 |
Last login: 4 октября 2024, 10:26
|
 |
| 
|
|
|
 |
|
| Последний на сегодняшний день альбом Napalm Death вселил в меня уверенность в том, что родоначальники грайндкора, в отличие от своих соотечественников-футболистов (которые должны были бы нам время от времени напоминать, кто изобрел футбол), не собираются со временем сдавать своих позиций и по-прежнему хранят у себя ключи от всех грайндкоровых и шире – экстремальных – поднебесий. Удивительно, но группа, образовавшаяся на заре 80-х гг. прошлого века, поменявшая состав к началу 90-х и до сих пор держащаяся одним целым, умудряется не дать своему творчеству, с одной стороны, застыть, а, с другой стороны, опошлиться под влиянием сиюминутных стилистических фэшн-тенденций (по следам рецензии классика). Но, видимо, такова конституция их душ, да и непреходящее здравомыслие помогает не потерять правильный путь и не податься каким-либо искушениям зеленого змия музыкальной индустрии. Конечно, и в 1996-ом, и в 2005-ом, и в 2006-ом году они уж не были тем грайндом или даже дэтом, как в начале 90-х, но градус честности их музыки никогда не понижался… Вот и сейчас так. Перед нами очень современный экстремальный продукт, носящий на себе печать фирменного драйва Napalm Death и продолжающий линию их предыдущего альбома. Разительных отличий от "The Code Is Red... я не услышал. Второй альбом подряд Напалмы рубят вчетвером, и им даже в таком составе удается выкладываться за пятерых-шестерых. Все та же мощная, скоростная и рваная игра Митча Харриса, правда, не исключаю, что она стала еще более интенсивной и подогревающей желание слэма (однако очень огорчило наличие совсем уж лубочных аккордов, и это сыграет на моей оценке этому альбому). Скримов гитариста, ошеломляющих своей дерзостью и нонконформизмом, стало на порядок больше; манерой вокального исполнения он приближает команду ко временам "F.E.T.O.", когда роль горлопана играл его выдающийся однофамилец. Вспомнили этот знаковый альбом, вспомним и о человеке, который играет в группе с тех самых времен. Заслуженный басист Шэйн Эмбюри гудит, вернее скрипит своим басом(гитарой) и замечательнейшим образом открывает песни, когда Харрис еще не проснулся. Прибавляет и Дэнни Херрера: с каждым альбомом его бластбиты становятся все сочнее, а сбивки техничнее, и все это, естественно, без потери скоростей, для поддержания марки ND. Главный возмутитель спокойствия – Барни Гринуэй – не проявляет себя ничем новым – уже и так неоспоримо то, что протест и решительное слово по поводу любого отрицательного явления действительности должны принадлежать именно ему... И, конечно, направленный богатырский рык Гринуэя только выигрывает от спорадических визгов Харриса, так уж заведено в грайнде со времен связки Дорриан-Харрис :))))
Среди песен мне встречались как безусловно положительные, так и вызывающие противоречивые эмоции. С привычной точки зрения многое радует. Но, прослушав едва ли не весь первый десяток песен и вспомнив материал «The Code Is Red…», я понял, что Напалмы уже не удовлетворяют уймой привычных зубодробительных риффов с всенепременными слэмовыми вспышками – это было и в не менее концентрированном виде, и хочется чего-то другого. Другое мнилось не инструменталами в индустриальном ключе The Swans (опять) и не симфонической начинкой старой конфеты (это в новинку)… Первое, однако, продолжило работать на группу, был создан т.н. “Morale 2” – “Atheist Runt”, доступный, однако, только в качестве бонуса. Да, с привычной точки зрения многое радует… Но об этом говорить неинтересно. А вот что замечательного в главном хите диска – детище Эмбьюри "When All Is Said And Done", я пока не понял, зато ясно, что это одна из самых доступных и бесхитростных (в самом что ни на есть оценочном смысле слова) песен Напалмов. Куда замечательнее другой номер, в котором Шейн также выступил как композитор и автор текста – бешеный трэшевый и что самое главное – достаточно скромный и изощренный мозгокромсатель под названием “Shattered Existence”. Из других особенностей, конечно же, женский вокал, но, несмотря на свою любовь к Аннеке, должен сказать, что тут она не к месту, поскольку добавляет в саунд Napalm Death несвойственный группе созерцательный эстетизм, а от подобной гламуризации всего и вся плеваться хочется…
Итак, этот альбом я считаю очередной сильной работой группы, но вектор их исканий, кроме стремления строгать яростные и 100% эффектные альбомы из года в год, мне не очень понятен. «Smear Campaign» необыкновенно силен больше в соотношении с творениями команд-представителей дэт/грайнда вообще, но не по внутренней шкале группы.
|
|  |
|
|
|
|
|
| А вот своим вторым альбомом Decapitated, видимо, захотели компенсировать недостаточную мрачность и преимущественную безатмосферность своего дебютного творения и выдали-таки сыроватый и на вид грубо обработанный дэт (впечатление, конечно, обманчиво). Решили, помимо этого, добавить брутальности и добавили, еще как! И в этот раз Decapitated, действительно, выбрали путь, указанный им великими Morbid Angel. Это, пожалуй, единственный альбом группы¸ который окрашен в «правильные» тона, уподоблен своим звучанием классике дэта (как раз таки классике от Азагтота и Ко). Буквально с первых секунд открывающей диск композиции нам дают понять, что гитарная работа на этом диске принадлежит профессионалу, мастеру экстра-класса, причем ее плотность и монументальность позволяют заподозрить участие в записи альбома никак не меньше 2-х высококлассных гитаристов, связанных между собой узами телепатии. А навороченность гитарной архитектуры в альбомах этого польского коллектива обеспечивает, как мы знаем, лишь один человек – Vogg. Виртуозно сыгранные им риффы, возможно, отчасти и повторяют наработки других классических дэтовых банд, но он настолько здорово вытачивает из них то, что соответствует стилистике именно своей группы, что они врастают в дэт-металический контекст уже в новом качестве. Создается впечатление, что фантазия гитариста выходит далеко за пределы четких рамок и удивительно, что он так умело контролирует себя, концентрирует свои музыкальные находки в готовых композиционных формах. Не исключено, что техническая раскрепощенность стала возможна благодаря довольно-таки строгому стилю ударника, который, надо сказать, одновременно возмужал и обленился за 2 года. Бластбиты и двухбочечные очереди безукоризненны, но общее впечатление: движение в сторону прямолинейности. Вокалист, как и на предыдущем альбоме, ничем не примечателен – таких много, и возраст со временем перестает быть гарантом класса. Зато его не всегда заметный гроулинг отлично гармонирует с музыкой, которая «вся в себе». Впрочем, пора сказать и о явных недостатках альбома. Я вижу здесь только один просчет, зато полновесный. «Nihility» насыщен музыкальными событиями, но при прослушивании по временам неминуемо возникает ощущение сухости (сродни той, которую можно заметить у Necrophagist и не только). Сухость эту как могут разбавляют нестандартные гитарные соло, скромные и лаконичные, что-то вроде «заметок на полях», но в целом остается некий неприятный осадок из-за отсутствия драйва в том виде, в каком мы привыкли его воспринимать и в том виде, в каком хотелось бы его тут слышать. В этом отношении их дебютный альбом смотрится выгоднее.
Вернемся, однако, к приятному. И здесь также есть композиция, достойная называться великой – да, это та самая “Spheres of Madness”. Какой холод пронизывает ее, как в этих суровых, беспощадных риффах, идущих в сопровождении напряженных очередей бас-бочек, отражается аксиологическая триада Decapitated: Зло, Мизантропия, Нигилизм! Они доходят в этом отрицании до самого конца и вопрошают: “So non-existence is the only sense?” Напоследок поляки в очередной раз воздают дань уважения… на этот раз Napalm Death. Выбор песни удачен – она превосходно вписалась в альбом и завершила его на какой-то куда более человеческой и жизнеутверждающей ноте…
В целом, это достойный преемник первого альбома группы, более тяжелый в музыкальном и во всех других планах… и менее увлекательный, если смотреть глазами любителя не замкнутого в себе метала. Словом, один шаг вперед, затем один шаг назад...
|
| |
|
|
|
|
|
| Великолепный образец техно-дэта и, пожалуй, единственный альбом этой группы, в связи с которым можно подивиться возрасту музыкантов. Удивляться неотразимым талантам в сфере дэт-метала нам никто не запрещает и в XXI веке, и это хорошо. Не все потеряно, в общем. Конечно, атмосфера, которая концентрируется вокруг музыки, и условия восприятия уже не те, но все, как известно, течет и изменяется… Итак, тут мы имеем здорово сыгранный техничный дэт-метал, изготовленный по рецептам маститых учителей и приправленный собственным юным гением. Исполнение музыки разнится по скоростным показателям. Играть технично и при том быстро – это давний завет, и Decapitated следуют ему, но в меру. Любят парни средний темп, тут ничего не поделаешь. Виртуозность гитар, выражающаяся в ловких, с легкостью ложащихся на слух риффах – вот чем козыряет эта молодая группа. Риффы эти как никогда «умны» и сыграны в своем собственном профессиональном ключе, хоть отсылки к классикам и присутствуют: Vader слышится в первую очередь, но Decapitated явно превосходят их в виртуозности (и, извините меня, Vader никогда техно-дэт не играли, а потому думать о побежденных учителях и победителях-учениках не приходится). Дэт Decapitated на этом диске очень гибок, в данном случае техническая закрученность продукта способствовала, как не странно, его легкой усвояемости. Чуть было не забыл сказать о соло гитариста (например, в “Blessed” или “Nine Steps”), которые, на мой взгляд, здесь все же лучше, чем на последующих альбомах. И о басисте можно было бы обмолвиться парой слов, но бас как таковой, увы, оказался потерян в миксе (и отчетливо слышится мне он только в конце 2-ой минуты “Nine Steps”). Очень здорово вписывается в коллектив совсем уж малолетний ударник Vitek, легко приспосабливающий свою игру под высокие запросы ритмичнейшего дэта этой команды. Парень далеко пошел уже на «Winds of Creation», где демонстрирует свое свободное обращение с малым барабаном, тарелками и жирно звучащими бочками, чего сложно ожидать при его летах и возрасте команды (одна претензия: неспешный бластинг в отдельных фрагментах звучит неуклюже). Дал ли этот замечательный дэтовый дебютник хиты в копилку мирового дэт-метала? Пожалуй, да. По крайней мере, “The Eye of Horus” язык не поворачивается назвать никак иначе, как польским экстремальным песенным культом 2000-х гг, ведь в этой композиции столько легкости исполнения и тотальной разрушительности, угарной техники и эпической силы! Ближе к концу трэк-листа музыканты, видимо, почувствовали необходимость что-то высказать в сугубо инструментальной форме – и мрачный эмбиент “Dance Macabre” компенсировал дефицит атмосферы, который существовал на протяжении всего альбома. Кавер на Slayer, что ни говори, позволяет расслабиться и слушателям и самим музыкантам. Вспоминается незатейливый оригинал, но песня приобретает особый шарм в исполнении Decapitated. Уж они-то умеют выбирать кавер-версии, соответствующие своему темпераменту, и раз уж взялись, – играют с вдохновением!
