В 1980 году, когда вышел первый студийный одноименный альбом MSG (Michael Schenker Group), мне было 10 лет и тогда услышать эту пластинку было не суждено, просто не было возможности. С карьерой Михаэля Шенкера как гитариста британской UFO и германской Scorpions я частично познакомился в 80-е годы, с опозданием на десять лет, но из того, что услышал, не нашлось ничего такого, что бы потрясло мое юное воображение. Крепкие альбомы, красивая и мелодичная гитара Михаэля - не более, но и не менее. Ну и по итогу как-то не сложилась моя дружба с младшим братом Рудольфа Шенкера, ни в Scorpions, ни в UFO, ни в MSG. А вот в 2008-ом, благодаря привычке ознакамливаться со свежим материалом известных команд, прослушал актуальный на тот момент «In the Midst of Beauty» и понял, что это реально круто, а отдельные трэки прочно засели в моем сознании и навязчиво напоминали о себе в течение длительного времени.
Естественно, тогда же я освоил и предыдущие пластинки коллектива, но они меня в целом не впечатлили. Хороший материал на любителя.
К записи этого альбома группа Михаэля Шенкера приступила почти в оригинальном составе 1980-го года, за исключением басиста Мо Фостера, которого заменил Нил Мюррей (Colosseum II, Whitesnake, Black Sabbath). На ударных - Саймон Филлипс (Jon Anderson, Mike Oldfield, The Who, Toto, Derek Sherinian), а за клавишные дела в ответе небезызвестный Дон Эйри - как говорится, без комментариев. На вокале Гэри Барден, чье имя даже выведено в названии коллектива наравне с Шенкером.
Что же мы слышим на этой пластинке? Здесь в наличии европейский мелодичный хэви-метал (или даже хард-н-хэви) во всей красе, но хэви именно континентальной разновидности. Двенадцать красивых композиций обильно сдобренных техничной, но не уходящей в дебри самодостаточного инструментализма, гитарой Шенкера с его фирменными хуками и риффами. Песни яркие, им можно подпевать, некоторые затем постоянно крутятся в голове. Специально не выделяю своих любимцев, поскольку альбом замечательно воспринимается целиком. Единственное «но» - о похожести риффа из песни «A Night to Remember» на классический хит Deep Purple «Smoke on the Water» будет написано в самом конце словами моего друга-музыканта.
Вокал Гэри Бардена хорош, но не идеален. Зачастую он звучит очень лично и проникновенно, но там, где необходимы рок-н-ролльный драйв и отрыв, вокалист не делает этих усилий. Мне услышалось именно так.
Тандем Мюррея и Филлипса работает уверенно и мощно. Молодцы! Правда, звук малого (рабочего) барабана кажется неестественным и гулким, но музыканты посчитали нужным записать его таким образом. Технически всё отлично и на своих местах.
Партии Эйри прекрасно себя чувствуют в аранжировках всех композиций альбома и при внимательном прослушивании видно желание музыканта участвовать в создании общего фона для музицирования главного кормчего коллектива - Михаэля Шенкера.
Если я не ошибаюсь, то «In the Midst of Beauty» стал последним в дискографии MSG, а господин Шенкер стал реализовывать свои амбиции в проектах Michael Schenker's Temple of Rock и Michael Schenker Fest. Успех работы весьма относителен, в Германии – 78 место, в Японии – 32 место, в Соединенных Штатах альбом в чарты не попал.
Мне лично эта пластинка весьма и весьма по душе. Недавно решил заказать японское издание «In the Midst of Beauty» на CD, внимательно прослушав цифровой диск несколько раз.

P. S. Мой друг Станислав о риффах в «A Night to Remember» MSG и «Smoke on the Water» Deep Purple:

«Тональность у Schenker и Deep Purple одна и та же - Gm (соль-минор). Темп практически один в один. У Schenker быстрее на 3%. 117 ударов в минуту против 112. Партия бас-гитары идет в обоих вступлениях отрывистыми восьмыми на одной ноте G (соль), конец фразы только играя с гитарой. Последовательность нот у Deep Purple: G-B-C, G-B-D-C, G-B-C-B-G. Последовательность нот у Schenker: G-D-C, G-D-C, G-D-C-(ход в аккорде F (фа-мажор). Отличаются и размером. У Deep Purple - 4 такта 4/4. А у Schenker 1 такт 4/4, затем 1 такт 3/4, затем снова 4/4 и опять 3/4. Оригинально и слушабельно!»

Volot  24 янв 2024

Не прошло и шести годков, как в сентябре 2023, на тридцать втором году существования, славный американский коллектив Dying Fetus выстрелил девятым номерным альбомом.

Начиная с «Killing on Adrenaline» (1998) Ваш покорный слуга внимательно следит за творчеством группы, и вся их дискография у меня делится три периода. Первый ознаменован составом, где были три главных столпа DF - John Gallagher, Jason Netherton и Kevin Talley - это до начала двухтысячных. Второй начался, когда Netherton, Talley с Mike Harrison организовали Misery Index, а Dying Fetus, ведомый Галлахером, продолжил свой путь в мире экстремального металла. Состав в то время немного штормило, но к 2009 году (альбом «Descend into Depravity») наступила стабильность, и примерно здесь берет начало третий период, длящийся и ныне.

Лучший для меня диск - «Killing on Adrenaline», любовь с первого взгляда. Услышал в 2000 году. Второй период творчества группы мне не очень: альбомы как будто отражали некоторые шероховатости коллективной работы над музыкальным материалом. А вот начиная с 2009 года Dying Fetus в составе: John Gallagher, Sean Beasley, Trey Williams, выходит на тот уровень, когда становится постоянной величиной в высокотехничном брутал-метале, хотя, возможно, и не самой главной.

При прослушивании данного творения я не удивился. Всё как всегда. Возможно, грува несколько больше чем обычно. Порадовало то, какие трэки были выбраны первыми в качестве «открывашек» - тут всё просто замечательно, я как слушатель сразу понимаю, что мне предстоит услышать и зачем. «Enlighten Through Agony» и «Compulsion for Cruelty» - просто убийственные песни.

Слэм и грув, наряду с выверенными бласт-битами, присутствуют в композициях как данность - это часть проповедуемого стиля. Бас-гитара ненавязчиво ложится на партии гитар и лишь добавляет им мощи, не заглушая. Тут, как мне кажется, реализована суть баланса «техничности и брутальности» без перекоса в какую-либо из сторон. На самом деле, немногим исполнителям это удается и у «Подыхающего зародыша» отлично всё получается. Иногда, когда вспоминается недавнее творчество Dying Fetus, у меня возникает вот такая ассоциация – бласт-бит, грув + мрачное веселье. Это мои личные ощущения.

Dying Fetus одна из немногих групп, с завидной постоянностью выпускающих хорошие релизы в зрелом возрасте, хотя известно много обратных примеров, когда музыканты, выстрелившие первыми альбомами, потом уныло сливаются.

Тут налицо процесс неспешного накопления материала без излишнего давления сверху - например, со стороны звукозаписывающего лейбла, плюс финансовая независимость, позволяющая высказываться музыкально именно тогда, когда есть что сказать. И вроде как я на «Make Them Beg for Death» не услышал совершенно ничего нового, абсолютно. Но… это было свежо, технично, брутально, хорошо записано и хотелось именно этого.

