя среднетемповый, качёвый микс из блэка и классического хэви-метала. Причём с явным уклоном в хэви. Обилие привычных для традиционного метала риффов, сдвоенные лид-гитары, а также множество хорошо продуманных гармоничных соляков говорят именно об этом. К тому же, много пространства в звучании выделено бас-гитаре, которая порой даже солирует. Да и вообще вся ритм-секция куда ближе к классике, чем к экстриму. Сама группа теперь предпочитает называть свою музыку Norse Heavy Metal.

Хотя стойкий привкус блэка всё же не позволяет забыть о корнях Einherjer. Тремольные риффы тут и там, гримовый вокал Фроде Глеснеса в духе Immortal и типично норвежская колючесть не оставляют сомнений в истоках музыкантов. Да, Einherjer - это всё ещё викинг-метал. Но скорее по духу. Здесь нет застольных хоровых распевов, всяких «хей-хо!», псевдофолковых поливов клавиш и прочих жанровых клише. Зато есть специфическая типично северная мелодика и интонации в звучании. Исполненная частично на норвежском языке лирика добавляет нужный колорит. К моменту записи этого альбома группа давно ушла от прямого цитирования Эдды, и в текстах преобладают образы, навеянные даже не конкретными сюжетами, а скорее северным мироощущением и духом мифологии.

Вне всяких сомнений, у “Norrøne Spor” один из самых удачных миксов в дискографии Einherjer. Альбом может похвастаться плотным, но не перегруженным и хорошо сбалансированным звуком. Что и говорить, альбом получился интересный и содержательный. Но, возможно, он слишком ровный. Песен отличных здесь много, но по-настоящему ярких хитов всё же маловато. Для себя я бы выделил “The Spirit Of A Thousand Years”, “Spre Vingene” и “Tap Uskyld” – классные песни с оригинальными фишками. Вызывает лишь сожаление, что обычно немного вычурный стиль игры барабанщика теперь упростился, став более базовым. Что ещё? Я бы не стеснялся использовать время от времени чистый вокал и (да-да!) хор. Местами всё это было бы очень кстати. Ну и думаю, группе не будет лишним почаще давить на газ, как на “The Spirit Of A Thousand Years” и “Spre Vingene”, чтобы вырулить из среднетемповой колеи. В остальном претензий никаких. “Norrøne Spor” это сильный альбом. Он показал, что на данном этапе карьеры Einherjer по-прежнему самодостаточны, полны идей и стараются придерживаться собственного творческого рецепта. И что важно, им это вполне удаётся.

Alias  14 мар 2023

К 2001 году техно-дэт давно оформился как самостоятельный поджанр, вышло большинство основополагающих альбомов, поэтому здесь было достаточно сложно записать что-то такое, что действительно привлечёт внимание. Но японцам Defiled это, кажется, удалось. К моменту выхода “Ugliness Revealed” Defiled добились определённого авторитета на экстремальной сцене и вполне успешно осваивали международный музыкальный рынок. Было бы ошибочно утверждать, что группа воспринималась только с позиции восточной экзотики. К выходу своего второго альбома Defiled уже полноценно впряглись в смертельную повозку брутального дэт-метала.

Предыдущие записи группы давали ясное представление о её творческих устремлениях, но именно на “Ugliness Revealed” окончательно сложился стиль Defiled. И если до этого музыка японцев, в общем-то, укладывалась в привычное ложе брутального дэта, то на втором полноформате они решили полностью избавиться от любого намека на «нормальность», буквально вывернув свою музыку наизнанку. Приняв за основу техничный брутал в духе Suffocation, Gorguts, Cryptopsy, а также грайндкор по заветам ранних Napalm Death, японские музыкальные маргиналы всё это старательно нашинковали, подробили и перемешали. В итоге получился самый экстремальный фри-джаз в мире! Шутка конечно, но “Ugliness Revealed” это действительно какой-то чудовищный водоворот взвинченного, больного сознания, истерзанного паранойей и жуткими образами, которое оно само и рождает. Здесь нет компромиссов и ничего нормального: никаких привычных структур, никаких мелодий и уж тем более соло, никаких ровных размеров и ритмических рисунков – только хаотичная резня! Нездоровые интро между темами на самом деле очень уместны – они придают альбому болезненную, потустороннюю атмосферу и чувство концептуальности. Они словно короткие передышки перед очередным припадком безумия – каждый следующий трек как болезненный спазм. Всё это крошилово выплескивается ядовитыми брызгами гнили и разложения, когда хаос распада поглощает материю и плоть. Обложка Уэса Бенскотера отлично передаёт суть альбома, она его неотъемлемая часть. На мой взгляд, это одна из самых выразительных работ художника вообще.

В Defiled все музыканты экстракласса и демонстрируют чрезвычайную сыгранность и техничность. Пульсирующий бас, скорострельные очереди барабанов и эксцентричные, ломаные гитарные риффы вырываются из колонок остервенелой сворой бешеных тварей. Дёрганые интервалы, не подчиняющиеся никакой логике, кроме прихоти самих музыкантов, порождают сумасшедший калейдоскоп, который в своей непредсказуемости не даёт ни малейшего намека на то, куда в итоге выведет тема. Ко всему прочему, в музыке присутствуют элементы нездоровой психоделии. В таких треках, как “Uncovered Plots”, “To Zero”, “Fatal Intrigue” всплывают какие-то атональные заезды и словно плавящийся звук. Может и укачать. Впрочем, какое-то подобие мелодий всё же наблюдается в “Nihilism” и “Defeat of Sanity” – это относительно более доступный для восприятия ранний материал Defiled. Но и здесь это куда больше напоминает больное кривляние и издевательство над мелодиями. Кстати, гитарные риффы, даже при всей своей запутанности, звучат весьма отчётливо и отточено, не сливаясь в низкочастотное пюре.