Подводя итог, можно сказать, что жанр жив, развивается, и все это демонстрируют такие вот альбомы, появившиеся на свет уже на пороге нового десятилетия. Пожалуй, в Польше в 2000-м году вполне можно было бы устраивать выставки достижений в области дэт-метала. «Winds of Creation» в этом случае никак не оттеснишь на дальний стенд.
|
| |
|
|
|
|
|
| Время двигаться вперед, думают многие. Интересно, что в блэке в последнее время очень часто «вперед» – не что иное, как «назад», и решение это при том самое бесповоротное. Ноктюрно Культо и Фенриз все более подтверждают свою чернометалическую твердость и своеволие: «пусть летят помидоры – мы все равно будем играть чертов рок… ой, блэк-н-ролл…». Мне кажется, это нормально и, как говаривал Шерлок Холмс, «интересно… для любителей древностей». Впечатления же от прослушивания нового альбома группы под названием-акронимом \"F.O.A.D.\" двоякие: с одной стороны, заметно: черти стебутся и держат слушателей за дурачков, как угодно играя своей и так уже сморщенной от минимализма мимикой; с другой, очевидно, играть так для них – сплошное удовольствие, и они не жалеют сил, чтобы воссоздать звучание и атмосферу не только 80-х, но уже и 70-х. На выходе получилась такая противоречивая картина: какие-то песни работают на музыкантов, какие-то против них. В лучших вещах Ноктюрно Культо и Фенриз совмещают открытую, совсем немизантропическую, мелодичность с зажигательной разухабистостью, которая всегда повернута лишь к самим музыкантам. Таковы “These Shores Are Damned”, две похожие друг на друга деятельно протестные песни – “Canadian Metal” и заглавная, а также “Wisdom of the Dead”. Естественно, не меньший интерес вызывают песни, на которых своеобразный «ностальгический маразм» группы доходит до высшей точки. Итак, шутки юмора с оттенком «ретро»… Композиция с комически позерским названием “The Church of Real Metal” имеет доисторические музыкальные формы боевичков Black Sabbath и Led Zeppelin (но отрывистые риффы как образец крутого эпатажа тех времен в применении к блэковой эстетике звучат необычайно смешно). Другая песня с говорящим названием “Raised on Rock” представляет собой еще одну попытку радоваться жизни через старомодные хард-рок запилы: начинается она сырым барабанным проигрышем, сопровождаемым гитарными шумами, а заканчивается традиционным валом гитарного звука и шумом тарелок, а также словом “Goddamit”, ибо это теперь и есть самый сок, самое ТРУ :). И, наконец, “Pervertor of the 7 Gates”, напоминающая какой-нибудь опус Motorhead. Кстати, Лемми с командой постоянно мерещился мне при прослушивании «F.O.A.D.». Еще в 2002-ом году запомнилась мне их песня “Brave New World” с альбома «Hammered», название которой повторяет заглавие романа О.Хаксли. И вот теперь думается мне, неужели Дарктрон нашли свой «дивный новый мир» в постоянном погружении в плохо забытое старое? Как бы то ни было, в этот раз они меня обрадовали куда меньше, чем в светлом 2006 году.
P.S. А техника музыкантов неизменно идет в гору… Это не может не радовать; собрались, наконец...
|
| |
|
|
|
|
|
| Очень интересный альбом древней, как мир, группы Darkthrone, способный конкурировать с такой замечательной их работой, как «Ravishing Grimness». Диск оставляет впечатления, сходные с теми, которые испытываешь, спускаясь в непосещаемый в течение многих десятилетий подвал. Да, остается только стряхнуть пыль с инструментов, перебрать в памяти канонические жанры и воплотить в жизнь новый-старый \"Культ\". Не знаю, можно ли поставить вопрос так, что группа стагнирует, мусоля все вдоль и поперек заезженные штампы, но у меня такой мысли и не возникает… потому что Darkthrone умеет подавать это, нельзя сказать что бы со вкусом, но со знанием дела и с осознанием необходимости оживлять забытые впечатления средствами полумертвых языков сырого панка, трэша etc. Рецепты Darkthrone как всегда просты и непритязательны – достаточно убогое, но при этом необыкновенно стильное звучание, примитивизм как неиссякаемый источник музыкальных идей («дальше уже некуда, и здесь мы развернемся?») и особый, ниспровергающий устои тру-нигилистический конечный эффект. Бесподобные развеселые риффы действуют (то есть, дают выход чему-то в слушателе или, наоборот, электризуют его и заставляют дьявольски сверкать глазами и с особой «добротой» воспринимать окружающий мир) лучше всякого техничного и симфонизированного блэка нового поколения. Отдельного упоминания заслуживают соло, которые являются таковыми в полной мере, что-то окрашивают в определенные тона, а не просто заполняют место. То же и со знакомыми нам ударными умудренного опытом по этой части старика Фенриза, который наконец-то решил не скрывать своей какой-никакой творческой потенции и стал пропускать в своей игре такие милые и наивные, но вовсе не такие одноклеточные, как раньше, сбивочки. Подача – не то что бы они подшучивают над слушателями, но явно сознают: то, что и как они делают, вызовет у посвященных нужную реакцию. На это нацелена и одна из передовых песен альбома “Too Old, Too Cold”, после которой недопустимы всякие попытки конкуренции с оплотом истинного «old & cold» блэка. Видеоряд, который, наверняка, скрепя сердцем создавали музыканты, – это максимально возможное в рамках норвежского менталитета визуальное воплощение музыки коллектива. Далее, по-моему, просто бомбой является заводная “Graveyard Slut” с пафосными, как мыльные пузыри, вокальными партиями Фенриза. Ничем не уступают этим номерам и такие празднично-балаганные композиции, как “Atomic Coming”, “Whiskey Funeral” и еще манифестная “Shut up”. Ну а об “Forebyggende Krig” и ее соло-партии и так уже сказано достаточно…
Итак, положа руку на сердце и припомнив критерии, по которым можно выделить один альбом этой группы из ряда других, стоит признать, что как минимум 80% песен бьют точно в цель. «Пощечина общественному вкусу» от блэк-метала состоялась! Ура!
И в заключение… Пройдет время, будут распадаться прогрессивные суперпроекты и всякие там технические бригады, но минимализм будет жить вечно… и не за счет тупости потребителей…
|
| |
|
|
|
|
|
| Японский блэк от Sigh производит, действительно, сильное впечатление. Имеющая ритуальный оттенок, исполненная мрачной церемониальности, музыка цепкими лапами магии держит слушателя в напряжении, принуждая безропотно впитывать загадки без шанса их скорого раскрытия. Даже если Sigh играют довольно-таки обыкновенный блэковый среднетемп, используя лишь традиционную гитару и ударные, их музыка озаряется внутренним светом мудрости и представляет собой иллюстрацию процесса приобщения к каким-то высшим силам. Группа в основном известна своей авангардностью, безграничной смелостью в экспериментах по слиянию жанров. Что ж, по сравнению с последующими альбомами, здесь они еще вполне традиционны (но не следуют шаблонам), и их корни не затемнены. Да, музыканты не создают свои полотна «для галочки», не на тех напали – они не оставят вас в покое… мучая наполненными какой-то давящей бездонностью риффами, пугающими, добавляющими каждой песне мрачного симфонизма клавишными и ударными, предназначенными исключительно для отстукивания гипнотических ритмов. Sigh все же не тяготеют к скоростям, они берут сосредоточенностью и глубиной (чем отличаются и отдельные образцы творчества Celtic Frost, с которыми уместно проводить аналогии), но случаются на диске и непродолжительные срывы в исключительно сырой и подчас быстрый блэк, напоминающие тот старозаветный прото- на котором и училась данная группа, а именно: Bathory и Venom.