Volot  17 янв 2024

Эта замечательная работа американцев Helstar является четвертой в дискографии команды и скорее всего (мне так видится), сей диск для коллектива такой же основополагающий, как «Master of Puppets» для Metallica, «Rust in Peace» для Megadeth или «Reign in Blood» для Slayer. Это пик творчества группы и знаковая пластинка в истории Heavy Metal как музыкального движения. Helstar росли качественно с каждым последующим альбомом, начиная от залихватского дебюта «Burning Star», и «Nosferatu» это достойнейшее завершение их первого и главного периода творческой жизни.
К записи «Nosferatu» музыканты приступили в том же крепко сколоченном и сыгранном составе, что и на предыдущем номерном альбоме «A Distant Thunder». На мой взгляд, сей факт тоже повлиял на качество материала. Влияние предыдущих трех дисков в наличии, но здесь также присутствует окончательная шлифовка собственного уникального стиля коллектива. Выше Helstar уже не замахивались и не попадали.
Наверное, основная заслуга «Nosferatu» заключается в максимальном использовании возможностей speed metal и американской разновидности power metal, толики thrash metal и большой порции того, что мы называем neo-classical metal. В партиях соло-гитар неоклассические темы звучат постоянно и весьма достойно.
Вообще, к музыке Helstar можно применять слова «изысканная» и «утонченная», что весьма парадоксально, учитывая стилистику коллектива, но применять их будет правильным и логичным. «Острое», четкое звучание альбома дает прекрасные возможности слушателю оценить разнообразие нетривиальных аранжировок, мощь и красоту гитарных партий, надежную и грамотную работу ритм-секции.
Театрально-холодная атмосфера общего звучания материала придает записи своеобразный характер с претензиями на уникальность.
Вокалист Rivera хорош, с песнями справляется отменно, хотя, честно говоря, у меня всегда было ощущение нехватки мощности диапазона у главного за микрофонной стойкой в Helstar. А вот узнаваемость голоса, как важный критерий оригинальности, здесь присутствует однозначно.
Дуэт гитаристов Barragan/Corbin собирает всяческие похвалы за техничность, мелодичность и экспрессивность. Радует запись гитар, которые звучат ровно, выверенно и четко, чтобы слушатель мог насладиться сложными пассажами и риффами в полной мере. Пожалуй, только басист Abarca время от времени несколько оттеняется в миксе, и причина, возможно, в том, что плотность партий гитаристов не позволяет басисту развернуться в упражнениях в прекрасном, не внеся элементов хаоса в общую палитру законченной музыкальной картины.
Барабаны Ferreira звучат достойно, делая с басом крепкую основу для наложения партий гитар и вокала.
Шесть первых песен с альбома написаны по мотивам романа «Дракула» Брэма Стокера, а остальные композиции посвящены темным сторонам бытия.
«Nosferatu» от Helstar есть классическая работа именно из того времени, когда Metal был развивающимся стилем и данный диск является значимой ступенькой в совершенствовании одного из направлений тяжелой музыки.

Volot  15 янв 2024

Металлическая сцена США и Западной Европы в середине 80-х годов прошлого века была не совсем открытой для коллективов из других регионов планеты Земля. Обязательное пение на английском языке (исключения, естественно, были), чуйка на аутентичное чувство корней, лежащих в области блюза, рок-н-ролла, хард-рока и взаимодействие с классической европейской музыкой в отдельных случаях, особенно в партиях многих выдающихся металлических гитаристов, были подвластны далеко не всем желающим проникнуть на рынок западной «железной» музыки. Одними из тех, кому всё-таки удалось сломать барьер и заставить говорить о себе уважительно все ведущие музыкальные издания, были Loudness, коллектив из Японии. Тут еще важен факт любви к этому альбому со стороны простых слушателей, которые с удовольствием голосовали за LP «Thunder in the East» трудовым американским долларом. Диск был издан в январе 1985 года на известном лейбле Atco Records и с течением времени попал в списки Billboard 200. На оба сингла с альбома «Crazy Nights» и «Like Hell» были сняты видеоклипы. В августе 1985-ого Loudness участвовали в туре с Mötley Crüe в качестве разогрева.
Образованная в 1981 году, группа Loudness сделала первую заявку на экспортный рынок выпустив четвертый и первый англоязычный альбом «Disillusion» (1984), который был весьма неплох, но не обладал в полной мере достоинствами «Thunder in the East» (1985).
Кстати, есть такое мнение среди части старых металлистов, что обозреваемая пластинка является одной из лучших в своей нише по итогам 1985 года. Я с этим заявлением согласен.
Чем же смог зацепить искушенного американского слушателя данный опус? Успех в родной Японии здесь даже не обсуждается. Попробуем разобраться.
Мне думается, одним из самых важных составляющих успеха «Thunder in the East» является высокий уровень мелодизма и оригинальность музыкальных решений. Песни мощные, запоминающиеся, с хуковыми припевами и куплетами. Риффы и соло-партии весьма техничны. Оригинальная смесь из рецептов Iron Maiden, Judas Priest, Scorpions, Lizzy Borden и актуальных на тот момент Mötley Crüe. Яростная энергия, выплёскивающаяся десятью металлическими номерами, тяготеющим в среднем к четырехминутным трэкам.
Вокалист – Минору Ниихару, достойный металлический фронтмэн, поющий в верхнем регистре, эмоциональный, искренний и имеющий индивидуальную окраску тембра, за счет чего узнаваем и самобытен.
Гитарист - Акира Такасаки, делающий упор на изобретательные и техничные партии с ярко читающимся влиянием европейской неоклассики в соло. Отсутствие бессмысленной гитарной вольтижировки, подчиненность сольных партий общему настроению композиций.
Ударник с бас-гитаристом на уровне, не более, но и не менее. Тут всё просто хорошо и замечательно.
Хитом здесь была и есть композиция «Crazy Nights», хотя, по мне, «Like Hell» или «Get Away» как минимум не хуже.
Чем ещё примечателен данный полноформатник Loudness, так это удивительной целостностью, самодостаточностью и примером того, что мы называем классическим образцом heavy metal в «узком» смысле - это не speed, это не thrash, это не power европейской или американской школы, это не hard-n-heavy или ещё чего-нибудь, это именно тот незамутненный ничем лишним кондовый heavy metal, где гармонично сошлись и смешались две школы – американская и европейская. Мне слышится именно так.
«Thunder in the East» был и есть лучшее и самое известное творение заслуженного японского коллектива. Именно его в первую очередь вспоминают при упоминании Loudness, несмотря на внушительную дискографию из более чем двадцати с лишним студийных альбомов.

Volot  12 янв 2024

Забавно, но я ни разу не поклонник «древнего» коллектива Flotsam and Jetsam, отсылающего нас в далекие 80-е, когда стиль трэш-метал родился, развился и в основном оформился во всех своих ипостасях. В те годы моими любимцами были Metallica, Sepultura и Slayer. Именно в такой последовательности. Мне просто хотелось записать некоторые впечатления от последнего творения F&J 2021 года под суровым названием «Blood in the Water». Но как только я попробовал оформить всё это в виде буковок и строчек и у меня случились постоянные возвраты к альбомам группы 2016 года (обозреваемый «Flotsam and Jetsam») и 2019 года («The End of Chaos»), стало ясно, что без этого переломного диска эпохи середины 10-х никуда не деться, а последний номерной пока подождет.
Чем известен сей славный коллектив? Меломаны со стажем или кто глубоко в теме помнят, что на дебютнике 1986 года у F&J на басу числился и играл некто Jason Newsted. Многие (но не я) были в восторге от второго LP группы – «No Place for Disgrace» (1988). Ну а потом, вплоть до 2014 года, путь Flotsam and Jetsam был лихорадочным и спорным, эксперименты музыкантов не приносили большого успеха, и группа постепенно скатывалась на уровень полузабытых маргиналов. Я в начале 10-х прослушал все альбомы F&J на тот период и поставил жирный крест на команде.
«Flotsam and Jetsam», одноименный названию группы, двенадцатый номерной. До него в 2014 году музыканты перезаписали и выпустили их самый успешный релиз 1988 года «No Place for Disgrace». У поклонников F&J мнения разошлись, я равнодушен… а вот диск 2016 года понравился с первого прослушивания и утвердился в моей коллекции приобретением на CD. Когда ещё только собирался осваивать сей материал, обратил внимание на одноименное название альбома и это меня настроило так, что здесь либо возврат к корням, либо какая-то поворотная точка в творчестве Flotsam and Jetsam и заявка на повышенное внимание от потенциальных слушателей. В моем случае заявка оправдалась.
Ветераны группы — это вокалист Eric 'AK' Knutson, гитарист Michael Gilbert, ну и отчасти басист Michael Spencer, который ранее играл лишь на демо в 1987 году, а с 2014 вновь встал в ряды F&J. Новички в команде - гитарист Steve Conley (известный по группе F5 и своим участием в качестве приглашенного музыканта на перезаписи «No Place for Disgrace 2014») и барабанщик Jason Bittner (Burning Human, Shadows Fall, Stigmata и т. д.) бойцы, как мы видим, опытные.
По стилистике материал альбома мне видится этаким миксом из thrash metal и power metal американской разновидности. Хотя суть ли это важно, когда при прослушивании не ждешь какой-либо песни, а наслаждаешься каждой по-своему. Этот альбом, к счастью, не постигла судьба многих типичных творений, записанных после 2000-х, когда даже работы маститых корифеев звучат пересжато, ватно, сухо и излишне по-цифровому что ли. Запись «Flotsam and Jetsam» выполнена весьма достойно. Сцена прописана грамотно, с четко видимыми границами и пересечениями всех инструментов. Плотный, округлый, хорошо читаемый бас. Spencer замечательно играет пальцами, что дает дополнительный бонус в общей фактуре звука. Порадовал ударник. Bittner отменно техничен, разнообразен и непринужденно заколачивает гвозди там, где это необходимо. Бочки звучат упруго и плотно, а рабочий чёток и выверен. Так что ритм-секция на высоте и в общем миксе выведена на первую линию звуковой атаки. Гитаристы великолепно справляются со своими партиями. И соло и риффы звучат красиво, технично и неоднообразно. Eric 'AK' Knutson не является чисто трэшевым фронтмэном, его вокал одновременно и распевный, и несколько натужный, как будто поет он из последних сил, хотя определённый шарм в такой манере присутствует. С мелодическими линиями вокалист справляется замечательно и лично для меня его голос узнаваем и индивидуален, что само по себе вещь бесценная. Еще подобная вокальная манера у меня ассоциируется с группами, играющими заокеанский power или progressive metal.
Песни здесь разнообразные, ощущения одной длинной монотонной композиции совершенно нет. В наличии свежие мелодии и риффы вкупе с индивидуальными аранжировками. Стартовый трэш-номер «Seventh Seal» энергично открывает диск и передает взрывную атмосферу очередному забойному трэку под названием «Life Is a Mess», который в свою очередь далеко не плавно перетекает в качевый и несколько грувовый «Taser», а затем в небольшое потрясение в виде этакого посвящения великой британской легенде – песню «Iron Maiden», которая написана и аранжирована чётко в стилистике «Железной девы». Отличнейший трэк. И так далее, весь материал слушается легко и непринужденно, как будто музыканты сбросили с себя весь старый негативный багаж и решили оторваться в свое удовольствие, но делая это уверенно и амбициозно.
Из старых коллективов, играющих thrash, кроме Flotsam and Jetsam в 2010-е меня также неожиданно порадовали немцы Exumer тремя замечательными полноформатниками: «Fire & Damnation» (2012), «The Raging Tides» (2016) и «Hostile Defiance» (2019).
Что касается продолжения карьеры у Flotsam and Jetsam, то в 2019 у них вышел приличный «The End of Chaos», а в 2021 году выстрелил совершенно ураганный «Blood in the Water».