Несмотря на то, что за сведение отвечал известный флоридский фирмач Том Моррис, типичным «моррисаундовским» звук не назовешь. Немного звенящий звук альбома избегает сверхнизких частот и ближе к олдовому дэту и грайнду в духе Napalm Death и Repulsion. Да и вообще, как ни странно, в музыке Defiled можно легко угадать олдскульные корни. Взять хотя бы вокал – несмотря на свою 100% брутальность, это не гуттурал, а низкий гроул в духе Immolation. Что касается текстов, то они весьма далеки от инфантильного сатанизма и больной кровожадности. Нет. Здесь описывается кошмар, когда твой собственный разум становится для тебя камерой пыток. По твоей же вине. Что тут скажешь, реальная жизнь – опасное место, которое регулярно подбрасывают такие образы, от которых можно враз поседеть…

Подводя итог, я не могу сказать, что “Ugliness Revealed” зайдёт всем и каждому. Не для слабонервных. Эта музыка не может быть особо популярной даже среди фанатов дэт-метала, поскольку мало кто захочет вникать в этот хаос. Такие понятия, как предсказуемость и упорядоченность явно не про Defiled. Но если вы ищете чего-то странного, экстремального, яростного и в высшей мере техничного, то этот альбом должен вам понравиться.

Alias  20 фев 2023

Альбом «Пост» открыл новую страницу в творчестве проекта, с него начинается зрелый Сруб. По сравнению с прошлыми работами Сруба, «более» является ключевым словом, которое здесь можно применить: более разнообразная музыка, аранжировки и подход к сочинению, более продуманные композиции, более многогранное и насыщенное звучание, больше инструментов, более естественный и полный звук. Альбом стал «более» во всех отношениях и показал серьёзный творческий рост.

Положа руку на сердце, до этого рамки звучания Сруба были довольно узкими. Но теперь музыка предстала существенно расширенной и обновлённой. Уже не играет решающей роли пост-панк, помимо которого здесь есть много чего ещё: фолк, прогрессивный рок, дарквейв, ранний готик-рок, совсем немного джаза. А ещё мистика, которая наполняет альбом густой атмосферой и единым содержанием. Эту насыщенную новыми элементами разнообразную музыку я бы, тем не менее, поостерегся отнести к прогу в его традиционном понимании. Однако сам подход очень прогрессивен. Впервые Сруб звучит столь осознанно и уверенно. Комплексные композиции, избавившись от былой одномерности, смогли при этом не только сохранить прежнюю атмосферу, но сделать её глубже и богаче. Тонкая эмоциональность проявляется в мелодиях, гармониях, нужных созвучиях, которые временами вызывают ощущение неясной, смутной ностальгии. С точки зрения эмоциональности и отчасти даже психологизма «Пост» стал на момент выхода самой зрелой работой Сруба. И даже сейчас это по-прежнему одна из самых тёмных по атмосфере работ проекта.

Вступление сразу обескураживает своим тяжёлым, давящим напором и опустошенностью. Открывающий заглавный трек «Пост» обрушивается сокрушительной поступью фоно. Каждый резонирующий удар по клавишам словно тяжелая верига. Такое звучание стало совершенно новым для Сруба, и дальше «Пост» удивит ещё не раз. Например, «Не велено» – это эпичное и суровое языческое полотно, которое куда больше похоже на саундтрек для масштабного фильма. В его звучании смешались эмбиент, мрачные литании, рог, воющая виолончель, пианино и тревожная гусельная рябь. Эти две композиции бьют наотмашь своей необычностью и авангардностью в контексте предыдущего творчества Сруб. Более традиционные в музыкальном плане вещи тоже таят в себе обилие новизны. Тот же «Престол», черпая силу в привычном пост-панке, пророс побегами готики, фолка, прога 70-х и очень уместными проигрышами аккордеона, который тут и там украшает альбом. Финальная композиция «Закрывавший двери» вызывает ощущение какого-то странного ВИА, играющего депрессивную версию музыки из советского м/ф «Бременские музыканты», расцвеченную народными песнопениями.

Главной же находкой лично для меня стало «Мёртвое солнце» с джазовыми обертонами и прог-роковыми интонациями. Подлинным украшением этой вкрадчивой вещи стала ювелирная вязь клавишных и ненавязчивого аккордеона, стук клавиатуры которого отчетливо различим среди каллиграфичных завитков музыки. Всё это, а также аккуратная работа барабанов с едва слышимой вибрацией пластика, создаёт ощущение присутствия, словно музыканты играют у тебя в комнате. Однако подобный уют обманчив, поскольку эта флегматичная песня полна обречённости и меланхолии. Собственно, это касается настроения всего альбома, тексты и звучание которого пронизаны сумрачным мистицизмом. Мрачные аллегории сочатся тьмой, периодически возникает ощущение, будто бесы тянутся к тебе корявыми лапами из темных углов. Сюда же и жуткая, отдающая сюрреализмом, пугающе убедительная обложка, детали которой заставляют ощутить психологический дискомфорт. К слову, обложка у Сруба здесь впервые столь художественная, и она также относится к несомненным удачам.

Отдельного упоминания заслуживает вокал. Шапранский впервые настолько раскрылся как вокалист. Теперь его голос стал ещё одним полноценным инструментом и подлинным украшением музыки. Работа с вокалом проделана серьёзная, и даже ощущение от фолка стало полнее во многом благодаря вокальным партиям, которые зачастую можно отнести к полноценной этнике. Я не знаю, как им это удается, но Сруб едва ли не единственный российский проект, который умело адаптирует фолк без скатывания в лубок. Разумеется, чтобы заставить всё это звучать, продакшен и работа со звуком потребовали совершенно иного уровня. Но даже несмотря на то, что местами звук плосковат и при этом излишне изобилует реверсом, конечный результат получился вполне убедительным.