Как уже было сказано, авангардная начинка на альбоме еще умеренна и пока еще позволяет воспринимать «Scorn Defeat» именно как блэк-метал. Но встречаются уже и места, где экономия выразительных средств граничит с вычурностью и гротеском, – достаточно лишь привести в пример гитарное соло в середине первой композиции альбома. Еще один аргумент, почему стоит услышать этот диск – это вокал. Скрим Мираи вовсе не лишен, как мне кажется, национальных черт и отличается злостью, звучащей вполне по-японски. Большим украшением альбома служат фортепианные интерлюдии с красивым и подчас замысловатым мелодическим рисунком (“Gundali”, “Ready for the Final War”), передающие самую что ни на есть изящную, зверски терзающую сердце грусть. Лирика альбома заслуживает самого пристального внимания из-за своей символической насыщенности и лексического богатства: в одной лишь “Ready for the Final War” в изобилии встречаются названия мифических топосов, упоминаются различные божества и другие персонажи восточной мифологии. Непринужденная экзотика…
Что ж, так играть не зазорно и сейчас, а тем более в 1993-м году. Так Sigh закладывали основы своего авангардного имиджа. И какая идеологическая и вместе с тем художественная обложка получилась! Завидно: я бы тоже так снялся :))))
|
| |
|
|
|
|
|
| Сатирикон кует блэк, не отходя от… Нет, в то время они об этом точно не думали. Хотел сказать «не отходя от леса», так как группа неизменно дает нам ощутить свою любовь к корням, отражая ее в той самой наглядной формуле «medieval metal» (и почему только термин так плохо прижился?). Нельзя с полной уверенностью сказать, что Satyricon начал-таки редуцировать свою любовь к средневековью и «мельчать», скорее это качественное изменение, выразившееся в следующем… В альбоме меньше фолковых мотивов, но они теперь внедряются в музыку более грамотно, не прерывая истинно блэкового направления. Гитарная линия прочнее спаяна с ритм-секцией, и музыка не производит впечатления статичной. Стало больше собственно качественного норвежского блэка, в который, без такого, как прежде, выделения в независимые интерлюдии, помещаются клавишные и акустические гитарные вставки. Гитары на этом альбоме звучат самоценно; они выделились исключительно из средств формирования атмосферы и создают более отчетливый и, главное, мелодичный риффинг. Гораздо лучше, по сравнению с дебютом, прописаны ударные: хотя сбивки так же глухи, зато Фрост отчетливее отбивает простые ритмы и не брезгует продолжительными бластбитами. Вокал Сатира стал гораздо более мощным и каким-то нарочито кровожадным… И, наконец, самое главное… Атмосфера снова непередаваемая! Нет, конечно, той гипетрофированной аутентичности первого альбома, зато есть все остальное, а точнее – монументальность, что тоже немаловажно. Практически каждая композиция диска имеет свои памятные моменты, без которых и Satyricon был бы не Satyricon и «The Shadowthrone» не продолжил бы тенденцию возвышения над другими релизами времени своей средневековой харизмой. Отмечу то, что лучше запомнилось…
“Woods to Eternity” замечательна всепокрывающей одержимостью симфонизма, нависающего над музыкой, и соло акустической гитары, которое как-то удивительно мягко, тепло и не по-норвежски звучит… “Vikingland”, поначалу смущавшая меня несостоятельностью гармонии в перекличке скрима Сатира и хора бравых скандинавов, все-таки обладает викинг-металическим размахом, пусть и не равным гению Куортона, но достаточным, чтобы вообразить жизнь среди викингов. Среди и так монументальных и значимых в контексте блэк-культуры песен выделяется разнообразная и в то же время монолитная по духу и изобразительным средствам “Dominions of Satyricon” (здесь и думать нечего, хотя песня заметно уступает легенде будущего альбома – “Mother North”). В “The King of the Shadowthrone” музыканты с большой "теплотой" сердца в последний раз на альбоме дают прозвучать морозящему риффингу, а потом еще и акустике. Завершает альбом опус в стиле позднего Бурзума, ничуть не уступающий лучшим вещам Варга: клавишная тема следует в своем развитии традиционным схемам medieval meditative music и заканчивается божественным органом.
…Понял всю прелесть и величие данного альбома я не сразу. Он все время имел тенденцию оставаться для меня в тени предшественника и последователя – дисков 1993 и 1996 гг., казался неким компромиссом; я почему-то чувствовал: что-то усредняет его показатели и по тяжести и по мрачной эстетике. Логичнее предположить, что тогда я еще не был настроен на его волну... (диск предоставлен компанией Irond)
|
| |
|
|
|
|
|
| Девственный, не тронутый никакими веяниями индустриальной цивилизации блэк-метал, чуждый также и измельчанию души. Альбом очень спокойный, стабильно вливающий гармонию в душу. Приятный, хоть и колючий, блэковый гитарный саунд и сочные ударные вгоняют в благостное полузабытье под фоновые эпические ландшафты. В ритме преобладает размеренность, особо неистовых бластбитов нет, но они были бы здесь неуместны, ибо это в немалой степени созидающая музыка, пресловутый созерцательный и созерцающий блэк. Переходы между сырым black metal и фолковыми фрагментами не плавны, но никакого резкого перепада настроения нет – нить атмосферная не теряется. Все в какой-то мере работает на уникальную нордическую ауру, в том числе вокал. Скрим Сатира растворяется в пространстве, и мы слышим только его отголоски, органично звучащие в контексте великолепия северного пейзажа.
Альбом и начинается каким-то гипнотическим ритмом и заканчивается также им, но уже несколько другим, словно музыканты сначала ОТкрывают, а затем ЗАкрывают волшебные ворота своего неповторимого музыкального мира. Среди композиций я бы отметил заглавный (“Dark Medieval Times”) эпик с вырывающейся на поверхность перекличкой флейты и акустической гитары и заключительную “Taakeslottet” с громоподобным стуком ударных и сырейшим гитарным звуком, а также с величественной, захватывающей дух, героикой. Нужно отметить и мрачную игру акустической гитары под пронизывающий холодом вой ветра в “Min Hyllest Til Vinterland”.
Жалко только, что ключи к пониманию лирической (текстовой) направленности этого альбома утеряны у самого черта, но это еще более романтизирует воссозданное Сатириконом средневековье.
Работа не идеальна, но демонстрирует, что группа в то время (как и сейчас, но в несколько другом смысле) обладала огромным потенциалом. (Диск предоставлен компанией Irond)
|
| |
|
|
|
|
|
| Флагманом блэка нового тысячелетия (авангардные формы в расчет не берем) стала гр. Satyricon, в полной мере заслужившая этот статус своей работой 2002 года «Volcano». Этот блэк от группы классической закалки, вовремя принявшей новые условия жизни и творчества, звучит очень интригующе, тонко и изящно. Не стал бы говорить о театральности, но музыканты показали в этих песнях, что обладают недюжим артистизмом и творческой цельностью, ибо не одна зарисовка не кажется неуместной в общем контексте, и каждая деталь на своем месте… Гитарная работа разнообразна и варьируется от деликатных и плавно ложащихся на слух усыпляющих мотивов до резкой, агрессивной пилежки. Мелодии красивы и ненавязчивы; они в основном и формируют лицо альбома. Именитый ударник Фрост тоже отличился – энергичным драммингом, включающим неподражаемо стройный и закладывающий уши бой бас-бочек. Вокал Сатира злобен и едок, звучит с большей силой и свежестью после длительного перерыва. Эпизодические появления женского вокала норвежской певицы Anja Garbarek (“Angstridden”, “Black Lava”) сообщают работе еще и меланхолический оттенок. Для такого в основе своей не черепашьего жанра, как блэк, на альбоме слишком много среднего темпа и медленных, прямо-таки погружающих в приятный сон инструментальных кусков (“Black Lava”, пожалуй, вся один такой кусок). Только Фрост с яростным бластбитом или просто добросовестным контролем над бочками служит возмутителем спокойствия. В принципе, скорости как таковой вы на «Volcano» не найдете, что лишний раз оправдывает ярлык «post black metal», и, понятное дело, это никакой не минус. Хочется сказать спасибо Сатиру и Фросту за то, что они все-таки начали альбом не со скоростных хитов, которых, тут, правда, раз, два и обчелся, а со сравнительно эпических композиций. Блэковой созерцательности (берем для примера финал “Angstridden”) противопоставлен самый настоящий блэк-н-ролльный угар: “Fuel for Hatred” и близкая к ней “Repined Bastard Nation” (где очень красиво варьируется аккуратная блэковая мелодика). Ярко выраженная эпическая линия альбома появляется уже в “Mental Mercury”, но получает куда более внушительное продолжение в знаменитой “Black Lava”, которую просто очень приятно слушать (а блэк, стоит заметить, нечасто вяжется с общечеловеческим пониманием красоты).
Альбом неизменно радует своей осмысленной эстетикой, его отличает особый шарм и богатство эмоциональных оттенков, так же, как и мудрая выдержанность в музыкальном плане. Не знаю, шедевр ли, но точно – документ времени (как и ранние альбомы этой замечательной группы) и эволюции блэк-метала.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нет, ну эти товарищи просто не умеют мыслить стандартно, не умеют повторяться, никогда не опускают планку. Вот еще один ультракрасочный альбом с интенсивным функционированием всех уровней – композиторского, технического и черт знает каких еще. «Hangman’s Hymn» – вот так называется эта грандиозная авангардная заварушка. Название альбома в полной мере оправдывает его содержание – это всамделишные гимны, но, учитывая специфику группы, нетрудно догадаться, что они фирменно невыдержанные и в немалой степени раздолбайские. В этот раз мы имеем дело с быстрым и пафосным симфо-блэком, причем в этом симфонизме остаются отчетливыми и игривая гитарная составляющая, и драйвовые ударные. Альбом, однако, необычайно целен и монолитен для Sigh: буйство и непредсказуемость отражается главным образом в постоянно нарушающих инерцию звучания клавишных и непременно вмешивающихся всюду "странных" вокалах, смехе и т.д. и т.п. Кстати сказать, называть количество приглашенных для исполнения хоралов людей попросту неприлично… Качество записи отменное: сохранена мясистость бочек, в самом выгодном свете представлен жужжащий гитарный звук. Вот обратную сторону той цельности, которая прослеживается на этом альбоме, можно отнести к минусам данной работы. Все композиции звучат стереотипно по сравнению с предыдущими альбомами коллектива, каждая включает в себя строго ограниченный набор «фишек», использует сходные формы вторжения симфонизма, дальше которых Sigh не идут. Все это делает песни очень сложно отличимыми друг от друга, что для этой группы в целом несвойственно. Но эта похожесть песен – не однообразие серой массы, это однородный массив изумительно искусных музыкальных проделок. Союз агрессивной классики и даже куда более спокойного трэш-ориентированного блэка как новое (но долговременное ли?) лицо Sigh отлично отложится в памяти после прослушивания «Hangman’s Hymn». Заметны здесь и рудименты саунда «Gallows Gallery» – приглашенные гитаристы норовят напомнить о себе в каждый удобный для этого момент очередным соляком (да, как показывает практика, хэви/пауэр так просто не изживешь).
Лучшей композицией диска я склоняюсь назвать “In Devil's Arms”, где вновь отметился Gunface, гитарист дэткор-группы The Red Chord (отдыхает от неортодоксальности основной группы, надо думать).
