Чтобы перечислить добротные российские мат-рок команды, хватит пальцев одной руки. Weary Eyes — определенно одна из этих групп. Парни собрались в 2011 году в Москве и за семь лет проделали внушительный путь из амбициозных новичков во флагманы отечественного мат-движения. К 2018-му Weary Eyes пришли с багажом из шести релизов (от EP до записанных лайвов), опытом выступлений на одной сцене с Maybeshewill, 65daysofstatic, Dredg, And So I Watch You From Afar, Caspian и другими маститыми исполнителями, а также со своим видением и пониманием жанра и развития в нем. В августе квартет представил публике второй полноформатник "True North".

В основе "True North" сложная структура композиций, жанрообразующие полиметрика и полиритмика, но, по сути, на новом альбоме Weary Eyes делают шаг в сторону от кондовой математики к свободному инструменталу. Парни играют от души и то экспериментируют с размерами и уходят в танцевальные дебри (как в конце открывающей пластинку "Dreamer's Disease"), то отпускают фантазию в полет, что придает отдельным трекам мечтательность, романтичность ("Lightfighter", "V." и заглавная композиция).

«Мы просто делаем музыку, которая нам нравится», — рассказывает гитарист коллектива Эльдар Саламов. По его словам, в России мат-рок фактически умер: распалось много ключевых групп, остался в прошлом фестиваль «Матрошка». Изнутри сцена выглядит как горстка энтузиастов, пытающихся донести свои идеи до слушателя. При этом на международной сцене, отмечает Эльдар, появляется все больше групп, которые используют типичные для математического рока ходы и приемы в своей музыке (тут можно вспомнить Orchards, Signals и прочие тяготеющие к более попсовому звучанию команды). Да и сам мат-рок переживает в некотором смысле второе рождение: так, билеты на концерты недавно завершившегося реюнион-тура культовых эмо/мат-рокеров American Football были проданы в считанные часы.

В сложившейся ситуации Weary Eyes выбрали, кажется, единственно верную тактику: работать над собой и своей музыкой, развиваться и несмотря ни на что не терять себя. Важным моментом в эволюции группы стал уход барабанщика Томаса пару лет назад. На смену ему пришел Дмитрий Лобачев из Too Far East Is West, так что теперь коллектив существуют на два города — Москву и Нижний Новгород. Безусловно, это повлияло на то, как был записан "True North". Если раньше основную часть музыки Weary Eyes придумывали на репетициях, то теперь большой упор был сделан на технологии — ребята писали свои партии дома и отсылали демки Дмитрию, а тот подбирал к этому что-то свое и скидывал сдобренные ударными демки обратно московской «половине» (точнее ¾) и так далее. А еще диссонирующие гитары и сложные пары разбавили синты, за них в Weary Eyes, кстати, тоже отвечает Саламов. Словом, к моменту визита в студию у группы уже были практически готовые треки.

«Конечно, их пришлось доводить до ума, шлифовать, а где-то и вовсе полностью переделывать, но в целом процесс доказал свою состоятельность», — говорит Эльдар. Впервые за долгое время готовых демо у ребят было больше, чем треков, которые в итоге вошли на альбом, а помощь звукорежиссера Лео Переса с московской студии DTH при записи и сведении материала позволила добиться более грубого и местами даже сырого звука.

Впереди у Weary Eyes презентации "True North" в Москве и Санкт-Петербурге (6 и 7 октября соответственно) и новые горизонты: группу заметили на Западе, альбом собрал комплементарные отзывы в профильной англоязычной прессе. Что ж, хочется пожелать Weary Eyes успехов и лишь повторить мантру, легшую в основу альбома: «Мир катится в ад… и в такие времена важно не потерять себя и иметь какой-то ориентир, которому ты будешь следовать. — find your True North and you will never be lost again».