«Пост» это без преувеличения программная работа. Очень последовательный и целостный, почти безупречный альбом. Помимо того, что на этой записи на порядок возрос художественный и артистический уровень Сруба, альбом аутентичен и пребывает в собственном творческом пространстве, которое сложно обозначить наверняка каким-то ярлыком. Выйди «Пост» во времена, когда релизов было на порядок меньше, а ценились они больше и оттого оказывались под пристальным вниманием, это была бы однозначная классика. Но в любом случае, этот альбом выдвинул Сруб в авангард независимой российской сцены, сделав едва ли не главной отечественной группой, которую не стыдно показать и миру. Только представьте себе совместный проект Сруб/Wardruna…

Alias  17 фев 2023

На этом альбоме, наконец-таки, состоялась свадьба Сруба и экстремального метала. Теперь «злые цветы» обзавелись чёрными шипами. Уже на предыдущем альбоме – «988» - Игорь Шапранский стал понемногу внедрять в свою музыку блэк. Но в «Скверне» это начинание расцвело пышным цветом, окутав бархатной тьмой стены Сруба. Даже стильная визуализация альбома очень в духе блэк-метала ХХI века. В итоге мы получили самый эклектичный и многоплановый альбом в дискографии проекта. Я представляю недоумение старых поклонников, для которых Сруб ассоциируется прежде всего с мистическим фолк-пост-панком, но ради такого альбома… мне их не жалко!

Помимо резкого крена в блэк-метал, «Скверну» отличает еще одна важная особенность – к записи этого альбома Сруб обрел полноценный состав, превратившись в «нормальную» группу. Конечно, в записи традиционно участвовал и ряд приглашенных музыкантов, но тем не менее… Всё это сильно отразилось на звучании. Теперь в ряде композиций музыка Сруба обрела невиданную до этого панорамность, а глубокий густой звук придал альбому огромную полноту. Весьма годный продакшен наделил звучание альбома пресловутой ламповостью. Продуманность звука, композиций и разнообразная, талантливая ритм-секция, уделяющая внимание деталям, рисуют увлекательную картину с множеством нюансов.

Первый же трек, «Упокой», врывается блэк-металлическим шквалом после нескольких взятых на арфе беспокойных нот. Блэковые риффы здесь, впрочем, довольно стандартные, но чисто «срубовское» своеобразие делают эту вещь весьма вдохновляющей. Здесь, как и в остальных блэковых треках, узнаваемая мелодика Сруба поверх тремольного гитарного чёса делает всю погоду, задавая музыке правильное настроение и уникальное чувство, присущее именно этому проекту. Очень хорошее сочетание дает и сочный блэковый скрим с характерными чистыми распевами Шапранского, который словно кружит печальной птицей над еще раскаленным пепелищем. Блэк-метал занимает ровно половину альбома и всё это сложные, многослойные, где-то даже прогрессивные и очень атмосферные композиции, наиболее яркая из которых - «Мертвых ночь» с заковыристым блэковым риффом. Именно в этой вещи атмосфера и мелодика Сруба, фолк и блэк-метал слились в идеальном сплаве. Если брать каждый опус по отдельности, я бы не сказал, что это такой уж прямо рафинированный пост-блэк. Всё-таки в «Мертвых ночь» свирепая подача ближе к более традиционному блэку, как и «За зовом зари» с намеком на депрессив-блэк. «Песни войны» – да, это пост-блэк с мощным фолковым мотивом. Но вообще, какая разница? В целом всё это весьма яркий материал.

Другая часть альбома куда более привычна для проекта. «Никогда не видеть зла» – это очень традиционный для Сруба мистический пост-панк, и вместе с тем один из лучших вообще в дискографии. Да, такого плана песни мы слышал у Сруба не раз, но здесь благодаря насыщенной палитре звучания и уровню инструментального исполнения «Никогда не видеть зла» звучит как эталон в своей нише. Песня «Лес» тоже должна пролиться бальзамом на душу старых поклонников Сруба. Здесь всё по канону, и даже само название отображает метафизику проекта. Однако главный сюрприз альбома таится в заглавном треке «Скверна» – это какой-то электрофолк и чуть ли не фолк-хоп вообще. Пожалуй, трек идеально бы смотрелся в радиоротации. Давайте дружно выдохнем и честно признаем, что сама по себе песня отличная и сильно напоминает настоящий заговор. И если нести в массы национальный колорит на понятном современном языке, то предложенный здесь Срубом рецепт видится мне вполне действенным и стильным. Завершающая альбом вещь, «В последний день», по своему звучанию куда ближе к экспериментам альбома «988» и воспроизводит сырой мрак ритуала на языческом капище.

Альбом, на мой взгляд, получился интересным и насыщенным. Но всё же упомянутая эклектичность делает его даже ПЕРЕнасыщенным и слишком неровным для целостного восприятия. Это и есть главный и вообще единственный минус «Скверны». Такое творческое распутье немного смущает. Ну а мне, помимо прочего, хотелось бы дослушать блэк-метал «по Срубу» от начала и до конца. Уверен, что здесь еще не всё сказано. Так что будем надеяться на продолжение.

Alias   6 фев 2023

Defiled является старейшей и самой заслуженной японской дэт-метал бандой. С середины 90-х группа уверенно удерживает свой статус, записав ряд поистине костоломных альбомов. Эти японцы всегда были известны своим головокружительным, экстремально навороченным брутал-дэтом. Но на “Infinite Regress” они малость сбавили обороты и выдали свой наиболее доступный по части восприятия альбом. При этом Defiled не стали играть менее технично, а просто изменили подход к композиции. Невероятная техничность обуздана в пользу более привычных песенных структур. Ну, относительно… Здесь стало немного меньше того нечеловеческого безумия, которым были пронизаны альбомы “Ugliness Revealed” и “In Crisis”, и временами альбом звучит больше в духе олдскульного дэта. Более того, в отдельных моментах можно услышать намеки на мелодии в привычном понимании этого слова.