Вообще же альбом, как всегда почти у Sigh, донельзя амбициозен: поделен на акты и требует знания репертуара Римской католической церкви…
Итак, Sigh держит марку, но, зная их прошлые заслуги, этот альбом назвать среди лучших их произведений язык не поворачивается. Да и в рамках жанра в этом году будут альбомы посильнее. Однако, опять же – качество, оригинальность…
|
| |
|
|
|
|
|
| Sigh всегда мощны и артистичны, что и в каких разновидностях бы они не играли. Захотела левая нога батьки Мираи Кавасимы сыграть пестрый хэви-метал альбом – пожалуйста! И теперь в темпе резвой скачки коллектив разноголосых певцов вместе с ватагой инструменталистов – гитаристов, клавишников, саксофонистов и т.д. – будят всю округу и разносят свои эксцентричные послания. О мраке и зловещности блэк-метала здесь можно успешно забыть – торжественных инфернальных клятв, жертвоприношений, крови и пр. тут как будто нет. Оно и понятно: пост-блэк – новые горизонты художественного творчества. Жужжащие ритм-гитары и мизантропические соло канули в лету еще в 19.. году, но музыканты решили на достигнутом не останавливаться – и этот альбом до краев набит великолепнейшими, пышущими силой и не желающими умирать мелодиями и изобретательными гитарными импровизациями от знающих свое дело людей (классический гитарный саунд, настоящие «Монстры рока» здесь и сейчас). Арт-роковый клавишный аккомпанемент (не хуже гитарных мотивов) воссоздает поистине теплую атмосферу (повторяюсь, но не могу обойтись без этого никак), говорит о присутствии рядом чего-то родного, до боли знакомого, воскрешает наивные страницы музыкальной истории, и почему-то постоянно припоминаются киношлягеры 70-80-х приключенческого направления. Если это все и имеет смысл пародии, то это тот ее тип, который очень деликатно и чутко подходит к оригиналу, не оскорбляя его и выказывая собой лишь еще большее к нему уважение.
У меня сложилось такое впечатление, что материал альбома выстроен так, чтобы выделить 2 наиболее яркие, соседствующие и в то же время разнонаправленные композиции. Вначале это театральный, пронизанный напряжением номер “Gavotte Grim”, а затем неожиданно жизнерадостный “Messiahplan”. 8-м номером альбома Sigh выполнили норму по блэковой мистике/эзотерике, временами самоаннигилирующимися и заменяющимися ясным позитивом. Здесь замечательно переплелись ароматное восточное вступление, тягостный гитарный массив, ранние образцы которого имелись еще у Black Sabbath и затем Celtic Frost, знакомая до боли мелодика, архетипическое гитарное соло… И в самом конце, когда, казалось бы, никакой неясности уже быть не может, неумолимо всплывает и заслоняет собой все электроника, воскрешающая некий таинственный ореол. “Messiahplan” же – словно смерть с улыбкой на устах, восхитительное сочетание легкой грусти и какой-то всепобеждающей иронии. По музыке же – хэви со всеми его атрибутами (включая очень юморно подающиеся пафосные вокальные партии и классические запилы), помогающими закончить «Gallows Gallery» на ФЕЕРИЧЕСКОЙ ноте! Правда, в расширенном варианте (того же года) альбом комплектуют еще очень звонкая безымянная безделушка и выдержанный, нужно сказать, вполне в стилистике группы ремикс на “The Tranquilizer Song” (и в оригинале неплохая колыбельная :)) – электроника, но не лишенная ума и изящности.
Итак, «Галерея виселиц» – это галерея разнообразных, смертельно оригинальных идей, но имеет она также и сквозную, объединяющую нить. Поставил бы 10, если б на альбоме не был столь ощутим крен в одну сторону и получили бы большее выражение идеи, запечатленные в "Gavotte Grim". А так, увы, в этом аспекте Sigh сказали: "А", включив в «Gallows Gallery» вышеназванную композицию, но не захотели сказать: "B", не включив или не записав "?"...
|
| |
|
|
|
|
|
| Triumph Of Gnomes – забавная группа, исполняющая беспорядочный ...кор, приправленный обильной нойзовой составляющей. От музыки остается впечатление шизофренической – уж больно ребята тяготеют к искаженному истерическому вокалу, электронной фантасмагории и опять же утоплению живой музыки и особенно вокала в различных фильтрах. Чем дальше к концу, тем больше этих излишеств нехороших – все больше нарастает напряжение, не выдерживают колонки и органы слуха любителей музыки постройнее, чем эта. Какой-то коммуникационный ад развертывается перед нами. Мы словно проносимся на волнах радио по разным точкам планеты – прием становится все менее отчетливым, помехи все поглощают. Этот беспорядочный поток музыки шумных гитар сопровождается истошными криками (а тексты - наезды на все и вся), и все это заливается сиропом из какофонической электроники, увы, не такой забавной, как у некоторых других команд. Как музыкальное произведение продукт Triumph Of Gnomes не очень-то хочется рассматривать, но вот как эффектный набор несуразностей – вполне, и в этом качестве «Fear Not My Wolf Machine» даже может нравиться…
P.S. Неожиданно для себя догадался, с кого дерут Triumph Of Gnomes – с куда более известной и влиятельной команды An Albatross. Таким образом, при обнаружении гораздо более качественного исходника...
|
| |
|
|
|
|
|
| После выхода своего первого полноформатника «Calculating Infinity» и отставки вокалиста The Dillinger Escape Plan решили серьезно ударить по своим хардкоровым основам и взяться за разработку экспериментальных областей. Естественно, для таких, уже к тому времени прославленных, музыкантов нашлись соответствующие по харизме кадры, вернее кадр – человек-оркестр, фонтан экстравагантных идей и музыкальных шуток и пр. и пр. Майк Паттон. Сотрудничество безумных маткорщиков и Паттона вылилось в то, что хаос ломаных ритмов и сумасшедшие вопли в свою очередь перетекают в какую-то ритуальную музыку, то взывающую к медитации, то авангардно несерьезную. Паттон, естественно, дал развернуться своей самобытной вокальной манере: душераздирающий крик уже не так приоритетен – есть и вкрадчивое проговаривание текста, и сладкие песнопения, и мультяшные пассажи. В общих чертах, главная "фишка" этого EP – все еще сумасшедший, но как будто лучше структурированный и гораздо более металлически звучащий хардкор поминутно переходит во что-то авангардно сосредоточенное. По материалу: “Hollywood Squares” – самая экспансивная композиция, “Pig Latin” – самая эксцентричная, “When Good Dogs Do Bad Things” – наименее удавшаяся, как мне показалось, а “Come to Daddy” – самая смелая, высокоэкспериментальная обработка техно-хита Aphex-а Twin-а. Вывод: неожиданным и амбициозным коллаборациям быть!
|
| |
|
|
|
|
|
| Хотите пощады? Converge уж точно вам ее не дадут. “Нет героев”, – заявляют они, и, видимо, собираются незамедлительно исправлять это досадное недоразумение. Их скоростной и неумолимый в своей мощи разрушения хардкор плотностью игры даже посягает на грайндкор/нойзовые территории. Хардкор метализирован так, что мало не покажется. То есть, это не панк, утяжеленный до хадкора, а, напротив, хардкор, утяжеленный до метала, и в то же время панковские корни отчетливо прослушиваются. Сходу ясно одно – сопливым тенденциям металкора тут места не найдется. Лично мне по вкусу пришелся безумный ор основного вокалиста (и солидная поддержка от гитариста и басиста), драйвовая и хаотичная игра ударника, иногда выстукивающего отменные бластбиты, и тяжелые и при том многофункциональные гитары. Тексты песен, кстати, так отчетливо слышны, что без авторской расшифровки не обойтись – но это, впрочем, обычное дело. Медленное вступление, вопли – а затем скорость и шум… песенный, конечно... Первые 4 номера и особенно беспощадная грайндообразная “Vengeance” пронесутся так быстро, что моргнуть не успеете. И тут становится понятно, что песни действительно умело скомпилированы, что альбом структурирован на славу. После осторожного бессловесного номера “Weight of the World” начинается череда более вдумчивого и харизматичного хаоса. Этот 1,5 минутный инструментал как будто зависает над нами и заставляет поразмыслить над весом (бременем) мира, сопротивление которому затеяла эта команда - вот-вот она рванет в погоню за героями. Действительно, флагманом альбома является заглавная песня – “No Heroes”, отличающаяся неиссякаемым буйством все 3,5 минуты, за которые музыканты докажут вам, что героев, кроме их самих, нет. “Plagues” сначала изводит тягучим звучанием сухой и тяжелой до крайности гитары (ей богу, это сладж!), а в дальнейшем варьируются почти только крики вокалиста. Балладообразный номер “Grim Heart / Black Rose” чего-то напомнил мне Led Zeppelin своим плантовским трагизмом в вокале и пэйджевским напряжением и переживаниями в гитарной игре (сравнения не новы, но точны…). Далее получает продолжение тенденция группы исполнять агрессивный и, естественно, амелодичный хаос в дозировке около 2-х минут, а то и больше. Не буду говорить об этих песнях подробно, но можно быть уверенным, что они железной хваткой удерживают высоко заданную планку. 5-минутная без копейки “Trophy Scars” особенно порадовала мастерски созданным саспенсом. Итак, не говоря уже о том, что лирическое, да и общественное значение альбома «No Heroes» необычайно велико, он щеголяет еще и музыкально – мощнейшим металическим хардкором с грайндкоровыми, маткоровыми и даже пост-металическими посягательствами. Кроме того, диск демонстрирует прекрасную форму ударника Бена Коллера, безупречное гитарное исполнение, помноженные на самоистязающую манеру вокалирования Джэкоба Бэннона, в связи с которым вспоминаются слова из «1984» Джорджа Оруэлла: “In the face of pain there are no heroes, no heroes...” (Pt. 3, Chapter 1).
