 |
 1977-й год. На мировую рок-сцену рьяно рвется панк, в то время как динозавры прогрессивного рока постепенно вымирают – одни просто исчезают, другие начинают играть черт-те что. Как в свое время Pink Floyd, участники ELP в смутный период, когда они находились на грани распада, решили выпустить альбом, в котором каждому из них было дано на пластинке место для реализации собственных идей. Альбом получился двойным: три стороны винила – вещи соответственно Эмерсона, Лейка и Палмера по отдельности, а последняя – две большие композиции совместного творчества.
Кит Эмерсон не стал слишком задумываться, плюнул на рок жирно и сочно и выдал «Piano Concerto No. 1», произведение в жанре полностью классической музыки, состоящее из трех частей. Сам он сыграл на фортепьяно, а вместе с ним в записи участвовал Лондонский филармонический оркестр под управлением Джона Мэйора. С точки зрения музыки как таковой ничего супероригинального здесь нет, но и придраться вроде не к чему – разве что к отсутствию запоминающихся мелодий.
1) Первая часть концерта для фортепьяно с оркестром, «First Movement: Allegro Giojoso», продолжительностью более 9 минут, в основном имеет быстрый темп, и отображает, как сообщается в названии, чувство радости. Иногда темп замедляется и музыка становится более лирической. Начало напоминает Прокофьева, в дальнейшем слышится то Рахманинов, то Чайковский, то Римский-Корсаков. В любом случае, чувствуется явное влияние именно русской классической музыки прошлого и позапрошлого века. Более всего мне понравился момент ближе к концу, когда Кит играет на своем фортепьяно что-то близкое по духу скорее к джазу.
2) Вторая часть, «Second Movement: Andante Molto Cantabile», медленная и несколько грустная. Здесь уже чувствуются сонаты Бетховена, ну и Моцарт тоже.
3) Третья часть, «Third Movement: Toccata Con Fuoco», как следует из названия, играется с жаром. Правда, жар этот сродни скорее адскому пламени, поскольку музыка здесь достаточно тревожная – в духе Рахманинова и опять же Прокофьева. В то же время не обошлось здесь, видимо, и без Бетховена. Эту часть я назову, пожалуй, самой интересной из всех трех.
То, что Эмерсон обозначил свой опус первым номером, могло означать, что он еще вполне может выдать и номер 2, однако ни на каких номерных альбомах, выпущенным им либо сольно, либо в составе разных групп, ничего такого вроде бы не появлялось.
Грег Лейк решил показать себя скорее с точки зрения вокала, чем гитарного искусства. Все стихи для него написал Питер Синфилд, долгое время работавший с King Crimson. Если бы не было вокала, можно было бы решить, что мы продолжаем слушать композиции Эмерсона, поскольку здесь вовсю используется оркестр. Кроме того, все композиции являются балладами, причем тема у них в основном одна – любовные отношения, что тоже нельзя назвать оригинальным.
4) «Lend Your Love to Me Tonight». Лейк начинает петь под акустическую гитару, голос звучит так, словно он выступает в большом зале. Сильный все-таки вокалист – ничего не скажешь. Лирический герой просит любви, при этом вовсю пользуясь религиозными образами, однако употребляя их в ином контексте: «Не нужно мне… ни поддельного стыда мученика, ни распятия», поскольку Лейк – человек скорее атеистического склада (вспомните его «Гимн» с альбома «Tarkus»). К вокалу присоединяется оркестр, хорошо дополняющий его и звучащий все громче. В какой-то момент появляются и ударные с басом. Милая песня, но ничего выдающегося. Затем возвращается акустическая гитара, играющая под бас и оркестр. Окончание очень уж внезапное – оркестр просто обрывается.
5) «C’est la vie». Песня о желании увидеть когда-нибудь, что ты любим, или услышать слова любви. Основу композиции вновь составляет акустическая гитара, вновь к вокалу присоединяется оркестр, но эта тема более красива и грустна, да и вообще я считаю ее лучшей на альбоме. В середине звучит даже короткое соло на аккордеоне, из-за чего композиция приобретает дополнительную «французскость» и ты словно переносишься в послевоенный Париж. После этого оркестр играет наиболее эмоционально, а к нему присоединяется еще и хор.
6) «Hallowed Be Thy Name». Наиболее отличающаяся от всех остальных творений Лейка, данная тема звучит как-то несколько сердито. Несмотря на цитирование строк из «Отче наш», это никакая не молитва, а размышление о том, в каком мире мы живем. Тут сначала вступают ударные, к которым присоединяется бас, фортепьяно и оркестр. Здесь уже чувствуется влияние джаза. Центральным образом в песне становится безумец, разговаривающий с лирическим героем, а потом они вместе напиваются. Можно было сделать довольно сильную вещь, но чего-то не хватает. Может быть, электрогитары?
7) «Nobody Loves You Like I Do». Еще одна песня про любовь, которую лирический герой чувствует к своей избраннице и ничего не может с этим поделать. Вокал вступает сразу под две гитары (акустическую и электрическую), затем подключаются ударные и бас. Наверное, это наиболее похожая на рок песня – правда, на кантри-рок, поскольку здесь задействована губная гармоника. Получилось достаточно задорно, но одного задора все-таки мало. Без оркестра, впрочем, и здесь не обошлось – он вступает с испанской гитарой. Потом Лейку еще и подпевает хор – он звучит все мажорнее, пока композиция не завершается диминуэндо.
8) «Closer to Believing». Оркестр и голос Лейка, еще есть фортепьяно. Естественно, здесь вновь про любовь: «Без тебя я всего лишь глупец в поисках рая». Основной мыслью композиции является то, что нужно быть вместе и не терять веру. В инструментальной середине поет хор. Неплохо, но опять же ничего оригинального. Впрочем, для медитации подошло бы.