И это отнюдь не плохо, потому что помимо упомянутой доступности чуть более прямолинейный материал в ряде случаев придал музыке гротескную монументальность. Лучший тому пример - “Tragedy”. Это самая продолжительная вещь на альбоме, и она таит в себе немало сюрпризов. Яростные брутальные взрывы то и дело проваливаются здесь в думообразные ямы, тема расцвечена изумительными гитарными соло, которые больше напоминают прог и трэш. Кроме того, тут еще присутствует и явный закос в блэк! Вся эта эклектика звучит на удивление ровно и целостно. Кстати, следующий трек “Systematic Decomposition” тоже несет в себе привкус блэка.

Но всё же преобладают на альбоме куда более привычные для Defiled рваные, дерганые вспышки ярости, построенные на хаотичных, витиеватых риффах. “Divide and Conquer”, “So Blind”, “Masses in Chaos” – отличные примеры брутальной музыки, сыгранной на пределе человеческих возможностей. Все эти ломаные ритмы, дерганые риффы, хаос и безумие напоминают портал в преисподнюю, который извергает из себя болезненными спазмами потоки мерзости, противоречащей самой материи привычного нам бытия. Временами Defiled звучат совсем уж эксцентрично, подмешивая в это безумие панк, как в “Aftermath”. Как видите, группа не следует шаблонам, демонстрируя где-то даже авангардистское стремление переосмыслить привычные формы.

Вызывает уважение качественный продакшен альбома. Все инструменты прописаны просто образцово, благодаря чему видимый (или скорее слышимый) хаос имеет четкую внутреннюю структуру. При этом злобный звук максимально приближен к естественному живому студийному звучанию, не перегруженному компьютерными эффектами и примочками. Очень хорош сочный гроул, который куда ближе к классическому дэт-металлическому вокалу, а не к гуттуральному бульканью брутала. Мне кажется, это выигрышное решение, и такой вокал добавляет естественности записи. В плане концепции группа на этот раз тоже себе не изменила, продолжив писать дневник социальных пороков уже на макроуровне, опираясь при этом на ряд авторитетных источников в литературе и документалистике. Так что, “Infinite Regress” это отличная вещь для любителей качественного брутального дэта с корнями. Будет интересно!

Alias  16 янв 2023

Уходящий год был продуктивным временем для нонконформистов от блэка Second to Sun. Помимо полноформатного альбома “Nocturnal Philosophy”, питерцы выпустили и весьма годный ЕР “Voices of Obscurantism”. Его главная особенность заключается в том, что материал был сыгран и записан в студии практически вживую. И пусть все семь представленных здесь треков мы знаем по предыдущим работам группы, было любопытно услышать их в обновленной трактовке. Изменилась подача, а где-то и аранжировки. Более того, отдельными интонациями музыка напоминает поздних Mayhem.

Проблема Second to Sun всегда была в том, что они странные. Или это скорее проблема слушателей, которые не могут переварить такое звучание. И словно назло, с садистским удовольствием расковыривая эту странность, Second to Sun переиграли здесь одну из самых отмороженных своих вещей – тетралогию «Мракобесие» с альбома 2018 года “The Black”. То, что получилось, я не могу назвать иначе, как мракобесная психоделия. Что-то совершенно нездоровое, выворачивающее наизнанку болезненное нутро бытия. Здесь 50% музыки, а всё остальное – ощущение. Музыка питерцев никогда не тонула в бесформенной атмосферной трясине, а всегда строилась на четких риффах и убойной ритм-секции. Но в эти риффы заложены какие-то искаженные гармонии, от которых реальность начинает растекаться чернильными пятнами. Больной нигилизм «Мракобесия» (в данном случае треки “A Letter”, “The Divine Voice”, “Net, spasibo”, “Call To The Grave”) это смердящий сгусток того, с чем вам не захотелось бы сталкиваться в реальной жизни.

Остальные три песни – это “Veter” с недавнего альбома (также выходила как сингл в 2021 году), новая версия “Leviathan” с прошлого альбома и старый хит “Vasilisa”. Эта вещь уже давно стала визитной карточкой Second to Sun. Так что “Voices of Obscurantism” можно считать показательной работой. Несмотря на то, что новых песен мы здесь не услышали, ЕР стал характерным срезом творчества Second to Sun и дает достаточно полное представление о сущности музыки группы.

Alias  26 дек 2022

К великому сожалению, этот альбом стал лебединой песней Manilla Road, так как лидер и основатель группы Марк Шелтон умер на следующий год после его выхода. И надо сказать, что прощание вышло вполне достойным. На мой взгляд, “To Kill a King” получился наиболее зрелой и выдержанной работой Manilla Road за достаточно долгое время. У альбома есть своя душа, и он не производит впечатления просто набора песен. Это весьма атмосферная запись, на которой царит интровертное и временами угрюмое настроение. А всё потому, что определяет звучание “To Kill a King” ряд сдержанно-эпичных, проникнутых прото-думовыми интонациями сумрачных композиций. Заглавная десятиминутная вещь, которая открывает альбом, сразу погружает слушателя в это состояние. Любопытно, что это интерпретация бессмертного шекспировского «Гамлета». Построенная вокруг пары классических хэви-метал риффов, композиция неспешно развивается, то и дело переходя от акустических переборов к думовым проигрышам. Нашлось здесь место даже эпизодическому использованию скрипки.

Следующая в ряду сумрачных песен крайне актуальная по нынешним временам песня-предостережение против ядерной войны “Never Again”. Это не только один из самых ярких моментов альбома, но и вообще одна из самых удачных песен в долгой карьере Manilla Road: удивительная полубалладная вещь, которая цепко хватает вас своими глубокими гармониями, пульсирующими риффами и густо растекающимися по мрачным ландшафтам соляками. Схожие по духу “In the Wake”, а также весьма напряженная “The Other Side” также хорошо раскрывают более заДУМчивую сторону творчества Manilla Road. Именно эти вещи и задают основной вектор звучания альбому. На их фоне даже более скоростные песни звучат словно «на прижиме».