|
| |
|
|
|
|
|
| The Dillinger Escape Plan признаются многими за пионеров жанра «mathcore». Безусловно, они стали первыми получившими широкую известность за внедрение математических принципов в хардкор, создание музыки, в которой мятежный хаос и математическая выверенность слились в какой-то причудливой гармонии. Техника режет слух; в тех местах, где музыка приобретает слэмовый характер, на первый план выходят суетливость ударника и вездесущие вопли вокалиста. Ударник, как очарованный странник, увлеченно исследует пространство своей установки, иногда притормаживает и с усердием отбивает статичный ритм. Но в целом ударные больше тяготеют к джазу и импровизации, хотя подчас им свойственна некоторая механистичность в этой свободе. Гитаристы практикуют использование таких же сумасшедших музыкальных фигур, что и ударник, их игра кажется полным бредом и какофонией, словно мы слушаем мелодии взбесившейся музыкальной шкатулки. Но уж если им нужно оттенить ритм, то они звучат, словно кромсать воздух – их извечное предназначение (“43% Burnt”). По красоте и слаженности такого рода музыки TDEP, пожалуй, не было равных на то время. Вставленные не ради красной ноты джазовые пассажи являются непременной принадлежностью музыки The Dillinger Escape Plan и выполняют нужную функцию – разрежают хаотическую хардкоровую напряженность пространства, но очень ненадолго. Ребята из DEP уделяют внимание не только плотной долбежке и джазовым передышкам, но и атмосфере. А атмосфера их тяготеет к пост-року – есть в ней и футуристическая отрешенность, и дефицит человеческого тепла. Так вот, скажем, в "Weekend Sex Change”, где музыка подчиняется волновому закону - то прилив, то отлив – в середине слушаем напряженную нервно-эмбиентную тишину, нарушаемую барабанными дробями, и неясные голоса людей. В следующей композиции “Variations on a Cocktail Dress” в самом конце нас вводят в состояние стресса очередной драмой. А в “*#..” присутствует холодно-отстраненная, прямо-таки космическая, атмосферная палитра, затем появляется ритуальный ритмический рисунок, и постепенно музыканты заполняют пустоту учащающимся инструментальным движением. Итак, отличный альбом группы, имеющий нерушимый культовый статус.
|
| |
|
|
|
|
|
| Это вновь именно то, что нужно. Вернее, почти то, что нужно. Непредсказуемый хард/металкор, заряженный мощнейшей инструментальной работой и божественным ором Кори Путмэна. Norma Jean привыкли играть так, и этот альбом так же, как и предыдущий, своего рода образец хаоса как стихии хардкора. Тем не менее, такой гипертрофированной беспорядочности, как на предыдущем альбоме, вы здесь не найдете, «Redeemer» – это смягченный вариант Norma Jean 2005. Гитары уже не так скрипят, мелодическая начинка более традиционна, Кори орет мощно, но как-то более доступно, что-ли… Композиционная структура песен попроще, больше прямолинейности – таких песен как, “A Temperamental Widower”, пожалуй, на прошлом альбоме не было. А также таких песен, как “Blueprints for Future Homes” и особенно “Songs Sound Much Sadder”, которые характеризуются более доходчивой и хитовой подачей, проясненной и тем легче воспринимаемой мелодикой. Гимновость названных вещей по-прежнему самого высокого качества. Помимо нарочитой ритмической ровности в ряде песен и внушительной доли мелодизма, «Redeemer» также дал пропуск в творчество Norma Jean атмосферным отступлениям, вероятно, навеянным пост-металом вроде Isis (их влияние группа и не отрицала), зачатки которых, надо сказать, появились еще на «O God, the Aftermath». А вот погружаться в маткоровые бездны на этом альбоме уже сложнее по причине их малочисленности – если говорить о каскаде диссонансов и гипертрофированно ломаных ритмов, то тут все гораздо более прозаично и поверхностно. Хотя отдельные номера все же верны прежнему духу, энергетике хаоса и после них так и чувствуешь себя выжатым, подобно губке. Любителям этапного выяснения правды хаос-кора рекомендуются “The End of All Things Will Be Televised” – в ней музыканты хоть и не развернулись на 10 минут, как в “Disconnecktie: The Faithful Vampire” с предыдущего альбома, но придали остроту всему 5-минутному путешествию и завершили его брутальнейшим брейкдауном с аппетитными диссонансами. Впрочем, приятных песен много, но это уже песни, приятные в новом для Norma Jean смысле. Такова, например, финальная вещь под названием “No Passenger: No Parasite”, обладающая недюжинной очистительной силой. Возвышенные, рискну сказать, песнопения при поддержке монументализованного инструментария – чего еще желать после стены жесточайшего звука в течение последних 35 минут?
|
| |
|
|
|
|
|
| Norma Jean – эталон честного хардкора, не желающего идти по накатанной дорожке прямолинейной подачи, и вместо этого направляющего свои стопы в хаотические дебри. Группе стоит только начать, и она уже не отпустит вас и не позволит расслабиться себе. Режущие слух гитарные риффы, мощный рев вокалиста Кори Брэндана Путмэна, который временами исполняет грубые, но чертовски мелодичные и запоминающиеся припевы (“This is between me and this blade, and my heart.” – “Bayonetwork...”; “These things harmonize and overthrow/These things will cure, but they will tear down” – “Liarsenic...”), и все остальное в стиле этих двух основ агрессивной подачи группы – и вы получаете невероятный заряд деструктивной энергетики. Все выполнено художественно и непрямолинейно. Особым стилем хаотического хардкора вообще и стилем Norma Jean в частности является отраженное в их видеорядах беспорядочное передвижение по сцене с экспрессивными выпадами, совпадающими с эмоционально-инструментальными пиками в музыке. А эта музыка накатывает волнами; иногда звучащие инструменты как бы зависают в воздухе, чтобы в следующую секунду обрушиться на уши и головы слушателя своим громовым риффингом, не способным ни на какие компромиссы голосом и закрепляющим данный эффект ударными.
«O God, the Aftermath» считается многими лучшей работой команды, и это неудивительно. Выгодным отличием этого альбома от последнего является его почти девственная насыщенность и изначальная сложность и витиеватость, что ни в коей мере не отражается на легкости восприятия, еcли только вы на «ты» с маткоровыми делами, хотя наши герои если и играют маткор, то легкую его разновидность. Каждая песня обладает своим лицом, но все они пронизаны болезненным инструментальным нойзом. Конечно же, суперхит на этом альбоме – мученическая “Bayonetwork: Vultures in Vivid Color”, песня невероятной мощи и патетики, получившая отражение в экспрессивном видеоряде, о котором я обмолвился раньше. Ничуть не хуже и “Liarsenic: Creating a Universe of Discourse”, не успокаивающаяся ни на секунду, и постоянно тревожащая слушателя этим яростным несогласием (“I Don’t Think So”). Кроме того, из общего списка превосходных сокрушительных боевиков выделяется эпический трэк “Disconnecktie: The Faithful Vampire”, демонстрирующий, что и NJ могут дарить людям лирику и некую медитативность (“So I begin with the end in mind”), правда, заканчивается композиция все тем же гитарным долбиловом.
Тексты интересны, хоть, как мне показалось, они содержат чрезмерно хаотичную образность, которую, возможно, можно расшифровать, лишь имея большую заинтересованность в христианской тематике. Альбом представляет интерес в еще одном отношении – в области формы: нечасто можно наблюдать в названиях песен затейливую контаминацию слов.
«O God, the Aftermath», при всех его достоинствах и незначительных недостатках, может, как я считаю, быть признан достойным явлением на металкоровой сцене последних лет. Технично, агрессивно и неглупо.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пора, наконец, сказать пару теплых слов по поводу интереснейшего стиля нинтендокор, родоначальниками которого, по сути, и являются участники группы HORSE The Band. Смешать пост-хардкор/металкор со звуками из 8-битных игр на платформе Nintendo – идея далеко не сверхъестественная, учитывая кол-во экспериментирующих банд в различных –core, но на то время, когда на свет явился этот коллектив, – очень оригинальная. Наши герои играют достаточно игривую и инфантильную музыку, этакий развеселый металкор, укрепляемый в этом преобладающем настроении незатейливой игрой синтезатора Korg MS-2000, с помощью которого и воспроизводятся звуки, ставшие непременным атрибутом нинтендокора. Все металкоровские штампы как будто на месте, но игра HORSE The Band удивительным образом преображается, становится цветастее и интереснее – ударяющие по мозгам риффы пытаются скрасить детский колорит музыки, удивительным образом становится слышимым бас, а ударник своей зажигательной манерой игры в полной мере оправдывает уместность своего нахождения в этой группе (особенно к месту его маршевые дроби). Прибавим к этому иногда забавный, иногда по-настоящему мощный вокал (скрим с редкими моментами гроула) эксцентричного фронтмэна Натана Виннеке и получим в полной мере свежий и интересный продукт.
Слушается все это естественно и ни капли не грузит. В отличие от английских коллег Enter Shikari, практикующих подобный стиль, HORSE The Band не позволяют обильным электронным вкраплениям быть помехой металкору как он есть и упрощать его. Эти вкрапления вообще осуществлены не как попало, а с всегдашним вкусом и тактом по отношению к источнику заимствования. Эрик Энгстром прямо-таки воспел приставку Nintendo посредством своего Корга, продемонстрировав находчивую игру оттенками и настроениями, извлеченными из 8-битоподобного саунда.
Рядом инструменталов альбома коллектив демонстрирует свою неослабевающую тягу к экспериментам, как музыкальным, так и театральным: в сентиментальной интерлюдии “The Beach” участники группы используют женские рыдания, вероятно, для того, чтобы оттенить романтический хронотоп; “Crickets” – no comments; трагический номер “Rotting Horse” показывает трепетное отношение музыкантов к известному животному, вынесенному в название группы, и величие явления, вынесенного в название альбома; а бонусная минималистическая “Crow Town” строится вокруг однообразных аккордов электрогитары с сухим звуком под 60-е и скупой поддержки со стороны барабанщика, но затем выливается в некое подобие сладжа.