Volot   8 янв 2024

Второй альбом группы (последний под этим названием, следующий уже будет под вывеской The Kovenant), как мне кажется, поднял планку качества в стиле Melodic/Symphonic Black Metal настолько высоко, что я даже не могу сходу назвать конкурента. Уникальный, многослойный, удивительный своей мелодикой, атмосферный, увлекательный акт конца безбашенных 90-х. В те годы это была смелая попытка скрестить звучание black metal c мощными симфоничными клавишными, великолепным оперным пением в качестве фона и значительным влиянием европейской классической музыки в отдельных проигрышах.
На предшествующем дебютнике ядро группы составляли два музыканта – Nagash (басист Dimmu Borgir того времени) и Blackheart. Во время записи «Nexus Polaris» к коллективу присоединились Astennu (гитарист Dimmu Borgir актуального периода), Sverd (клавишник авторитетнейших Arcturus) и всем известный Hellhammer (Arcturus, Mayhem и прочая). На мой взгляд, столь авторитетная компания имела все шансы сделать достойную пластинку и у них это получилось. Я не знаю, почему именно эти музыканты появились в студии… или это личные контакты, или это влияние звукозаписывающего лейбла Nuclear Blast, но результат оказался превосходным. Если меня спросить о наиболее ярком альбоме в стиле Symphonic Black Metal – мой ответ всегда предсказуем – Covenant «Nexus Polaris», а не Dimmu Borgir «Puritanical Euphoric Misanthropia» или «Death Cult Armageddon», к примеру.
Отдельные благодарности необходимо произнести в адрес Sarah Jezebel Deva, в буклете альбома она указана в списке музыкантов группы как «Sarah Jezebel Deva - Starsong», и это есть дань заслугам этой великолепной певицы, превосходнейший голос которой гармонично сочетается с музыкой и очень красиво её дополняет. Если кто не знает, пение Сары звучит практически на всех работах Cradle of Filth с 1996 года, на нескольких дисках Therion и еще на многочисленных альбомах групп не столь известных.
Несколько спорным здесь видится вокал Нагаша, по мне так нормальный блэковый голос, но есть часть черных ортодоксов, считающих его недостаточно убедительным… это их личное мнение.
Что касается музыкальной составляющей сей работы, скажу так – это шедевр, это искрометный металл, не ограниченный ни техникой музыкантов, ни рамками какого-то стиля, ни отсутствием привлекательных мелодий. А какая шикарная, с холодком, атмосфера на этом полотне! Монументальный в своей последовательности и логичности альбом. Классика жанра и просто отличная пластинка.
Мое личное восхищение «Nexus Polaris» подтверждается приобретением в конце прошлого года первопресса от Nuclear Blast на CD.

Volot  24 дек 2023

Когда в начале 80-х прошлого века на туманном Альбионе громко о себе заявили представители так называемой NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), их количество было велико и заряд бодрости, озвученный десятками молодых британских энтузиастов, был настолько силен, что породил несколько разной степени успешности групп, как то: Iron Maiden, Saxon, Venom, Raven. Сразу вынужден сообщить, что ни Motorhead, ни Judas Priest к данному движению не относятся. Те, кто в теме, об этом прекрасно осведомлены. Кроме немногих успешных участников британской металлической движухи тех лет, перечисленных выше, ещё не более десятка команд запомнились слушателям своими работами - например, Diamond Head, Girlschool, Praying Mantis, Samson, Satan, Tygers of Pan Tang и прочая. У каждого металлиста со стажем имеет быть свой список предпочтений. В этой когорте молодого островного английского металла были и интересные, достойные коллективы, которые даже не смогли выпустить ни одного полноформатного альбома, но при этом всё равно оставили ощутимый след в душе своих поклонников.
С 1982 по 1987 года в Англии существовал коллектив с банальным названием Hell. Если верить информации с сайта Metal Archives, образован он был в г. Ноттингэм. За время своего существования команда выпустила несколько демо и один двухпесенный сингл 1983 года «Save Us from Those Who Would Save Us». Я, в середине 80-х проживая в Риге, об этой группе совершенно ничего не слышал, как, впрочем, и о большинстве не добившихся широкого успеха участников Новой волны.
В 2012 году, через двадцать пять лет после завершения первого периода творчества британского коллектива (вокалист оригинального состава David Halliday совершил суицид 29 января 1987 года), друзья подкинули мне для ознакомления актуальный свежий альбом Hell под названием «Human Remains», записанный и изданный в 2011 году. Я был приятно удивлен качеством и разнообразием представленного материла. Скажем так – зело приятственно! Далее мне стало интересно, что это за «зверь».
В процессе многочисленных поисков во всемирной паутине я установил, что этот альбом 2011 года есть несколько необычное явление, когда группа из середины 80-х возрождается и выпускает свой старый материал, до этого доступный лишь на различных демо тех лет. Весьма немаловажной причиной для данного возрождения стал тот факт, что одним из главных движителей этого действа стал господин Энди Снип, участник британской трэш-команды Sabbat и небезызвестный продюсер, музыкант, гитарист и звукорежиссер, связанный с работами Judas Priest, Accept, Blaze Bayley, Saxon, Оpeth, Arch Enemy, Exodus, Megadeth, Krеаtоr, Nevermore, Testament, Carcass, Fear Factory, Overkill и многими другими. Снипа учил играть на гитаре покойный вокалист Hell - David Halliday. Творчество Hell и общение с Дэйвом Холлидеем настолько сильно повлияло на Энди, что он, как истинный фанат группы, при первой возможности решил приложить максимум своих возможностей для полноценного выпуска старых демо-композиций.
Что получилось в итоге? Замечательный разнообразный альбом, где нет ни одной повторяющейся песни. Отличный звук, как по мне, наиболее подходящий для групп подобного стиля - в меру басистый, с четкой серединой и верхами. Без тупой компрессии. Цепкие, хорошо читаемые мелодии. Непростая структура отдельных композиций. Общее ощущение театральности слушаемого действа за счет грамотного использования сэмплов и возможностей нового вокалиста Дэвида «Бекфорд» Бауэра, брата оригинального гитариста/клавишника группы Кева Бауэра. Дэвид имеет за своими плечами актерскую школу и это чувствуется там, где он начинает использовать наработанные возможности театрального актера. Атмосферность вплетена в канву пластинки весьма органично и толково, это тот случай, когда всё к месту… на мой взгляд.
Калейдоскоп композиций на «Human Remains» длиной в 66 минут позволяет нам ощутить и энергетику простых зажигательных хэви-металлических риффов, и непростую вязь околопрогрессивных решений в аранжировках, и атмосферность различных звуковых вставок (будь то плач новорождённого ребенка или смех ехидных злобных старушек), и оркестровые вступления или трэшевые сбивки в отдельных песнях. Всё это вместе - просто великолепная, разноплановая музыка начала 80-х, сыгранная и записанная по канонам 2010-х.
В итоге скажу так: данная пластинка есть одна из немногих реинкарнаций неизданного металлического прошлого, которая, может быть, и не является общемировым шедевром, но однозначно хороша и достойна как добротная работа талантливых музыкантов.