Несмотря на смещение музыкальных акцентов, “To Kill a King” предлагает постоянный набор «непреходящих ценностей» Manilla Road. Прежде всего, это звук. То самое специфическое, чисто «маниловское» звучание присутствует и здесь. И как обычно, альбом больше напоминает качественно записанное демо. Тут уж вопрос лишь в том, принимаете вы такой сырой саунд или нет. Для кого-то именно такой звук сам по себе является ценностью, а других, наоборот, с души от него воротит. Я люблю Manilla Road, но, на мой взгляд, идеальное сочетание андеграундного звука и приемлемого продакшена в этой нише продемонстрировали Cirith Ungol на своем альбоме 2020 года “Forever Black”. Ну а что касается Manilla Road, то помимо характерного звука, на месте и все прочие индивидуальные черты группы. Среди них специфический вокал Марка Шелтона, который всегда был важной частью звучания банды. С годами он здорово подсел, и теперь напоминает сипло-рычащую глотку старого волка, но при этом сохранил мелодичность. Голос Шелтона периодически дополняет Брайан “Hellroadie” Патрик, который с 2001 года числится в группе основным вокалистом. Но, как ни странно, даже спустя почти 20 лет его вокал воспринимается скорее как вспомогательный. Тем более что зачастую он похож на Шелтона в молодости.

Наряду с полным набором традиционных фишек, всё же есть и небольшие изменения. Перед записью альбома в Manilla Road поменялся бас-гитарист, и это заметно. Фил Росс проявил себя толковым басистом и привнес определенную новизну в звучание. В ряде моментов его бас реально решает и отлично подходит материалу “To Kill a King”.

Проблема у альбома, на мой взгляд, одна – его затянутость. Пара песен здесь явно лишние: “The Arena” и “The Talisman” воспринимаются откровенным филлерами, и без них альбом точно ничего бы не потерял. Таких проходных вещей на альбомах Маниллы XXI века достаточно, и они мало чем отличаются друг от друга. Создается впечатление, что их единственная роль быть площадкой для упражнений Марка Шелтона в солировании. Безусловно, в длительных соло Марка вся суть Manilla Road. Он играет их с маниакальной увлеченностью, пусть с годами они и стали более сдержанными. Но пара-тройка лишних соло на фоне шаблонных песен-заготовок альбом отнюдь не украшают.

Поэтому хорошо, что на альбоме есть еще и напористые боевики “Conqueror”, “Ghost Warriors” и “Blood Island”, которые отлично смотрелись бы даже на таких основополагающих альбомах 80-х, как “The Deluge” и “Mystification”. Тут всё по классической для группы формуле: простые, но цепкие структуры, дающие простор для безудержного солирования. Самая сложная по ритмике, зловещая песня “Castle of the Devil” тоже вполне хороша, но её стоило бы доработать. Она классная, но немного «базовая», и при желании здесь можно было бы соорудить настоящего монстра. Избавься группа от лишнего балласта, “To Kill a King” мог бы легко встать в один ряд с классикой Manilla Road. Я не преувеличиваю.

В общем, даже несмотря на то, что иногда группе не хватило проницательности сказать себе «стоп», альбом получился хорошим. Даже очень хорошим. Здесь есть целостность, оригинальная атмосфера, отличные песни, классные гармонии и интересные мелодические ходы. Те, кто знаком с творчеством Manilla Road, без труда найдут на альбоме все самые любимые черты, благодаря которым и полюбили эту группу. Тот самый архаичный, эпический хэви-метал с элементами традиционного дума, мрачный и шершавый, но при этом чертовски выразительный, как картины Фрэнка Фразетты.

Alias  21 дек 2022

Начав в 1998 году с ошалелого викинг-блэка и немного поиграв с мелодэтом, к альбому “Vredens Tid” (’05) Månegarm окончательно выработали свой фирменный стиль, которого придерживаются до сих пор. Конечно, от альбома к альбому акценты в звучании немного меняются, но в целом банда идет ровно, исправно выдавая викинг-метал, густо замешанный на традиционном хэви. В общем-то, все фанаты Månegarm давно знают, чего ждать от группы, но с этим альбомом шведы удивили. К своему 20-тилетнему юбилею им удалось записать, возможно, свой самый сильный альбом. Это настоящее олицетворение творчества Månegarm, да и всего жанра викинг-метал – мощно, эпично и качёво. Благодаря сильному влиянию хэви-метала, пусть и аранжированного под викинг, продолжительные композиции не скатываются в эпичное занудство, а броские напористые треки, наоборот, отличает мелодика со здоровой примесью эпичности. Альбом исполнен эпики, но не пафоса, поэтому звучит очень естественно, а в силу композиционного разнообразия получился достаточно полным и в эмоциональном плане. Видное место занимает здесь великолепная скрипка, которая вместе с прочими акустическими инструментами (задействовали даже волынку) делает палитру звучания более насыщенной. И пусть всё это мы уже слышали, а большинство идей вторичны даже в контексте музыки самих Månegarm, но как же классно и цельно это звучит именно здесь!

Эпичный трек “Blodörn” начинает альбом со всей возможной основательностью и расстановкой. Это настоящее пособие, как должен звучать «былинный эпик». Трудно представить более подходящее начало для такого альбома. Кроме того, “Blodörn” дает полное представление о том, что нас ждет на альбоме – это отличный микс Bathory’образного викинг-метала и (поздних!) Iron Maiden, сдобренный элементами фолька и в меньшей степени блэка. Но не Девой единой. Бодрая и оптимистичная “Odin Owns Ye All”, а также “Call Of The Runes” местами являют собой чистый оммаж творчеству Running Wild. В этих песнях хэви-металлическое начало проявляется особенно сильно. Но лично мне куда более интересны такие основательные вещи, как “Tagen Av Daga” и “Kraft”, которые наряду с упомянутой “Blodörn” вобрали все лучшие черты альбома: яркие мелодии, мощные припевы, классные аранжировки и героически-повествовательную атмосферу.