Однако большую часть диска все же составляют песни, среди которых тьма запоминающихся… “Murder”, “The Startling Secret of Super Sapphire” и “Face of Bear” – лучшие образцы того металкора, которого лично мне так не хватало, чтобы убедиться, что и этот довольно-таки прямолинейный жанр может наметить перспективные пути своего развития. Необыкновенно удачная реализация 8-битного потенциала влечет за собой блестящую игру остальных инструментов и обеспечивает увлекательность прослушивания. При всей экспериментальности музыка все равно остается безбашенно-хитовой. Как пример небывалой артистической мощи и оригинальности мышления коллектива можно привести и песню “New York City”: в пределах ее совмещены долбежный металкор XXI века и балладные элементы 80-х гг. XX века; композиция имеет нелинейную структуру, в которой отражены частые смены пафоса. По-своему замечательны также “Sex Raptor” (здравствуй, евродэнс 90-х!), “Kangarooster Meadows” (привет, «Улица Сезам»!) и др. По ходу развития альбома музыканты все дальше уходят от стандартов и, в конце концов, играют уже какой-то экспериментально-металкоровый джем в “I Think We Are Both Suffering from the Same Crushing Metaphysical Crisis”.
Остается сказать, что заслуга HORSE The Band в том, что они в очередной раз показали всем: можно быть классной группой, не воспринимая себя всерьез. И все это при том, что концепция данного альбома далека от радостей жизни и прославляет «зверское величие природы, ужас рождения и красоту смерти...», и это становится все более понятным к концу (“Lif”). Все перевернуто вверх дном у HORSE The Band. За это их следует уважать…
Итак, отличный альбом, в котором группа ЛОШАДЬ беспрестанно экспериментирует и шутит сама и тем самым не дает заскучать нам, а также, пожалуй, альбом года от группы, практически единолично окучивающей этот причудливый стиль.
|
| |
|
|
|
|
|
| Стремящаяся быть независимой группа Enter Shikari, состоящая из приверженцев философии DIY (Do It Yourself), на чистом энтузиазме, без раскрутки на ТВ, используя лишь Интернет и свою растущую день ото дня фэнбазу, попала на 4-ое место британского хит-парада. Конечно, с пустыми руками и тем более головой популярность не завоюешь, а потому парни решили присобачить к своему юношескому пост-хардкорному задору обильные электронные вкрапления явного танцевального происхождения и назвали это все трэнскор. Побочные эффекты такого синтеза – довольно назойливые погружения с головой в клубную эстетику в отдельных интерлюдиях, о которых еще пойдет речь. Идея оказалась хороша и плодотворна. Если пост-хардкор, при всей легкости своей подачи и не меньшей легкости восприятия со стороны слушателя, и так может быть стабильно коммерчески успешным, то если привлечь еще и электронику, аудитория значительно расширится. Кому-то музыка Enter Shikari может показаться поверхностной и однодневной, и она отчасти таковой и является, однако я считаю при этом, что эксперименты (хоть стиль группы с натяжкой можно назвать экспериментальным) – это всегда хорошо, вне зависимости от того, ведут ли они к коммерческому успеху или погребают коллектив в яме безвестности и непонимания. Подождем, пока Enter Shikari начнет стагнировать или уподобится по популярности/оригинальности безыдейному и просто постыдному поп-року на манер Tokio Hotel… А пока начнем сразу со слабых сторон «Take to the Skies». Открывается альбом, по доброй традиции, своеобразным интро, полностью электронным, и в дальнейшем нашему вниманию будет представлено немало интерлюдий (всего их 6), которые, вероятно, должны играть роль музыкально-наркотических препаратов, по мысли Enter Shikari. Я бы сказал, что они, собственно, держатся тут на честном слове и нефанатам этого дела могут показаться очень назойливыми и неуместными. Заключительная интерлюдия-аутро по трэнсовым мотивам является зеркальным отображением первой песни, дублирующей название группы. Нужно сразу оговориться о мастерстве группы в рамках чистого пост-хардкора и признать-таки, что вот тут-то ничто не блещет оригинальностью, и музыка вполне подпадает под все стереотипы. Это лишний раз подтверждает целесообразность использования транса. Риффы эти все уже слышали и продолжают слышать отовсюду, хотя их уже невозможно слушать, поскольку это невыносимое общее место; заметно щеголяние сдвоенной бочкой (эта претензия и радует и смешит одновременно). Спасает все пресловутая электроника и вокальное (безо)разнообразие вполне в духе пост-хардкора: и чистый вокал (чувствуется в нем что-то типично британское – хоть убейте), оголтелые скримы и гэнг-вокалы (слава фэнбазе!). Еще одна забавная "фишка" – это коллективные хлопки, которые я бы назвал «ура-реакции». Немало удивляет наличие булькающего брутал-вокала – это уже ни к селу, ни к городу…
Хиты: в известной степени к ним можно отнести “Mothership” (сингл до сих пор доступен только онлайн), “Sorry, You're Not a Winner” (в простеньком видео на эту песню переход к трансу в середине песни сопровождается переносом места действия на танцпол (?)), “OK, Time for Plan B”. Можно, конечно, еще впасть в детство и отметить хитовость “Labyrinth” и “Jonny Sniper”. Попытки подать себя как лирически настроенную группу в композициях “Today Won't Go Down in History” или “Adieu”, на мой взгляд, не очень-то удались. Фолк-рок в 15-ом треке все-таки слушается странновато. А в целом, песни Enter Shikari (и не только их, кстати) функционируют как леденцы: съел, как говорится, – и порядок. Никакого послевкусия…
Делая заключение по этому альбому, оправдание многих огрехов находим именно в возрасте музыкантов и податливой жанровой почве пост-хардкора. Действительно, воплотить в жизнь можно уйму идей, но за жизнеспособность конечного продукта музыканты Enter Shikari ответственность, видимо, нести не хотят. В итоге, перед нами неизменное присутствие разброда и шатаний. Но для дебюта неплохо. Эх, не добавить ли еще один балл за энергетику и смелость? Нет, пусть растут!
|
| |
|
|
|
|
|
| Канадская группа Alexisonfire может предложить нам пост-хардкор со всеми вытекающими из этого последствиями: стремительные гитарные линии с мягкой пост-хардкоровой мелодикой, хорошо прописанный бас, припанкованные ударные и многоголосие, ставшее традиционным в жанре. Вот как раз последним Alexisonfire цепляют больше всего, что неудивительно, ведь тут мы слышим аж 3 вида вокала: агрессивный скрим и оппозиционный ему красивый голос с некоторым налетом сахарности, которые дуэтом отлично обыгрывают тот или иной песенный сюжет, а также кажущиеся посторонними и примиряющими панковские выкрики. Скрим непосредственного вокалиста Джорджа Петита чаще сопровождает куплеты, чистый вокал гитариста Далласа Грина обычно используется в припевах, а панковый вклад Уэйда МакНила встречается повсеместно. На выходе получаем музыку, нацеленную на переживание мимолетных впечатлений и устремленную своим оптимистическим порывом (с легким налетом грусти) в будущее. По сравнению с дисками 2002 и 2004 гг., «Crisis» содержит в себе зрелый, остепенившийся пост-хардкор, вокальное полнокровие и рафинированная мелодика которого поглотили свойственные молодым группам недоработки и подчас энергетическую амузыкальность (имеется в виду угар с «сырыми» эмоциями) ранних альбомов. Лирика Alexisonfire легка для понимания и, наверняка, не менее легка для исполнения. В текстах проявляются волнующие музыкантов вопросы, проблемы выбора и своеобразный максимализм (однако далекий от того, какой наблюдается в нашей национальной разновидности т.н. эмо – там соответствующие ярлыки приживаются, похоже, не так, как у нас, и играть пост-хардкор намного выгоднее – не назвавшись «эмо», проще уйти от показного резания вен). Но тексты эти все-таки максималистские… Ребята утверждают, что им не хочется терять время, прыгая с одного тонущего корабля на другой, и они лучше утонут сами (“Drunks, Lovers, Sinners and Saints”), грозят спалить все почтовые ящики города вместе с грехами их владельцев (“Mailbox Arson”), обвиняют бывшего ударника в продаже друзей и выходят на широкое обобщение о том, что люди меняются вместе со временами (“Keep It on Wax”) и все в таком духе. Что касается хитов, то на «Crisis» их довольно много. Лично мне понравились по сути все 5 первых песен: и взрывная “Drunks, Lovers, Sinners and Saints”, и мэйнстримовый шлягер с очень качественно выстроенными вокальными линиями “This Could Be Anywhere in the World”, и 2 композиции с особенно красивыми чистоголосыми запевами Грина – “Mailbox Arson” и “Boiled Frogs”, и самый панковский здесь номер “We Are the Sound”. А следующая за ними “You Burn First”, к сожалению, вносит гигантский разлад в «мерный» ряд энергосодержащих хитов. Таких песен в пост-хардкоре даже представить себе нельзя (вспомнились меланхоличные опусы QOTSA): это конец; песня выглядит как посмертная записка, а это режет уши, ведь все так начиналось! Вторая половина альбома слушается уже не с такими чувствами, как первая, но также ни в коем случае не плоха (за исключением вышеупомянутого «пятна»). Несомненно, здесь внимания заслуживает заглавная вещь с классическим гитарным лид-запилом и спокойным таким припевом…
Итак, нужно признать, что: все-таки вокалисты работают необычайно слаженно, гитаристы тоже не подводят со своим дуэльным мелодизмом, прилично исполняют свои обязанности басист и ударник, и от этого всего создается очень крепкий драйв. Музыка такая, конечно, века не переживет, но надо же кому-то горшки обжигать…
|
| |
|
|
|
|
|
| Этот альбом – еще одно подтверждение тому, что нет предела совершенству, нет предела возможностям человека на пути создания непостижимых произведений искусства с самой сложной организацией, нет предела в выражении ужаса перед неизвестностью, тьмой. Итак, предмет рассмотрения — «Obscura» — столп экспериментальной тяжелой музыки 90-х. Это, без преувеличения, музыка другого измерения. Если предыдущий альбом коллектива, «The Erosion of Sanity», уже обладал всеми качествами, требующимися для того, чтобы помутить рассудок слушателя, то спустя целых 5 лет (ну ладно, материал долго лежал на полке и закаливался) Люк Лэмэй с бригадой Gorguts сколотили, собрали по частям этот диссонирующий ужас. Это даже не музыка, это скорее неизвестная субстанция, обладающая психотропным воздействием и лишь волею случая принявшая звуковой образ. Лавина разнородных звуков, которая неумолимо движется на слушателя, и, кажется, лишь под определенным углом зрения складывается в какую-то музыкальную картину. Единственный ключ от всех загадок этого альбома принадлежит, конечно, его гениальному (столь же и безумному) создателю, чье присутствие постоянно ощущается не только в довлеющем надо всем вокале, но в каждом мельчайшем элементе музыки, в самом невероятно сложном плане авангардного сооружения под величественным названием «Obscura». Попасть туда так же сложно, как и вернуться из его лабиринтов. А по возвращении вы в любом случае посмотрите на мир другими глазами. Это музыка, разъедающая изнутри...