Volot  15 дек 2023

Рассматриваемый здесь альбом является третьим студийным LP замечательного канадского коллектива Sacrifice. На тот момент группа была относительно известна на североамериканском континенте среди любителей thrash metal и с выходом «Soldiers of Misfortune» вошла в так называемую «большую четверку» канадского трэша, наряду с Voivod, Razor и Annihilator. Два предыдущих альбома отличались мощной, напористой энергетикой, сыроватым звучанием (особенно дебют «Torment in Fire» (1986)) и большой долей агрессии. Актуальный материал, на мой взгляд, выглядит попыткой ответить технически великолепным работам Metallica, Testament и Megadeth конца 80-х. Как мне думается, у группы получилось. На выходе имеем пластинку, которая может потягаться с самыми лучшими творениями корифеев жанра, кроме одного фактора, его я обозначу в конце обзора.
Данный лонгплэй вам не успеет надоесть, суммарный объём звучания около 40 минут. Семь песен в районе четырех минут и одна десятиминутная монументальная композиция «Truth (After the Rain)».
Темп постоянно меняется, как по классическим канонам thrash metal – сбивки ритма. При этом ощущения хаотичности нет, все композиции четко структурированы и гармоничны.
Вокалист Роб Урбинати выкрикивает свои «ядовитые» фразы в манере фронтмэнов немецкой разновидности трэша. У меня при прослушивании «Soldiers of Misfortune» навязчиво возникает ощущение некоторого созвучия манеры исполнения Роба с вокальным «музицированием» покойного Чака Шульдинера. Хотя это может быть всего лишь домысливанием того факта, что лидер Death уважительно относился к творчеству Sacrifice.
Немаловажное свойство этой работы заключается в своеобразной «холодновато сухой» атмосфере всего альбома. Песни звучат в одном общем ключе, при этом не теряя индивидуальности и разнообразия в аранжировках.
Если разбираться в хитросплетениях организации композиций, как я вижу, тут имеет место быть чисто риффовый трэш, где вокал успешно поспевает за отличными риффами гитаристов. Первоклассная ритмичность песен достигается также за счет мастерской работы ритм-секции. Игра на барабанах просто великолепна. Бас хорош, но в миксе очень часто сливается с ударными, даже несмотря на весьма качественную запись.
Уровень соло здесь может посоперничать практически со всеми основными героями трэша того времени, за исключением, пожалуй, отдельных работ Марти Фридмана и Алекса Сколника.
Когда я первый раз слушал эту пластинку, мое внимание сразу же сосредоточилось на вступлении к заглавной песне «Soldiers of Misfortune» (зря её поставили второй по списку, ИМХО), где опытному слушателю с первых нот показывают, что здесь представлен солидный и грамотный трэш высшей пробы.
После всех дифирамбов, озвученных выше, возникает вопрос об отсутствии у Sacrifice широкой популярности в среде металхэдов. С моей точки зрения, музыкантам всего-навсего не хватило пары-тройки хитов, таких, где зрителям можно было бы подпевать припев или какие-то удачные фразы из куплетов.
Материал пластинки хорошо слушается целиком и без перерывов, именно тогда раскрывается его технически выверенная мощь, изысканность аранжировок и красота суровых мелодий.
В какой-то мере этот альбом можно считать итоговой квинтэссенцией североамериканского умного трэша конца 80-х.

Volot  11 дек 2023

При тщательном рассмотрении и прослушивании последнего «номерника» итальянских Sadist, меня не покидает мысль о том, что многие альбомы этой славной группы практически всегда отличала какая-то неоконченность, недоработанность или, может быть, какое-то отсутствие полноценной шлифовки. Хотя потенциал у коллектива был всегда. И возможно, именно «Firescorched» приблизился к их эталонному творчеству, как в плане музыки и композиции, так и в плане звука.
В моем конкретном случае необходимо акцентировать внимание на предпоследнем творении Sadist, в данном случае это «Spellbound», много раз прослушанный, и сравнивать буду в основном с ним. Записанный прошлым составом диск был статичным и холодным по атмосфере, но ни в коем случае не плохим. Как мне видится, материал на «Spellbound» получился нецелостным и рваным. Набор разрозненных элементов, которые заготовили, но почему-то не успели «упаковать» в итоговые композиции. После этой досадной осечки в группе произошли кадровые перестановки по части баса и ударных. На место Марчини пришел голландский басист Jeroen Paul Thesseling (Obscura, Pestilence), играющий на безладовом инструменте. Партии барабанщика взял на себя Romain Goulon (Necrophagist, Agressor (FR.)). Многоопытные новобранцы отлично влились в коллектив, особенно по душе пришлись мне партии Тесселинга. Безладовый бас практически всегда дает аналоговую ламповую живость.
На «Firescorched» имеется очень достойный, особенно по нынешним временам, саунд. Сцена в записи выстраивается замечательно, и наслоений одних инструментов на другие нет. Полноценная, полнокровная стена звука, а где надо и затухание гитар, отдельно музицирующий безладовый бас, партии клавиш очень дозированы и появляются только там, где действительно украшают аранжировки. Особенно хороши они как бы «на фоне» бласт-бита. Электроники действительно много. Однако при общем преобладании «теплого» звука она логично вписывается в структуру альбома, где многое подчинено трэшевым риффам, наслоениям прогрессива и палитре загадочного Востока.
Витиеватая вязь баса не перетягивает всё внимание на себя, ударные созвучно создают крепкий каркас для четко структурированных риффов и многочисленных электронных вставок. Мне было бы интересно послушать этот материал с ударником джазовой школы… может быть. Но и тут всё весьма недурно. Гармония в наличии.
Девятый альбом у Sadist'а получился. Хотя ниточек, связывающих группу с именно с death metal, осталось немного. Фирменный рык Тревора Надира – одна из них, и ревет он просто убойно. По сути, «Firescorched» получился более прогрессивным, экспериментальным – и это уже кивок в сторону ранних работ. А еще на альбоме всё очень закончено и логично звучит, нет желания что-то убавить или прибавить. Блюдо, извините за сравнение, приготовлено, подано, готово к употреблению. На мой взгляд, у группы всё в порядке, и видно каким путем ей развиваться дальше.