Примечателен бонус-трек “Månljus”. Это самая первая песня Månegarm, написанная аж в 1995 году. Такой шквальный морозный блэк у Månegarm нынче не услышишь. Но если объективно, то вещь хоть и хорошая, но совсем не оригинальная. И продолжи группа и дальше писать такой стафф, то вряд ли бы она далеко продвинулась. Еще один бонус, кавер Bathory “Mother Earth Father Thunder”, погоды на альбоме не делает и примечателен лишь тем, что гостевой вокал здесь исполнил Алан Немтеанга из Primordial.

Но есть у альбома еще одна куда более интересная особенность. Månegarm всегда неплохо удавались акустические вещи «под фольк», и обычно на каждом альбоме у них есть одна-две такие. Здесь же целых четыре акустических номера, так что внутри альбома мы имеем еще и акустический ЕР, если проводить аналогию с великолепным ЕР 2006 года “Urminnes Hävd - The Forest Sessions”. Но, к сожалению, здесь не все песни получились равнозначными по качеству, и только “Blot” и “Allfader” можно отнести к несомненным удачам. Хороша была бы и “Vigverk – Del II”, но её Эрик запорол своим вокалом. У этого парня действительно хороший и разнообразный голос, но именно здесь этот надрыв совсем не в кассу. Его чистый вокал звучал бы куда лучше.

Что еще можно сказать. Узнаваемый звук Månegarm получился в этот раз не слишком пережатым, отчего альбом только выигрывает. Четкий, мясистый и выверенный саунд относится к положительным сторонам записи. Хотя я в очередной раз ловлю себя на мысли, что в своем звучании Månegarm во многом ориентируются на Abyss Studio Питера-нашего-Тагтгрена. Но здесь дело вкуса – кому что больше нравится. В остальном альбом можно смело рекомендовать не только фанатам Månegarm, но и опытным ценителям жанра викинг-метал. В 2015 году шведов явно озарила божья искра, и им удалось сочинить просто показательный материал. К тому же, я не припомню, чтобы в тот год еще у кого-то из флагманов жанра вышел альбом. Так что в рамках викинг-метала “Månegarm” это фактически альбом года. Odin Owns Ye All!

Alias   7 дек 2022

Итак, еще один альбом лавкрафтовской жути. Ну ладно, не жути, а скорее жутковатой романтики, навеянной вселенной Лавкрафта, которую уже третий альбом подряд продолжают исследовать Ultar. Судя по всему, в этой концептуальной нише они чувствуют себя вполне комфортно, и пресловутый кризис третьего альбома миновал их стороной.

Звучание Ultar с самого начала было экспериментальным и немножечко неопределенным. Группа не загоняла себя в жесткие рамки, меняя их по своему усмотрению. На “At the Gates of Dusk” правила игры вновь немного поменялись. По сравнению с предыдущей работой он звучит тяжелее и суше. Местами парни настолько «высушили» свой пост-блэк, что теперь это стало фактически мелодик-блэком. Открывающий трек “Midnight Walk and Reminiscences of Necromancy” отличный тому пример. Здесь Ultar играют блэк-метал почти в его первозданном виде, в паре моментов напомнив мне старых Emperor. Вроде и хорошо, и несущаяся по волнам бласт-битов песня вполне способна снести башню, но всё же ей не хватает доли фирменной «ултаровщины», без которой это просто очень хорошая вещь. Хотя признаю, что звучание здесь удачно дополнено вкраплениями акустики с редкими каплями клавишных. Часто именно такие нюансы и придают музыке запоминающийся вкус. Например, следующий трек “Evening Star” сразу врезается в память тем, что в его вступительном риффе прорывается… приблэкованный шведский дэт! Получилось весьма воодушевляюще. Но, опять же, в целом эта тема больше напоминает старые добрые скандинавские дела. Да и вообще, если сравнивать с прошлыми работами Ultar, на “At the Gates of Dusk” удельный вес более конкретной, плотной и прямолинейной по подаче музыки стал куда больше.

К слову, более привычный для Ultar пост-блэк теперь тоже обзавелся новыми гранями. Например, в размеренной “Antiques” можно услышать элементы (или скорее слои), ассоциирующиеся с более традиционным металом и флегматичным пост-роком. Да собственно, и не только в этой теме. Нечто подобное можно уловить и в “Rats in the Walls”. А в “My Rope” на фоне пост-блэковых разливов можно уловить семидесятнические нотки! Сомневаюсь, что это было сделано намеренно, однако некоторые намеки в альбоме на психоделику показывают очень интересный путь, которым могла бы дальше двигаться группа, возьмись она за дальнейшее развитие таких граней. Было бы любопытно услышать микс из мелодичного блэка и психоделик-прога. Возможно, это просто разгулялась моя буйная фантазия, но кто знает… Что-то подобное выдали на своем предыдущем альбоме Blut aus Nord (“Hallucinogen” - 2019), и у них это отлично звучит.

Но вернемся к Ultar. В целом альбом производит положительное впечатление. В нем по-прежнему достаточно фирменного ултаровского «бархата» и эфирности. Артистичный подход к музыке и творческая гибкость поставлены во главу угла, так что со вкусом у пацанов полный порядок. К тому же всё сыграно профессионально и технично. По части сведения и продакшена нареканий тоже нет. Более того, в этот раз группе удалось поймать ту самую ламповость и приятную шероховатость. Оформление ранее вышедших синглов и обложка удачно передают настроение альбома и, на мой взгляд, такое оформление стало наиболее удачным среди всех работ Ultar.