Сторона, отведенная Карлу Палмеру, также получилась отличной от других и самой непредсказуемой из всех, причем в основном в этих инструменталах он решил показать свою приверженность таким жанрам, как фанк и фьюжн. Правда, сам не справился, а воспользовался услугами как классических композиторов, так и своих товарищей, что, видимо, свидетельствует о том, что в трио Карл был не самой, так сказать, креативной личностью.
9) «The Enemy God Dances with the Black Spirits». Данная тема представляет собой отрывок из «Скифской сюиты» Прокофьева. Получилось весьма тревожно и вполне удачно. Палмер стучит по своим барабанам или играет на перкуссиях в сопровождении оркестра. Видимо, Эмерсон оказывал свое влияние на всех, раз даже ударник не смог обойтись без этого.
10) «L.A. Nights». Это уже совместное творчество с Эмерсоном. Ударные, бас и саксофон задают быстрый темп. На электрогитаре играет Джо Уолш, он же выкрикивает то немногое из текста, что здесь есть, а именно название темы и разные звуки. Особенно неплохо звучит сочетание электрогитары и саксофона под бессмысленные выкрикивания Уолша и ритм, ведомый басом и ударными. Ближе к концу появляется и фортепьяно. В общем, неплохой такой джаз-рок получился. Поскольку конца и края теме не видно, заканчивают ее диминуэндо.
11) «New Orleans». Единственная вещь, сочиненная Палмером в одиночку. Медленный стук ударных под квакающую гитару или пронзительный саксофон. Джазово. Прикольно. Здесь Палмер вновь показывает свое умение обращаться с разными перкуссиями.
12) «Two Part Invention in D Minor». Неплохая обработка Баха. После звона тарелок Палмер играет на ксилофоне в сопровождении скрипки.
13) «Food for Your Soul». Эту тему Палмер сочинил вместе с неким Саутом, а Лейк здесь стал сопродюсером (остальные треки Палмер продюсировал сам). Резкое вступление ударных с духовой секцией переходит в весьма быстрый джаз. Присоединяется и гитара, добавляющая резкие аккорды. В середине после небольшого прохода ударных музыка становится еще мощнее и быстрее, однако сильно посолировать гитаре не дают. Опять ударные начинают типа соло, которое они не смогли устроить раньше, присоединяется флейта (кажется), гитара, и с громким «бамц» все заканчивается.
14) «Tank». Новая обработка инструментала с дебютника группы, представляющего совместное творчество с Эмерсоном. Ударные, аккорды электрогитары, а затем оркестр с фортепьяно. Еще более джазовой эту композицию делают духовые. В середине ударные задают неплохой ритм, который поддерживается тревожно звучащими клавишными и духовой секцией.
И вот последняя сторона альбома. Во многих случаях для создания чего-то интересного необходимо совместное творчество, однако и здесь более или менее слушается лишь первая тема, да и то лишь в течение ее первой половины.
15) «Fanfare for the Common Man» является обработкой вещи американского композитора Аарона Копленда, музыки для Олимпийских игр. После гулких бухающих ударов наступает пауза, потом звучат фанфары. Возникает ритм, ведомый ударными и басом, к ним присоединяются фанфары. Затем солирует какой-то духовой инструмент, через какое-то время с ним соревнуется другой, издающий интересный дребезжащий звук. Ритм ускоряется, модифицируется, сбивается, однако в основном его рисунок не меняется на протяжении девяти минут, пока музыка в конце концов не затихает.
16) Вторая совместная вещь, «Pirates», имеет продолжительность более 13 минут. Навороченности и темповых переходов здесь, конечно, хоть отбавляй (а отбавить действительно надо). Тревожные синтезаторные звуки, редкие перкуссии, затем вступает оркестр Парижской Оперы, играющий нечто пафосное, под клавишные, ударные и бас (все инструменты наших ребят). Этот вступительный инструментал, рисующий картину бескрайних морских просторов, длится достаточно долго. Наконец появляется вокал Лейка. Стихи написаны Лейком вместе с Синфилдом, однако последний явно был не в лучшей форме. Нам рассказывают о разудалой жизни пиратов, которые грабят корабли, причем всегда удачно, а затем отправляются на поиски волшебной страны Эльдорадо. Здесь нет ни размышлений об аморальности подобного занятия, ни торжества справедливости в лице какого-нибудь сильного противника, ни даже завершения рассказа как-нибудь в духе: «Они плыли долго, но Эльдорадо так и не нашли». Прерывается, кстати, все внезапно, но оно и правильно – недорассказали ведь. Как-то даже непонятно, к чему об этом всем нам поведали. Причем музыка и вокал такие, словно ребята полностью на стороне пиратов. В общем, ну ее в баню, такую поэзию! Наиболее интересен в этой композиции инструментал в быстром темпе, звучащий в середине, после первой вокальной части. Все остальное в голове как-то не задерживается.
Альбом, конечно, представляет много чего – и мастерство музыкантов (правда, и их недостатки тоже), и их пристальное внимание к аранжировкам, и их любовь к классической музыке или джазу, – но вот чего-то реально сильного, такого, что должно остаться на века, здесь, наверное, нет. Присутствие оркестра чуть ли не в каждой композиции приводит к мысли, что ребята совершенно разучились играть рок, если они не могли обойтись без классики. Ничего не имею против такого подхода к музыке, но оркестр положение здесь явно не спасает. |
 |
( 1 )
Вы можете зарегистрироваться на сайте или залогиниться через социальные сети (иконки вверху сайта).