Volot  12 ноя 2023

Есть знаменитые группы, которые уже своим ранним творчеством совершают прорывы в музыкальной индустрии и затем постоянно пользуются старым багажом наработанных идей и приемов. Мы знаем много таких команд. Есть известные коллективы, получившие популярность в ходе развития какого-либо музыкального стиля, но в дальнейшем пытающиеся экспериментировать, идти в ногу со временем и кардинально меняющие стиль, манеру подачи своих музыкальных творений. Таких команд тоже немало. Ну есть еще и музыкальные «троечники», в начале своей карьеры не имевшие шансов ворваться на вершину пропагандируемого стиля из-за тотальной вторичности, но лет через двадцать пять начавшие выпускать приличные альбомы, достойные исполнителей высшего эшелона трэша. Это про EXUMER.
Мне помнятся многочисленные лого EXUMER-а на обложках специализированных металлических изданий середины-конца 80-х, но при этом я точно помню, что уровень популярности был на умеренно локальном уровне. Альбомы EXUMER-а не обсуждались бурно среди тогдашних металлистов и не являлись предметом зависти, в отличие от свежевыпущенных дисков METALLICA, MEGADETH или SLAYER, KREATOR, SODOM или DESTRUCTION, а позднее SEPULTURA или SARCOFAGO. Первые два LP группы продемонстрировали глобальное влияние на их стилистику американских пионеров трэш-метала (первый альбом - METALLICA, второй – SLAYER). Хотя материал сугубо вторичный, но сыгран весьма бодро и напористо. Можно послушать, а можно и не послушать (ИМХО).
С последним номерным альбомом «Hostile Defiance» ознакомился почти случайно и получил громаднейшее удовольствие к своему удивлению, т.к. ждал чего-то второсортного в духе работ 80-х. Нет, здесь все совершенно по-другому. Такое ощущение, что музыканты все эти годы упорно тренировались и работали, чтобы наконец-то выдавать высококачественный трэш мирового уровня. Если главные ветераны стиля зачастую в последние годы производят продукт сомнительного качества, то EXUMER, никогда не блиставший в годы расцвета трэша, здесь отменно подготовлен, свеж и грамотно рубит свои убойные композиции. Мне слышится: великолепная ритмичная риффовка, методичный паровой каток ударных, вменяемый трэшевый вокал, качественный жирный звук, чуть-чуть грува в отдельных композициях. Создается ощущение, что нынешнему составу просто очень нравится исполнять актуальный материал.
После неоднократных прослушиваний альбома прекрасно видно отсутствие каких-либо неожиданных или оригинальных музыкальных решений, иногда фрагменты композиций навевают ассоциации с чем-то многократно слышанным, но при этом не вызывают отторжения, а скорее наоборот - есть желание слушать и наслаждаться дальше. Господа Von Stein и Ray Mensh (оригинальные участники группы) с относительно новыми членами коллектива (первый номерной нынешнего состава вышел в 2012 году и с тех пор менялся лишь второй гитарист) не стали пытаться выдумывать чего-то сверхновое или скрещивать нескрещиваемое, чтобы как-то выделиться в сонме старых и новых трэш-коллективов. Музыканты просто навсего грамотно переиграли общеизвестные стилевые клише, но как говорится с чувством, с толком и расстановкой. А на выходе случился актуальный немецкий трэш уровня высшего эшелона и неизвестный в широких кругах металлической общественности, увы…
Да, еще, предыдущие номерные альбомы «Fire & Damnation» (2012) и «The Raging Tides» (2016) мне тоже пришлись по душе, где-то на близком уроне с «Hostile Defiance», с той лишь разницей что где-то чуть больше элементов грува, где-то звук более резкий и звонкий, где-то продюсер другой. Обе работы хороши.

Volot   4 июл 2019

Еще один альбом великих австралийцев, не ставший суперхитом, продажи в США – скромно 1 000 000 экземпляров (для сравнения «Back in Black» (1980) - 22 000 000). Множество любителей творчества группы считают «Fly on the Wall» одной из самых провальных работ коллектива.
Данная пластинка записана без оригинального барабанщика группы Фила Радда, который был вынужден после ссоры с Малколмом Янгом покинуть группу на десять лет. Как следствие: другой ударник – другой звук ударной установки и звучания в целом. Если Радд был адептом сухих тяжелых барабанов и оригинальной манеры акцентирования тарелок, то пришедший ему на смену Саймон Райт привнес в группу более современный, на тот временной отрезок, гулкий объёмный саунд.
«Fly on the Wall» записывался и сводился под руководством братьев Янгов, Мэтт Ланг, однозначно причастный к успеху трех альбомов рубежа 1980 года, был уволен еще после записи «For Those About to Rock (We Salute You)» (1981). Старшего брата Джорджа Янга, участвовавшего в продюсировании альбомов AC/DC до 1978 года, тоже не позвали, его время еще не пришло. Кстати, возможно, у многих пытливых поклонников группы возникает вопрос, а почему Янги отказались от услуг успешного Мэтта Ланга? Смею предположить, что все очень просто. Деньги. Стоимость работы Ланга в студии начиналась от отметки в сто тысяч долларов США.
Надо сказать, что 85 номерной, у меня лично, один из самых любимых. Я могу его слушать всегда и в любом настроении, с любого места. Есть тут какая-то магия, мне непостижимая. Я прекрасно вижу и слышу достоинства альбомов «Back in Black» или «Highway to Hell», но жесткие резкие гитары вкупе с бодрыми воплями Джонсона на «Fly on the Wall» мне дороже.
Одной из основных причин, по которой «Муха на стене» у многих зачастую удаляется из плей-листа в пользу творений опять-же 1979,1980,1981, 1990 годов, мне представляется мелодическая составляющая припевов. На «Fly on the Wall» многие припевы похожи просто на выкрикивания каких-то лозунгов, как то песни «Stand Up», «Hell or High Water» или «First Blood». Да и вообще звук стал тяжелее и жестче, а структуры песен прямолинейнее по отношению к альбомам периода Бона Скотта.
Ну а что касаемо продаж, есть мнение, что всем трем альбомам, записанным после 1980 года, на которых еще только разворачивался Брайан Джонсон («For Those About to Rock (We Salute You)» (1981), «Flick of the Switch» (1983) и «Fly on the Wall» (1985)), здорово помешало решение рекорд-компании выпустить в США в апреле 1981 года пластинку 1976 года «Dirty Deeds Done Dirt Cheap», ранее не издававшуюся в Северной Америке и оттянувшую на себя очень много внимания и денег. Как-никак, аутентичный тяжелый сырой рок-н-ролл от AC/DC, да еще с покойным Боном Скоттом на вокале.
В целом, я оцениваю «Fly on the Wall» на семь баллов, но ставлю восемь, что является обыкновенным проявлением моего личного субъективизма.

Volot   3 фев 2019

Возраст. Болезни. Потеря юношеского энтузиазма. Моральная усталость, присущая людям за сорок. Все это, наверняка, присутствует у музыкантов великой трэшевой команды Megadeth. Но, несмотря на предпенсионный возраст участников коллектива, два предыдущих альбома однозначно подтвердили творческую состоятельность Мастейна & Со. Дела у группы после выхода “United Abominations” (2007) и “Endgame”(2009) пошли ладно и позитивно, в отличие от неудачных экспериментов конца 90-х и начала 2000-х. Megadeth укрепил свои позиции не только как опытный концертный акт с обоймой проверенных временем боевиков, но и как группа, создающая актуальный свежий материал.

У многих ценителей творчества коллектива рыжего Дэйва возникал вопрос – хватит ли пороху, смогут ли музыканты и в третий раз порадовать своих поклонников. И вот новый диск на вертушке, прослушан больше десяти раз - и рука сама тянется к кнопке "repeat". По-моему, у Megadeth в очередной раз получилось, “TH1RT3EN” – великолепный альбом, достойный своих лучших предшественников.

Одной из причин высокого качества новой работы мне видятся кадровые перестановки в коллективе. Перед выпуском “Endgame ” Мастейн избавился от гитариста-середняка Дровера – в группу пришел опытный Крис Бродерик, его искрометные партии весьма позитивно сказались на гитарных делах того альбома. Ну а “Th1rt3en” записывался уже с Дэйвом Эллефсоном на басу, который был в группе с Мастейном с самого основания Megadeth в 1983 вплоть до роспуска в 2002 году. Этот талантливый музыкант, как мне кажется, не мог не повлиять на атмосферу нового материала.

Альбом мне стал нравиться только с третьего-четвертого прослушивания, а при первом ознакомлении не впечатлил вообще, и только старая привычка переслушивать неоднократно материал интересных команд позволила мне в дальнейшем наслаждаться фирменными «мегадетовскими» фишками. На альбоме очень много соло-гитары, иногда даже кажется, что слишком, хотя запилы Мастейна и Бродерика создают именно ту атмосферу «мегадетовского» угара, которую после альбомов конца 80-х и начала 90-х многие слушатели считают фирменным почерком группы. Звук плотный и сбалансированный. Вокал Мастейна выведен на первый план и вещает нам с некоторой долей доверительности, словно для каждого лично. У Дэйва никогда не было вокальных амбиций, и здесь он тоже не пытается предстать перед нами «крутым» певцом, его стезя – яростная эмоциональная «говорильня», если это можно так назвать. А самое главное, на мой взгляд, то, что “Th1rt3en” мелодически гораздо интереснее, чем предыдущие работы. Практически все песни имеют яркий индивидуальный окрас и легко запоминаются, особенно любителями трэша. Еще есть ощущение, что именно на этом альбоме во всей красе раскрылся талант Криса Бродерика, который на предыдущем диске группы был как бы несколько зажат, а на “Th1rt3en” оттянулся по полной. Отчаянные яростные запилы и цепкие драйвовые риффы. Красота.