Но есть у меня одно замечание, которое касается не столько качества песен, сколько их последовательности. На мой взгляд, альбом воспринимался бы чуть иначе, если бы первые две вещи переместились ближе к середине, разбавив размеренный материал. А вначале поставить более характерный ултаровский стафф. Та же “Innsmouth”, которая оказалась в самом конце, прекрасно смотрелась бы в качестве открывашки. По сути, это чуть ли не главный хит альбома. Мне кажется, так альбом звучал бы выигрышнее. Просто мне уже приходилось встречать мнение, что начав слушать альбом, народ немного потухал в своем энтузиазме, так как первая вещь звучит слишком традиционно для жанра, а им подавай чего-то такого специфического. В общем, сами песни по отдельности очень хороши, но в контексте всего альбома получается определенный дисбаланс. Ну и в тех местах, где эпизодически используется гроул, грим смотрелся бы органичнее. Особенно в связке с высококлассным, поставленным скримом, который выдает вокалист. В остальном альбом зачетный. Пока что Ultar вполне удается не повторять себя самих и звучать интересно, несмотря на супернасыщенный музыкальный рынок.

Alias   1 дек 2022

«Этот альбом рассказывает о злости. Говорит о людях, у которых нет возможности выразить свою злость в отношении того, что происходит в мире», – Дио об альбоме “Strange Highways”.

Злой Dio? Еще и какой злой! Я переслушал много метала. А экстремального метала мне довелось наслушаться едва ли не больше, чем более «доступных» метал-жанров, но я по-прежнему глубоко убежден в том, что “Strange Highways” один из самых злых и агрессивных альбомов, которые только можно представить! Он экстремален в самой своей сути, альбом грохочет и лязгает, круша всё на своем пути. С одной стороны, это по-прежнему хэви-метал, но какой-то странный, с летальной примесью мрачнейшего дума и еще чего-то, присущего только этой записи. Это очень брутальный, до экстремальности брутальный хэви, который буквально давит чудовищным катком.

Вовсе не удивительно, что на момент выхода “Strange Highways” большинство фанатов Dio просто не поняли эту мрачную запись. Да и сейчас это далеко не самая популярная работа в каталоге Dio. Действительно, альбом совсем не похож на предыдущее творчество Дио. Раньше его мелодичный хард-н-хэви погружал слушателя в яркие магические миры, полных средневековых образов и фэнтезийной романтики. А здесь такая пучина мрака. Хотя, на мой взгляд, такой подход не стал полной неожиданностью. Предпосылки ведь были вполне очевидными. Уже на альбоме 1990 года “Lock Up the Wolves” Дио пошел по пути утяжеления и сгущения мрака. Но истинным предтечей нового звучания стал альбом “Dehumanizer” - самый тяжелый альбом Black Sabbath, который Дио записал со старыми коллегами в 1992 году во время недолгого реюниона. Тогда тоже многие ждали от Саббат “Heaven and Hell” MK.2, а получили жесткий и недружелюбный “Dehumanizer”. “Strange Highways” видится мне его прямым и логичным продолжением.

На своем новом альбоме Дио решил осовременить звучание, сделав его максимально жестким и мрачным. К тому времени предыдущий состав Dio целиком распался, и группу пришлось набирать заново. Кто сказал, что в одну реку нельзя вступить дважды? Как и 20 лет назад, покинув Black Sabbath, Дио вновь увел за собой и барабанщика Винни Эписи. Оставшиеся вакансии заняли бас-гитарист глэмеров (!) Dokken и почти никому неизвестный гитарист Трейси Джи. Под руководством звездного продюсера Майка Фрейзера группа приступила к записи “Strange Highways”. Кстати, Фрейзер тогда тоже еще не соприкасался с реально тяжелой музыкой, работая до этого с AC/DC, Aerosmith и над сольным проектом Coverdale/Page. Так что, согласитесь, для такой работы, как “Strange Highways”, компания подобралась довольно странная. Но это сработало!

Для инструментального звучания альбома был выбран самый базовый подход, основой которого стали просто барабаны, бас и гитара. Всё это записано преимущественно без наложений и зачастую без второй гитары. Клавиши практически не используются. Много песен построены вокруг ритма, а сама ритм-секция подобна тяжелой поступи какого-то гигантского чудовища. Особенно яркий пример – одноименная вещь “Strange Highways”. Гитарные риффы на первый взгляд кажутся вроде простыми и прямолинейными, но с неким «подвыподвертом». Периодически в них проскакивают такие изобретательные нюансы, которые иначе и не назвать. Всё это звучит предельно громко и концентрированно жестко. В плане вокала Ронни Джеймс Дио тоже дает просраться. Здесь его голос очень агрессивный, то и дело он буквально рычит. Изменилась, конечно же, и концепция текстов. С волшебных историй и королей рок-н-ролла Дио переключился на самые темные закоулки души человека, его страхи: отчуждение и одиночество, насилие над детьми, боль, жестокость, тщетность усилий, тяга к разрушению – добро пожаловать в реальный мир…

Что касается песен, то неприятие альбома олдскульными фанатами Dio связано только с его звучанием и концепцией. Потому как сам материал очень сильный и больше половины песен это настоящие хиты. “Jesus, Mary & The Holy Ghost”, “Hollywood Black”, “Evilution”, совсем недобрая полубаллада “Give Her the Gun”, да и сама зловещая “Strange Highways” – всё это первосортный материал. В общем ряду лишь несколько выбивается более позитивная “Bring Down the Rain”, которая ближе к традиционному творчеству Дио, а также почти спид-металлическая “Here’s to You”. Но и эти вещи получились крутыми и ничуть не разжижают альбом.

В общем, альбом, наверное, требует определенной смелости и открытости взглядов, если вы старый фанат Dio, который до сих пор сидит на вершине «Серебряной горы». Ну а если вы не связаны условностями такого восприятия, и если для вас старые классики вроде Dio не кажутся немодным нафталином, то добро пожаловать во мрак, подавленные эмоции и всё такое прочее. И зацените крутейшую обложку – уже только ради нее одной можно купить этот альбом!