Сложно сказать, с какого края лучше заходить при попытке анализа музыкального наполнения альбома. Можно принять за главный двигатель хаоса ударные партии и сказать, что они совершенно неконтролируемы и предсказать, как поведет себя ударник в следующий момент, абсолютно невозможно. Это как раз тот случай, при котором, чтобы понять барабанщика, нужно научиться действительно нестандартно мыслить и отказаться от всех набивших оскомину стереотипов. В любом случае, понятно, что Патрик Роберт отлично справился со своей задачей, напичкав альбом интенсивнейшими, брутальными скорее из-за производимого собой психологического эффекта партиями. Гитары же просто тошнит «странными» риффами (в то время как бас Стива Клотье кажется чем-то охлаждающим этот жар и намного более понятным), выворачивает наизнанку, другого определения я просто не могу подобрать — это звук словно искажающихся в кривых зеркалах инструментов, незнакомый и, естественно, пугающий. Примочек наши герои не жалеют… Соло, уродливо-прекрасные создания ума Лэмэя и Хардла, здорово работают на атмосферу, которая вырисовывается здесь именно в напряженной инструментальной работе. А голос Люка — апофеоз ужасающего, суицидально настроенного вокалирования, эффектнее его по этой части не было ни до, ни после.
Альбом представляет собой неразрывную цепочку музыкального безумия. Этот авангардно-психоделический поток звука с ежесекундными диссонансами чрезвычайно сложно ухватить посредством конкретных слов и, чтобы охарактеризовать его, придется прибегнуть к помощи осточертевшего образного языка. Не будем… Замечу только, что самая длинная композиция на альбоме (“Clouded”) на удивление оказалась самой легкой. Самую трудную песню каждый может выбрать для себя сам, но я это своей целью не ставлю.
Что касается моего индивидуального выбора, то я люблю здесь больше всего 3 вещи — это: 1) вводящая в музыкальный и эстетический курс альбома заглавная “Obscura”; 2) “Nostalgia”, в середине которой музыканты Gorguts демонстрируют, что могут создавать средствами своего, донельзя своеобычного музыкального языка, даже танцевальную музыку — эдакую авангардную дискотеку: при неизменно драйвовой поддержке ударника сначала доносится какой-то нойз, а после уже музыканты хитроумно петляют при помощи гитар; 3) инструментал с наивным названием “Sweet Silence”, в конце которого — одна из остроумнейших задумок альбома — возникающие и угасающие с возрастающими интервалами звуки, символизирующие несгибаемость грозного творения…
Общее впечатление, оставленное песнями, можно уложить в аналогию с ситуацией, когда обычный человек, находящийся во власти абсурдной действительности, никак не может осмыслить возникающие перед ним препятствия и, как следствие, не может найти выхода.
Болезненная, воспаленная музыка умирает сама и тянет за собой слушателя, желая умереть с ним, вокалист словно ужасается собственного голоса… Абстрактной музыке нет конкретного, материального эквивалента. А оценивать этот альбом так и вовсе странно: тут либо 1, либо 10, как всегда в случае с поворотом традиционного мышления на 180 градусов… В нашем случае – 10.
|
| |
|
|
|
|
|
| Все-таки существуют высшие силы, вкладывающие в умы людей истинно творческих и не требующих славы и почестей идеи, опережающие естественное развитие человеческой мысли и сверхчеловеческие же способности. Чешская группа (отрадно за братьев-славян!!!) испытала-таки, видимо, на себе действие манны небесной и сотворила этот не укладывающийся ни в какие рамки альбом. «Elvenefris» представляет собой сложное, нерасчленимое целое, в котором заложены как начала эстетики, так и начала ее антагониста – антиэстетики. Борьба противоположностей не умолкает ни на минуту. В ней принимает участие весь экипаж этой боевой машины. Начну с самого необычного, с того, что с первых секунд зарекомендовывает себя как изюминка альбома и моментально ударяет в мозговые центры. Это изысканные и, конечно же, красочные мелодии с неожиданным восточным колоритом, которые группа с достоинством демонстрирует тогда, когда это необходимо, но ни в коем случае не делает их назойливыми. Здесь же по соседству и искуснейшие эмбиентные пейзажи, наполняющие музыку экстатическим блаженством и позволяющие слушателю быть опьяненным ими. Для описания красоты и необыкновенной чистоты и прозрачности этих колоритных этно-вставок и всего воздушного наполнения еще можно подобрать слова, но для того, чтобы охарактеризовать кипучую деятельность гитар и ударных, боюсь, их будет недостаточно.
Гитары – квинтэссенция тяжести и техники, музыканты повсеместно поддерживают это соотношение, усиленно взрывая все их смерчеообразным звучанием, прежде чем сменить гнев на милость, технику на атмосферу и раствориться в медитативности акустических партий. Самое удивительное в «Elvenefris» – отсутствие соло, какими мы привыкли их видеть (слышать), что придает произведению еще больше оригинальности и неповторимости. На самом деле, все просто – зачем альбому, который снизу доверху
(органично) пронизан мелодикой, как-то формально выделять ее? Вокалом Lykathea Aflame решили подчеркнуть главным образом дэт-грайндовую природу своего творчества: Петр Томанек рычит свои партии утробным, не скупящимся на брутальность гроулингом, но, поскольку эта группа свое творчество в какие-то рамки укладывать не собирается, то не выглядит каким-то кощунством и особой неожиданностью и использование чистого-пречистого вокала, преимущественно в релаксирующих после дэтового боя фрагментах. …За что этот альбом можно боготворить, так это за ритм-секцию, энергетики которой, кажется, хватило бы не на один десяток альбомов других, менее талантливых дэт-единиц. Бас умудрились все же загнать настолько, что он обычно теряется в ритм-гитарах, зато в спокойных фрагментах он исключительно значим для непосредственного воссоздания романтической грусти и внесения других дополнительных штрихов в музыку. А вот ударные спрятать не смогли, да и не получилось бы… Барабанщик этой группы Томаш Корн – это, сразу скажу, достойный соперник Flo Mounier. Арсенал его состоит из плотных и нечеловечески насыщенных бластбитов, ультратехничных брэйков (за этим далеко ходить не надо – оцените это зверское художество на 4-ой мин. открывающего трэка) и звенящих тарелок, которыми он управляет, пожалуй, силой мысли. В общем, охарактеризовать его харизму и творческую индивидуальность можно только путем сравнения: представьте себе разгневанного Зевса, восседающего на троне и метающего громы и молнии… испугаетесь? содрогнетесь пред его величием? Наверное, все и сразу…
В своих монументальных композициях (в среднем – 6 минут) эти чехи ведут работу по совмещению 2-х планов – небесной глади (атмосферы, создающейся одухотворенными прикосновениями к клавишам, или заполняющей собой все игрой акустики) и земной тверди (грайндующей, сверлящей, кропотливо выбивающей дроби ритм-секции). Нужно сказать, что та концентрированная медитативность, которая встречается на всем протяжении альбома, находит глубокое оправдание и в лирике, инспирированной чем-то, что безраздельно владеет умами участников коллектива и чем они будут рады поделиться со слушателями. Тематика песен – космос, поиски идеальных миров, приобщение ко всеобщей гармонии, поэтому и альбом называется «Elvenefris» (своеобразный духовный мир, куда мы стремимся попасть).
Первая песня под магическим названием “Land Where Sympathy Is Air”, начинающаяся ориентальной мелодией, которую затем бросает из стороны в сторону под действием безжалостной ритм-секции, уже окунает нас, с одной стороны, в атмосферную бездонность, с другой – в буйство стихий: сокрушительные гитары, безумные партии ударника и нечеловеческий рев. Финал композиции – выражение страстного стремления к той гармонии, которая позволяет сердцу говорить на языке деревьев…
Басовый проигрыш знаменует начало второй вещи “To Become Shelter and Salvation”, миссия которой – закрепить достижения первой и еще раз соединить материю и дух в звуке. Очередное появление чистого вокала почему-то ведет за собой болезненный авангардный сдвиг... Странно… так страдает тело, омывающееся волнами очистительной энергии?
“Bringer of Elvenefris Flame” открывается мечтательными гитарами, соединяющимися с мощной живописью эмбиента, зачарованным басом и задумчивой чистой декламацией, однако вскоре, подобно смерчу, музыка начинает вертеться вокруг не растерявших мелодизм ни в скорости, ни в виртуозности исполнения риффов и сверхдинамичных, необычайно легких по звучанию ударных. Вся композиция окрашена в теплые тона и созидательна даже в откровенном бластинге – несущий пламя Элвенефриса очищает и дарит любовь…
“Flowering Entities” имеет вообще одно из самых лаконичных и ярких, эффектных вступлений, которое только можно найти в дэт-метале, а затем всю кратковременную лирику перебивает профессиональное крошение мозга слушателя. Но ярчайший момент песни – это когда музыка принимает вид плавно движущегося массива техно-дэта, а позже полный и бесповоротный уход в метафизику знаменует появление чистого вокала, в котором в этот раз как-то особенно чувствуется братский славянский колорит. А уж призыв стать спасительной силой, какой является Солнце для Земли (стать островами мира и гармонии в огромном океане беспокойства), и вовсе выбивает слезу…
С самых первых секунд звучания “To Give” создается впечатление, что песня отдана на откуп технике, и это отчасти верно: состязания между гитаристами и ударником в отточенности игры будут иметь место и сопровождаться как использованием сложного синкопирования, так и широкой импровизации (умопомрачительная работа ударника на малом барабане и «железе»), но… эти возносящиеся к небу, словно райские птички, мелодии! Технически-атмосферный посыл этой вещи поистине велик! После этой, малой, доли альбома далее не остается ничего, кроме как не закрывать рот от восторга и продолжать впитывать в себя этот в высшей степени оригинальный альбом в стиле, который я определяю как technical atmospheric deathgrind.