Лучшая работа Megadeth за последние лет пятнадцать. Однозначно. Десять баллов.

Volot   5 ноя 2011

Первый раз пишу на заданную тему, но почему бы и нет, материал, заявленный для написания отзыва, своеобразен, и практически нигде не освещен, не смотря на свой весьма приличный возраст. И так, «Crypt of Kerberos» - «World of Myths». Год 1993 от Р.Х.
Альбом интересный и, вне всякого сомнения, является продуктом своего времени – выпущен в 90-е, но все его основные составляющие родом из 80-х. Многие музыканты в те годы, пытавшиеся идти в ногу со временем, добавляли в аранжировки элементы индустриального звучания, но здесь мы слышим только конкретный микс из мотивов хэви и трэш, актуального на тот момент прог-дэта и возможно, в быстрых гитарных ритмических партиях, элементы блэкового звучания (особенно в песне «Cyclone of Insanity»). Никаких машинно-урбанистичеких вкраплений. Свежо, для музыки подобного плана, звучат и клавишные пассажи (не часто, но в тему). Чувствуется, что при сочинении музыкального материала, эти сумасшедшие шведы меньше всего следовали штампам прог-дэта, присутствовавшего на мировой сцене начала 90-х. Они играли так, как требовало их собственное восприятие подобной музыки. Материал легко слушается, совершенно не грузит и не только по причине стандартного времени исполняемых песен, но и вследствие наличия добротных мелодических линий. Хотя отдельные риффы, в силу своей заезженности, несколько теряются на фоне оригинальных структурных решений, ощущения вторичности или тотального копирования какого-то аутентичного образца аналогичной музыки не возникает. А отдельные Iron Maiden – образные гитарные соло-партии, звучат именно так, не из-за копирования стиля великих британцев, а потому что если играть мелодично в стиле метал – по-другому просто не получится (первый раз пришел к этой мысли, обсуждая весьма неоднозначный альбом Carcass “Swan Song”, со своим товарищем за 10-м литром пива (на двоих), лет так шесть-семь назад, ).
В плане технического мастерства мне более всего пришелся по душе барабанщик группы - Mattias Borgh. Молодчина, слушаю его и чуть ли не сам начинаю стучать по воображаемым альтам, томам и т.д. Поразительное чувство исполняемого материала, не знаю как он в живую (не слышал, увы), но в студии великолепен. Остальные члены коллектива тоже хороши, хотя басист, пожалуй, и не особо заметен на фоне других музыкантов.
Мне совершенно не жаль времени, потраченного на неоднократное прослушивание «World of Myths», я, словно на машине времени, еще раз вернулся в начало 90-х с засильем простецкого, но весьма доступного гранджа, с еще не закостеневшим дэтом, популярным думом, набирающим обороты блэком норвежского образца и выдохшимся трэшем. Альбом «Crypt of Kerberos» мне видится завершающей эпитафией на вихрастые, шипасто-проклепанные, раздолбайские 80-е, но… только для интеллектуалов от металлического направления или же маргиналов, если хотите.

Volot   8 май 2011

Третий номерной альбом от одной из самых профессиональных дэт-металлических команд в России. Мощный, грамотно записанный, стильно оформленный релиз европейского качества. Когда слышишь подобные творения, не испытываешь чувства неловкости за очередной совок или материал, достойный унтерменшей. Это действительно тот случай, когда, не зная исполнителя, можно подумать, что на вертушке играет западноевропейская группа или коллектив из Польши. Качество. Оно действительно присутствует и в записи, и в структурах песен, и в исполнительском мастерстве, и в оформлении компакт-диска. Здесь не к чему применить наше российское выражение «сделано на авось». И это замечательно.

Разбирая музыкальные составляющие “Deathtruction”, могу констатировать, что скупые мелодические линии, вкрапленные в стандартную «дэтовскую долбу», мне пришлись по душе. Ненавязчиво, выразительно и в меру, но с небольшими заимствованиями или влияниями песен групп, повлиявших на музыкантов Devilish Distance. Припев композиции “The Nameless One” здорово мне напомнил припев бессмертного боевика "Disposable Heroes" (Metallica ”Master of Puppets”). Вступление песни “Legion Christless” заставило вспомнить меня о нетленке Slayer “South of Heaven”, а один из риффов этой композиции можно сравнить с риффом из песни “Dance in the Air” финской группы Thyrane (“Hypnotic” 2003). Чистого (один в один) плагиата мною не замечено, но влияние присутствует – послушайте сами.

Вообще, альбом меня зацепил своей цельностью и монолитностью. Есть здесь экстремальная гармония, если хотите. Хотя не могу сказать, что все на “Deathtruction” идеально. Явные стилистические соприкосновения с польским дэт-металом. Несколько однообразная манера игры барабанщика. Красивая, но банальная обложка (вот предыдущий альбом имел оригинальную картинку). Да и эта папская тиара на буклете, на мой взгляд, не актуальна. В бывшей стране воинствующих безбожников неоткуда взяться такой ненависти к религии, как в насквозь пропитанной католичеством Польше. Но при всем этом, альбом хочется слушать.

Подведем итоги: на мой взгляд - вершина творчества группы; оценка - твердая семерка плюс один балл за личные пристрастия; вывод – если не будут прогрессировать в поисках собственного лица, то пик карьеры уже состоялся.

Volot  15 апр 2011

Неоднозначный альбом. После многократного прослушивания поймал себя на сходных ощущениях, что и эмоции, полученные мной при ознакомлении с последним творением Metallica. Группа так старалась записать сильный альбом, что при шлифовке материала утратила часть души, если хотите. Шесть лет, прошедших после выхода единственного полноформатника «Реки времен», оказали дурную услугу группе Валерия Александровича. За такое продолжительное время, по меркам шоу-бизнеса, исполнителей рангом пониже могут вообще забыть, но здесь случай другой. Голос Кипелова - это еще и голос золотого периода Арии, и интерес к нему имеет место быть постоянно. Но выпустить посредственный альбом Кипелов не имел права. При отсутствии новых хитов любая, даже именитая группа деградирует, исполняя один и тот же старый материал. Так что опасность неудачи, думается мне, сковывала коллектив и повлияла на результат не лучшим образом. Что же получилось в итоге? На мой взгляд, провала не произошло, и это замечательно, но и шага вперед нет. Красивая полиграфия издания, но и на предыдущем номерном диске оформление было весьма приличным. Импортный художник, не знаю, подобное могли нарисовать и в России, возможно, и дешевле. Звук хороший. Сведение и мастеринг добротного европейского уровня, слушать приятно. А вот аранжировки здесь стали посложнее и поинтереснее супротив «Рек времен». Чувствуется, что над ними долго и упорно трудились музыканты. Прогрессивные, что ли, нотки появились в композициях «Безумие», «Еще повоюем» и «На крутом берегу». Гитарные партии однозначно стали изощреннее, но и за такой продолжительный отрезок времени грех не сочинить что-нибудь эксклюзивное. Доля клавишных в аранжировках песен значительно увеличилась. Голос Валерия Александровича как всегда на высоте, радует своей силой и красотой. Тревожные нотки закрались у меня, когда после трех прослушиваний «Жить вопреки» в голове остались лишь композиции «Гламурная птица», «Безумие» и «Черная звезда», а остальной материал оказался как бы за гранью того, что мы привыкли называть запоминающимися песнями. Альбом не так мелодичен, как «Реки времен». А всем прекрасно известно, что в случае, когда коллектив играет классический хэви-метал, именно хитовые мелодии приносят основную часть успеха. Именно в этом, как мне кажется, будут проблемы восприятия альбома основной частью ценителей творчества Валерия Кипелова. Крепкий альбом, но больше семи поставить не могу. Перестарались, видимо, музыканты.