Alias  28 ноя 2022

Альбом Cradle of Filth 1996 года “Dusk… and Her Embrace” сделал группу по-настоящему легендарной. Кажется, с тех пор никому в жанре не удалось повторить такой впечатляющий успех. Альбом-эпоха, он почти сразу стал классикой симфо-блэка, настоящей вехой. Однако столь выдающимся достижением альбом получился далеко не сразу, и у него весьма витиеватая история. То, что мы здесь рассматриваем, является первой, оригинальной версией “Dusk… and Her Embrace”, записанной в 1995 году для лейбла Cacophonous Records другим составом. Тем составом, который годом ранее выпустил дебют “The Principle of Evil Made Flesh”. Кроме того, группу тогда временно покинул оригинальный бас-гитарист Робин Грейвз, и вместо него на записи мы слышим Джона Кеннеди. Это примечательный персонаж: в Cradle of Filth он надолго не задержался и вскоре основал Hecate Enthroned, где стал вокалистом! В 90-х эту группу часто сравнивали с «колыбелью», подавая ее как «Cradle of Filth для бедных». Не буду столь категоричен в суждениях, особенно столь обидных, но музыкальное и (что особенно важно) вокальное сходство обеих банд очевидно.

Но вернемся к альбому. В процессе его записи у Cradle of Filth начались сильные трения с выпускающей конторой. Недовольные работой лейбла, парни решили, что новый материал слишком хорош, чтобы выпускать его на Cacophonous. Но последние совсем не хотели так просто отпускать многообещающую группу, и Cradle of Filth пришлось судиться с лейблом, чтобы отвоевать права на альбом. В итоге группе разрешили его забрать, но за время вынужденного простоя в коллективе назрели противоречия, что вскоре привело к смене половины состава. Чтобы выполнить контрактные обязательства перед Cacophonous, был выпущен ЕР “Vempire Or Dark Faerytales In Phallustein”. А уже для нового лейбла Music For Nations было решено заново записать “Dusk and Her Embrace” в новом составе. Что мы и услышали в 1996 году. Таким образом, первоначальная версия альбома была похоронена на два десятилетия, и только в 2016 году ее извлекли из сырого склепа.

Сразу скажу, что на откровение “Dusk… and Her Embrace – The Original Sin” совсем не тянет и представляет интерес лишь для старых фанатов группы. По сути, это намного более грубая и сырая версия “Dusk… and Her Embrace”. Настолько сырая, что больше напоминает демо-запись, чем альбом. По сравнению с “The Principle of Evil Made Flesh”, который был во всех отношениях очень успешной работой, “The Original Sin” звучит слишком андеграундно и сумбурно. Дебют смотрелся куда более цельно и выигрышно. И дело здесь даже не в подвальном звучании “The Original Sin”, а в каком-то беспорядочном, сбивчивом ощущении. Кажется, что на тот момент музыкантам просто не хватало опыта и умения привести в порядок свой амбициозный замысел. А замысел действительно был масштабный – перезаписанный и выпущенный в 1996 году “Dusk… and Her Embrace” поражает своей продуманностью и тонкостью. Оригинальная же версия поражает своей расхлябанностью. К тому же, периодически слышен откровенный рассинхрон. А от гитарных соло просто кровь из ушей! Такой подход к записи вполне уместно смотрелся бы у более традиционной блэк-метал группы. Но напыщенная, сложная драматургия Cradle of Filth требует куда более продуманного подхода и реализации. Из-за своей недоработанности и лютого подвального духа альбом кажется затянутым, и его сложновато воспринимать.

Помимо явных огрехов со звучанием, на “The Original Sin” отличается порядок песен. И не только это. Как оказалось, не всем песням отсюда нашлось место на записи, вышедшей годом позже. “Nocturnal Supremacy” в итоге попала на ЕР “Vempire Or Dark Faerytales In Phallustein”, а вместо нее был записан совершенно новый трек “Malice Through The Looking Glass”. Инструментальное интро “Macabre, This Banquet” тоже присутствует только на “The Original Sin”. Вокал Дани Филта также не является сильной стороной данного релиза – здесь он избегает забираться в свои фирменные верха, и всё чаще использует средний регистр. Сказать по правде, временами вокал звучит откровенно карикатурно. Собственно, это всё, что касается отличий по содержанию. В остальном это тот материал, который хорошо известен по альбому 1996 года, только в значительно более сыром, зачаточном виде и с менее проработанными аранжировками. Что примечательно, на “The Original Sin” особенно заметны отличия в подходе к музыке, если сравнивать со скандинавскими блэк-металлистами. Гитарный строй у Cradle of Filth был значительно ниже, и их блэк носил заметный отпечаток раннего британского дум-дэта и дэт-грайнда. Благодаря этому влиянию у «крэдлов» присутствуют откровенно мошевые моменты, которые при дефиците готичности звучат здесь особенно фактурно. Даже удивительно, насколько удачно удалось привязать готические клавиши к столь противоречивому каркасу.

В общем, “Dusk… and Her Embrace – The Original Sin” получился любопытным документом. Выйди альбом в таком виде, группа тогда вряд ли бы достигла тех высот, которые ей покорились. Но уже в обновленном составе, изменив подход к студийной работе и подачу, Cradle of Filth смогли довести до ума свой замысел, удачно подчеркнув всё самое лучшее, что было на тот момент в их сложной музыке. Как любопытное путешествие в прошлое “The Original Sin”, несомненно, интересен. Но вот на уровень самодостаточной работы он совсем не тянет, и воспринимается лишь как дополнение к легендарному альбому 1996 года. Тем не менее, благодаря своему качественному наполнению и идеям эта запись звучит куда интереснее многих альбомов и с более высокой оценкой.

Alias  23 ноя 2022