Нет, дальше арт-напряжение нисколько не спадает… Но если не исследовать этот альбом до конца, можно не услышать, какая щедрая восточная мелодика проходит через всю “On the Way Home”, как диаметрально расходится мелодическое наполнение “Sadness and Strength” в начале и конце (от универсального хаоса опять же к восточной безмятежности), что Lykathea Aflame отдали-таки дань техно-дэту начала 90-х, сотворив ориентированную на саунд «Spheres» и «Focus» “A Step Closer”, естественно, оставив ощутимым и собственный почерк. Не послушав второй части этого альбома, вы также не сможете понять, что такая короткая и кажущаяся несодержательной в контексте альбома композиция, как “Shine of Consolation”, бьет иные лучшие у более именитых команд, а посредством самой длинной металической композиции диска “An Old Man and a Child” чешская группа демонстрирует, как мастерски держать баланс между тяжестью и общемузыкальным очарованием на протяжении целых 9 минут.
11-минутный эмбиентный финал свидетельствует-таки о безоговорочной победе гармонии не только в текстах (тексты уже сдались), но и в музыке. “Walking in the Garden of Ma'at” дает 100% эффект соприсутствия (звуковую, визуальную и прочие картины) и является, пожалуй, даже образцовым инструменталом такого толка.
Кстати говоря, альбом был записан всего за 24 дня, что, принимая во внимание качество, оригинальность и нечеловеческую насыщенность материала, попросту не укладывается в голове.
Заключение. Пожалуй, лучшее сочетание брутальности, техники и атмосферности в истории дэт-метала, давшее в итоге поразительный в своих крайностях и безмерно эстетически богатый мир под названием «Elvenefris». Строжайше рекомендуется ценителям эстетического экстрима и экстремальной эстетики, а также тем, кто устал от техно-брутального мэйнстрима вроде Nile. Надо двигаться вперед! Скорее бы уже вышел новый альбом этих кудесников, которые теперь величают себя просто Lykathe...
|
| |
|
|
|
|
|
| Прежде всего, хочу сказать, что меня никогда не интересовали вопросы места этой группы в техно-дэт движении начала 90-х, почему они, имея обязательный продуктивный суффикс -ист- в своем названии, не были включены в плеяду деятелей этого элитного жанра. Может, ничего нового они и не внесли, но наследили в истории своим дебютным альбомом – это точно. Этот отпечаток оставил весь ансамбль, весь коллективный творческий дух. В отличии от других именитых команд, техно-дэт машина Sadist не может похвастаться 100% технической выучкой всех членов своего экипажа. Если гитарист играет изобретательные и в то же время располагающие к активному хэдбэнгингу дэтовые риффы, соло в его исполнении просто не знают границ возможностей музыкальной живописи, а клавиши, находящиеся в его же нераздельном владении, служат главным проводником музыкального наследия в музыку коллектива и создают атмосферные фоны с не всегда определенным пространственно-временным колоритом, то остальное явно не уровня «техно-дэт», и бурю положительных эмоций вызвать не способно. Басист (и он же вокалист) и не пытается позиционировать свой инструмент как равноправный по отношению к гитаре и клавишным и вносит свою лепту, лишь как их скромный сосед. Ударные… Рвется наружу крик: в ЭТОМ жанре ТАК играть нельзя! Вот к этому можно законно придраться: чересчур линейные, простые для техно-дэта, а иногда и вовсе туповатые ударные партии выходят у Peso, что тем более странно, ведь он – основатель коллектива! Но зато они, надо признать, прописаны в соответствии с атмосферой пластинки – четкий, отдающийся эхом звук. И, честно говоря, как ни странно, эта нарочитая непрофессиональность одного из музыкантов также придает диску особый шарм (тем более, что «моменты» у него есть, и они очень даже). Вокал… а нужен ли здесь вокал? Да, он, похоже, нужен. Агрессивный скриминг вносит резкий контраст в и без того вольно обращающуюся с гармонией музыку Sadist и позволяет лучше ощутить глубину их эстетических исканий.
Открывает альбом морская тема (крики чаек, плеск волн), которая сразу же безболезненно и все так же выразительно передается уже музыкальными средствами: словно накатывающие волнами во время прилива клавишные в инструментале “Nadir” и начальные проигрыши гитар и баса в “Breathin’ Cancer”. Вторая композиция первый (но далеко не последний) раз за альбом радует нас техничным риффингом, а вскоре мы знакомимся с еще одной доминантой музыкально-эстетической палитры коллектива Sadist – элементами неоклассики (довольно сдержанные клавишные узоры и полностью раскрепощенные гитарные). В “Enslaver of Lies” непродолжительное маршеподобное вступление сменяется сверлящими гитарами и ударными, с легкостью ветра осваивающими все уголки пространства; вторая же линия композиции связана с предельно сгущенной лирикой, отраженной в чарующей и осторожно-немногословной игре гитары и баса. Но в середине этой восхитительной композиции музыканты с еще большей патетикой и созерцательностью, чем раньше, изучают неиссякаемые богатства классической музыки, пропуская все ее архетипы через себя и показывая плодородие почвы своего техно-дэта, позволившего синтезировать в себе богатства разных музыкальных эпох. “Sometimes They Come Back” начинается с мощных торжественных риффов, поддерживаемых незамысловатыми ударными, словно знаменующими пришествие тех неизвестных, кто поколеблет земную твердь и все мироустройство, тем более что второй круг проходит под покровительством окрашивающих все во вселенские тона клавишных. Тем не менее, затем в песне найдется место и пронизывающему каждую клеточку слушателя, как рентген, клавишному свету, а последующая за ним протяженная соло-партия (под воздействием необычайно красивой и стилистической гибкой гитары преображаются даже ударные!) приведет нас к постижению какого-то высшего смысла именно с человеческой стороны. “Hell in Myself” свом вступлением посылает нам еще один привет из воодушевленных космосом 70-х, избирающих для выражения своих чувств так наивно звучащую сейчас электронику, а затем дает нам повод восторгаться необъяснимо органичной сменой абсолютно противоположных по пафосу музыкальных картин – то это не обремененная никакими признаками земной суеты размеренная музыка рая (не был, но предполагаю), то молниеносная и дисгармоничная гитарная игра с беснующимися ударными, а то внезапно вносящая в музыку мистификацию клавишная партия. А “Desert Divinities” вышла какой-то мутноватой, бесформенной и много уступающей другим номерам альбома в оригинальности решений, хотя симфоническая часть в середине песни и идущее затем соло все так же одухотворены. Инструментал “Sadist” быстрой клавишной игрой во вступлении, вероятно, олицетворяет своего рода ретроспективу временных эпох и успевает связать их в единую цепь за 4 минуты. Этот номер значительно проще предыдущих в музыкальном плане, поскольку в нем четко выделяется сквозная мелодия, которая и озвучивается дуэтом клавишных и гитар. Вот в “Happiness ‘n’ Sorrow” уже чувствуется пресловутая усталость и притухшие краски, итальянский декаданс в полном смысле этого слова, что подтверждается усилением роли вокала – сумрачного скриминга, который и закрывает альбом в несколько необычном ключе. Итак, вряд ли картина техно-дэта начала 90-х была бы полной, если бы к астральности работ Cynic, Nocturnus и Pestilence тех лет не добавилось ничего земного; сложно ведь Земле и Небу без посредника…
|
| |
|
|
|
|
|
| …Нет, не все так плохо, как написано во второй рецензии, скорее все хорошо так, как написано в первой… Чтобы точнее выразить то, что я думаю об этом EP, потребуется каждую фразу заканчивать придаточным «если бы до этого Suffocation не выпустили «Pierced from Within». Да, к сожалению, мощь и харизма этого альбома осталась недосягаемой, уж мини-альбомом-то их точно не превзойти. EP демонстрирует зрелость и расцвет инструментальной мысли Suffocation, начавшийся на альбоме 1995 года: плотность объемных, грозных и в то же время скоростных, часто сменяющих друг друга риффов на единицу времени, действительно, впечатляет… Однако то ли специфика формата, то ли еще что повлияло на музыкантов, но неизвестно куда делись соло-гитары коллектива (услышать их можно в последней композиции – но она не в счет, ибо это переигранный старый материал). Ограничение во времени форматом EP не позволило гитаристам группы в полной мере развернуться. На выходе мы, конечно, получили квинтэссенцию дэта, но фирменные лид-гитарные партии я бы тоже «водой» не назвал. А вот в отношении баса «Despise the Sun» продолжает традицию – здесь он вполне осязаем уже в первой песне. Дэйв Калросс обеспечил, наверное, самый надежный ударный аккомпанемент за всю историю Suffocation – барабанщик отработал с максимальной эффективностью и без излишней брутальной отдачи. А верный голос Suffocation – Фрэнк Муллен – верен себе, и эхо-эффектом, который также составляет антураж саунда группы, его харизму не испортишь. Все песни «Despise the Sun» как на подбор, из них выделяются только более продолжительные “Funeral Inception”, “Despise the Sun” и “Catatonia”. А в целом мы получили EP, характеризующийся законченностью и целостностью впечатления, а поспособствовали этому даже такие мелкие, на первый взгляд, штрихи, как открывающие это 16-минутное произведение слова “The greatest trick that the devil has ever pulled was convincing the world he doesn't exist” и впечатляющая обложка.
|
| |
|
|
|
![[]](/img/user-center-pan1.jpg){kind=small}
Дядя