Volot   3 мар 2011

Мое знакомство с творчеством Пола Гилберта состоялось где-то в середине девяностых, на одном из сборников его тогдашней группы Mr.Big. По большому счету, сей коллектив меня особо не вдохновил, но басист группы (Billy Sheehan) и гитарист (Paul Gilbert) мне запомнились, и их творческий путь я отслеживаю до сих пор.
Сольные альбомы Гилберта, в том числе и так любимые многими “Flying Dog” (1998) и “Burning Organ” (2002), при всем великолепии инструментальной проработки музыкального материала, не зацепили меня своей идеологией. Позитивные веселые песни, которые так и просятся в саундтреки к десяткам молодежных фильмов, ежегодно штампуемых ремесленниками из Hollywood-а.
Последнее же творение Пола Гилберта прервало череду безудержного веселья альбомов с вокалом и предстало пред нами в одежках интеллигентного, серьезного инструментального рока. Кроме авторских композиций на диске представлены переработки И.С.Баха и американского композитора Тодда Рандгрена. На японском издании имеется бонус с кавером на Джонни Кэша.
Что касается самой музыки альбома – она великолепна. Как мощнейший технарь и мастер переменного штриха Гилберт известен давно, и рассказывать о его месте в пантеоне славы великих гитаристов мира я не буду. Искрометные филигранные пассажи постоянно сменяются более размеренными мелодическими линиями на протяжении всего альбома. Техники звукоизвлечения разнообразны и соответствуют внутренней логике композиций. Мелодии запоминаются с первого раза и в дальнейшем начинают назойливо всплывать в вашей голове, именно они (мелодии) правят бал на этом гитарном пиршестве под названием “Fuzz Universe”. Звук гитары узнаваем и приятно тешит ухо воспоминаниями о временах Гилберта в Mr.Big. Несмотря на почти часовую длительность альбома (у меня европейское издание с 12 песнями), материал не успевает приесться и всегда дослушивается до финальной композиции.
Ну и по итогу: один из лучших инструментальных альбомов 2010 года. Блеск.

Volot  18 янв 2011

Потрясающе замечательный концерт от грандов мирового рок-н-ролла. За неделю до того, как мне попал в руки «Stiff Upper Lip Live. 2001» (DVD 9), я неоднократно просматривал знаменитый «Live at Donington. 1991», но в коллекцию себе не оставил. Мюнхенский концерт все-таки убойнее, на мой взгляд, естественно. Сет-лист выступления наряду со стандартным набором хитов содержит в себе несколько песен, не засвеченных на видео эпохи Брайана Джонсона - "Problem Child" (1976), "Bad Boy Boogie" (1977), "Up to My Neck in You" (1978), "What Do You Do for Money Honey" (1980) и "Stiff Upper Lip" (2000). И эти «вкусности» как нельзя в тему. Замечательно то, что группа разбавляет постоянно исполняемые композиции свежими концертными номерами. Атмосфера на шоу однозначно позитивная. Десятки тысяч поклонников таланта великих австралийцев (причем некоторые в трех поколениях – дед, отец, сын) наслаждаются ярким шоу любимой команды. Кстати, именно на этом видео очень выигрышно смотрится фронтмен AC/DC – Брайан Джонсон, такое ощущение, будто свою волну поймал, в ударе. Остальные участники тоже не отстают, особенно Ангус Янг, как всегда, приковывающий внимание публики наравне с вокалистом. Вызывает уважение и высочайший уровень съемок и микса: вменяемые крупные планы; не слишком частая смена картинок; сочные незасвеченные кадры; масштабные съемки с вертолета и верхних камер стадиона. Единственное огорчение - мутноватая картинка одной из многочисленных камер иногда появляющаяся на экране. Ну а в остальном - «Stiff Upper Lip Live» должен быть у каждого любителя AC/DC. Отлично.

Volot  20 дек 2010

Для меня Carpathian Forest всегда ассоциировались не со стилем, который они проповедуют, а прежде всего, с музыкой, создаваемой этим самобытным коллективом. Да, именно с ее величеством МУЗЫКОЙ, темной, злобной, мрачной, зачастую депрессивной, но всегда интересной и оригинальной. Музыкой, несущей в себе черты суровой северной природы, окружающей музыкантов и, несомненно, влияющей на атмосферу творений группы. Мне очень просто при прослушивании этого альбома представить и убеленный снегом зимний лес, и бескрайние просторы замерзших льдов Арктики, и потемневшую под скупым северным солнцем, торчащую из весеннего сугроба руку странника, попавшего в снежную бурю и замерзшего в этом величественном, но однозначно враждебном человеку природном ландшафте. Здесь есть атмосфера «черного» норвежского метала.
Песни на “Defending the Throne of Evil” не сливаются в одно нескончаемое однообразное полотно. Все композиции альбома имеют свое собственное лицо и легко определяются при быстром поиске трека в CD-проигрывателе – в нынешние времена это дорого стоит и не есть типично. Основная масса композиций выполнена в стиле “old school black metal”, но с современным звучанием и плотной клавишной подкладкой. Здесь же (на альбоме) прозвучала композиция “One with the Earth” – предвестник одного из основных музыкальных направлений следующего номерного детища Carpathian Forest – black-n-roll.
Большую роль в создании холодной атмосферы альбома играют великолепные клавишные. Создаваемое ими ощущение безумного космического одиночества можно сравнить с эмоциями, которые возникают после прочтения отдельных рассказов Г.Ф. Лавкрафта.
Отдельных слов заслуживает последняя композиция диска – «Cold Murderous Music». Саксофон, приглушенный бас, ритмичные ударные, меланхоличный гитарный перебор и инфернальный шепот просто поют гимн утонченной мизантропии. Великолепно.
Качество записи альбома очень достойное и соответствующее звучащему материалу: мощный, объемный, отчетливо прописанный профессиональный саунд, без нарочитой сырости, так любимой «трушными» блэковыми командами.
Итог: одно из лучших творений незаурядной норвежской команды. Отлично, даже после семи лет «личного» знакомства.

Volot  16 окт 2010

Ага, вот опять к нам из бурных 80-х примчался бронепоезд под названием Sister Sin. Судя по тому, что играют музыканты – олдскульный европейский heavy metal, можно ожидать, что они - ветераны. Нет. Группа свеженькая, 2002 года. А вот материал, представленный на пластинке, сильно отдает привкусом Warlock, Doro, Accept и отдельных альбомов Sinner. Стоит ли слушать сей незатейливый опус? Стоит. Особенно, если Вы как-то не сподобились в свое время увлечься тевтонским heavy metal. Материал хорошо сыгран и записан, стилистически однороден, музыканты приличного среднего уровня, имеются добротные мелодические линии, ну и самое главное, в композициях чувствуется просто необузданная энергетика, которая подвластна только молодым людям. Хотя, конечно, все прекрасно понимают, что всегда можно обратиться к классическим первоисточникам, тем же Doro, Warlock, Accept и т.д. По итогу: 6 за ретро-материал + 1 за бешеную энергетику. Хорошо.

Volot   4 авг 2010

C творчеством High on Fire мне довелось познакомиться только лишь в этом, 2010-м году (группа существует 12 лет), и довольно быстро я сделал для себя вывод о том, что работы этой великолепной команды однозначно заслуживают пристального внимания. Хотите спросить, почему? Ответ: у музыкантов High on Fire есть индивидуальный почерк, несмотря на то, что при создании своих музыкальных композиций ими используется багаж приемов, накопленных группами Motorhead, Celtic Frost и Black Sabbath. Стиль этот можно охарактеризовать следующими выражениями: грязный звук, как на живом концерте; заметная и разнообразная игра ударника; постоянное использование полутонов в музыкальной палитре песен; густая темная атмосфера; реальный драйв, частенько сопоставимый с энергетикой, присущей группе великого Лемми. Кроме этого, у меня постоянно возникали ассоциации с группами death metal-ического направления, - вокал Мэтта Пайка по тембру находится где-то посередине между просто хриплым голосом и тем, что называется «гроулинг». Да и строй гитар понижен, как у дэтстеров. Что касается альбома «Death Is This Communion», думаю, что именно этот номерник на данный момент является вершиной их творчества. Он не так «причесан», как «Snakes for the Divine» (2010), и не так «сыроват», как «Blessed Black Wings» (2005). В целом, это то, что я называю идеальным балансом (в своей стилистической нише). Безумная темная энергетика композиций альбома может вызвать ассоциации с сознанием обкуренного представителя творческой интеллигенции, съехавшего с катушек и наконец-то воплощающего свои подсознательные мечты в реальную жизнь. Еще здесь (песня “Death Is This Communion”) присутствуют какие-то нотки обреченности типа "все мы сдохнем, fuck!!!!" Здорово разукрашивают альбом два инструментальных трека: «Khanrad's Wall» - изысканная гитарно-варганная тема и «DII» - мощный неспешный эпик. Да и вообще, все композиции на «Death Is This Communion» органично сплетаются в единое мрачноватое музыкальное полотно, вытканное талантливым трио из калифорнийского Окленда. Замечательная работа. Любителям темной и нестандартной музыки рекомендуется.

Volot  31 июл 2010

2010 год богат на качественные альбомы, выпущенные авторитетными музыкантами-ветеранами (Scorpions, Krokus, Slash). Новая работа датской легенды Pretty Maids - яркое тому подтверждение. Мелодичный метал Pretty Maids должным образом отшлифован, красиво упакован и не имеет срока годности для употребления. “Pandemonium” – это мэйнстримный материал с корнями, уходящими в музыкальный слой бурной металлической эпохи 80-х, и сделанный с учетом почти тридцатилетнего опыта главных музыкантов коллектива (Ken Hammer и Ronnie Atkins в группе с 81 и 82 годов, соответственно). Прекрасный голос вокалиста и незаурядные композиторские способности Хаммера позволяют группе регулярно выпускать ударные диски, не скатываясь в самоплагиат. И если на начальном этапе творчества Pretty Maids ориентировались на мелодичный метал в британских традициях, то на последних альбомах чувствуется сильный привкус континентального европейского хэви-пауэра. Атмосфера отдельных композиций (“I.N.V.U.”, “Little Drops of Heaven”, “Breathless”) сопоставима с атмосферой песен Masterplan на альбоме “Aeronautics” (2005), но при условии, что музыка на “Pandemonium”, в целом, более позитивна. Некоторые песни мне напомнили творчество Bon Jovi – “Old Enough to Know”. Еще, в течение всего альбома меня не покидало стойкое ощущение высочайшего качества этого металлического продукта. Запись, сведение, звук, вокал, мастерство музыкантов просто на запредельном уровне (в рамках стиля, естественно). Ну и, конечно, мелодические линии композиций с “Pandemonium” могут заставить расписаться в своей беспомощности многих коллег Pretty Maids по цеху, настолько они (мелодии) хороши. Мне особенно понравился седьмой трек “It Comes at Night”, да и не зря на дигипачном варианте издания “Pandemonium” именно ремикс этой песни добавлен бонус-треком к основному материалу. При должной раскрутке “It Comes at Night” может стать реальным хитом, так же как и несколько других замечательных композиций (“Pandemonium”, “I.N.V.U.”, “Little Drops of Heaven”) с этого великолепного альбома. Молодцы. Великолепный альбом с великолепными песнями.

Volot  19 июл 2010

Первое, что приходит мне на ум при упоминании об «Ill-natured Spiritual Invasion» - это слово «разнообразный». Да, да, разнообразный и контрастный. Определенная мешанина из приемов и манер игры, характерных для разных подстилей метала под общей вывеской «black metal». Heavy, thrash, speed, black-овый вокал, многочисленные клавишные, и все это, сдобренное изрядной долей настоящих мелодий, сливается в разнообразное и гармоничное полотно под узнаваемым лого OLD MANS CHILD 98 года выпуска. Я прекрасно помню, как об этом альбоме много говорили в конце 90-х. Действительно много. Одна из основных причин столь пристального внимания к сему творению банальна и проста – это оригинальность. Стилистически материал, представленный на диске, практически не попадает под определение «норвежский вариант black metal» (основа группы Гальдер – норвежец). У меня ощущение, что когда Гальдер сочинял аранжировки для всех этих песен, он меньше всего думал о рамках стиля, а делал, так как требовала его «черная» душа или что там у блэкстеров взамен этого обязательного атрибута homo sapiens. И в результате получился почти шедевр. Небольшие шероховатости в аранжировках, неидеальный звук, а в остальном полный улет или отлет, кому как нравится. По моим наблюдениям, у Гальдера получаются самые сильные работы только с великими металическими ударниками, будь-то «Ill-natured Spiritual Invasion» с Джином Хогланом или «In Defiance of Existence» с Николасом Баркером. А еще, когда слушаю вступление первой песни «Towards Eternity», мне все всегда видится картина, где маленький злобный карла крадется по плохо освещенному коридору с большим ключом от двери, где скрывается что-то, ну очень интересное и запретное. И точно, потом начинается весьма занятное действо под названием «Ill-natured Spiritual Invasion». Наверное, это уже близко к классике мелодичного и экстремального метала.

Volot   5 июн 2010

Весьма неоднозначный альбом. Большинство критиков считают его и последующий “Fly On The Wall” (1985) чуть ли ни самыми провальными в дискографии группы. И, видимо, что-то в этом есть. Но не все так однозначно. Ваш покорный слуга, переслушивая альбомы AC/DC из своей коллекции, обнаружил интересную закономерность - мне гораздо интереснее работы группы, как раз 83-го и 85-го годов, чем хитовые “Back In Black”(1980) или ”For Those About to Rock”(1981). Стараясь быть объективным и отдавая должное двум замечательным классическим альбомам группы Ангуса Янга, я попробовал разобраться в своем странном пристрастии к неизбалованному вниманием «Щелчку выключателем».
Аранжировки песен“Flick Of The Switch” супротив предыдущих альбомов, на мой взгляд, стали более простыми и резкими, прямолинейными и где-то даже суховатыми. Мелодические линии в композициях ушли от рок-н-ролльного веселья эпохи Бона Скотта и стали где-то даже суровыми. В отдельных песнях даже появилась какая-то монотонность - “Deep In The Hole” и “Brain Shake” , а другие выражают однозначную агрессивность – “Flick Of The Switch”, третьи завораживают красивейшим рифом в куплете – “This House Is On Fire”, четвертые потрясают зарядом жесткого рок-н-ролла – ”Landslide”. Но все они несут на себе печать поиска и экспериментов музыкантов с аранжировками. Становление группы происходило в хард-роковые 70-е, а здесь AC/DC работают в эпоху превалирования на роковой сцене heavy metal (NWOBHM и прочая). Естественно, логичным путем развития в те годы, виделось некоторое утяжеление звука и отказ от наследия прошлого десятилетия, как попытка идти в ногу со временем. Возможно, ужесточение саунда группы произошло также по причине продюсирования “Flick Of The Switch” самими братьями Янгам, а не Маттом Лангом, работавшим с AC/DC над последними тремя сверхуспешными альбомами.
Я знаю любителей музыки AC/DC, которые предпочитают второй период творчества группы, с Брайаном Джонсоном, и альбом “Flick Of The Switch” является для них знаковым отражением той эпохи. Мне одинаково дороги альбомы группы и с Боном Скоттом, и с Брайаном Джонсоном, и меньше восьми баллов этому творению поставить не могу. Этот диск нетипичен, но не убог, он просто другой.

Volot  28 май 2010

У меня этот альбом ассоциируется с таким понятием, как «здоровый английский консерватизм». В музыке BOLT THROWER нет ничего кричащего или скандального, но сделано все очень вкусно и профессионально, без ненужных излишеств. Музыканты не шокируют слушателей паталого-анатомическим оформлением диска, а их вокалист рычит так, что слова песен очень даже разборчивы и понятны любому человеку, знакомому с языком Шекспира и Диккенса. Эти британцы никогда особо не экспериментировали с единожды выбранным стилем. В их понимании это, в основном, мощный среднетемповый дэт-метал. Тематика лирики прежняя – война, да и о чем же петь группе, играющей смертельный метал. Несмотря на некоторую стилистическую однообразность песен, все они имеют индивидуальную мелодическую окраску. Ритм-гитара постоянно жужжит, глушение практически отсутствует, соло-гитара немногословна, но очень выразительна. Бас-гитаристка вперед не вырывается, хотя ее партии весьма интересны в плане расстановки акцентов и чувства композиций. Ударные присутствуют в песнях в нужных пропорциях и создают идеальную ритмическую основу для суровых военных гимнов. Очень радует кристально чисто записанный звук. На фоне общего бронебойного звучания инструменты великолепно слышны, что позволяет насладиться всеми оттенками игры музыкантов. Настроение на альбоме создается суровыми историями о доблести и смелости, отваге и чести, меня аж до мурашек пробирает, когда в песне “Anti-tank (Dead Armour)”, Willetts прорыкивает фразу “Face to face with cold dead eyes”. Безжалостно, но правдиво. Эмоции ветерана, прошедшего сотни боев и огрубевшего душой – война ломает любого, но сильными делает не всех. А эта замечательная работа BOLT THROWER как раз о тех бойцах, кто стал сильнее. Наряду с диском “...For Victory” (1994) считаю “Those Once Loyal” одним из лучших в дискографии группы.

Volot  24 май 2010