v_potemkah   4 окт 2018

От Bee Gees до Herman's Hermits, от Joy Division и New Order до The Stone Roses, от The Smiths до The Charlatanes, от The Fall до Oasis и так далее — список можно продолжать еще долго, — Манчестер многое дал популярной музыке второй половины XX и начала XXI века, и для артистов он был и остается особенным местом — по крайней мере, чем-то большим, нежели просто точкой на карте или очередной строкой в календаре грядущего тура. В разное время в Манчестере процветали самые разные направления и субкультуры: поп и панк, рок и хаус (привет, мэдчестер!), — но походя вспомнить успешные и востребованные коллективы с манчестерской пропиской, заведующие тяжелым и грязным гитарным звуком, не получается. При этом в отсутствии интереса к тяжеляку город упрекнуть нельзя: сцена тут есть, она своеобразна и способна удивлять. Так, именно в мекке музыки попс на излете 2010-х появилась группа, которую журналисты поспешили окрестить ни много ни мало «новым лицом хардкора». Группа называется Leeched. Аванс от медиа — лестный, жанровое определение — схематично, тем не менее вышедший в конце августа 2018-го на Prosthetic Records дебютный альбом трио ‘You Took The Sun When You Left’ заслуживает внимания.

В Leeched играют Лори Морби (Laurie Morbey, бас и вокал), Джадд Лэнгли (Judd Langley, гитара) и Том Хэнселл (Tom Hansell, ударные и вокал). Парни давно знакомы и следили друг за другом в разных манчестерских хардкор и металкор командах. Leeched они задумали как сайд-проект, чтобы в некотором смысле «отдохнуть» от основных коллективов, похулиганить и заодно попробовать что-то новое.

Собравшись весной 2017-го, уже в октябре музыканты выкатили на суд слушателей десятиминутную EP ‘Nothing Will Grow From The Rotten Ground’. Резвая, яростная, ядовитая запись тяготела к грайндкору, хотя слышались в ней и отголоски любимых и важных для манкунианцев Trap Them, Nails и Cult Leader. Кипящая злоба Leeched пришлась слушателю по вкусу, группу заметили в СМИ, и уже в марте 2018-го англичане подписали контракт с американским лейблом Prosthetic Record, в каталоге которого можно найти первые альбомы Lamb of God, записи Skeletonwitch, Gojira, Beneath the Massacre, Septic Flesh, тех же Trap Them, а также полноформатники Animals as Leaders, Kylesa, 1349, Rebel Wizard, Schammasch, наконец, французов Neckbeard Deathcamp — провозвестников набирающего популярность в США RABM (Red and Anarchist Black Metal — не спрашивайте, это отдельная история). Разумеется, после этого ни о каком сайд-проекте уже не могло быть и речи.

В апреле Leeched отправились в студию, где за пять дней записали ‘You Took The Sun When You Left’ — приблэкованный хардкор-снаряд, что за полчаса с копейками не столько разносит жанровые условности в щепки, сколько предлагает слушателю несколько сменить оптику. Характерные для жанра радикализм и агрессия никуда не делись, но на смену каноничному рубилову пришли грузные риффы с добавлением сэмплов и синтезаторов, на смену прямолинейным речевкам и плакатным лозунгам — рефлексивные, местами даже иносказательные тексты. В скелет песен то и дело вплетаются более характерные для металкора брейкдауны, вокал порой напоминает о бескомпромиссности Godflesh.

Вообще, на ‘You Took The Sun When You Left’ Leeched демонстрируют мастерское владение инструментами, материалом, темой, что можно считать большим достижением для столь молодой во всех отношениях группы. На альбоме нет ни одной проходной минуты, не то что песни, он слушается на одном дыхании и по завершении просится на повтор. Тот случай, когда ажиотаж вокруг группы и записи не напрасен и, хотя и усложняет музыкантам жизнь, частично оправдан, ведь амбиции трио тоже высоки. Станут ли Leeched «новым лицом» хардкор-поколения? Пока сложно сказать, но голос их слышен, и он выделяется. Послушаем, что будет дальше.

v_potemkah  13 сен 2018

Терпеть не могу сборники! Но что поделать, всевозможные компиляции и списки неизменно появляются в новостной ленте. Ох уж эти «20 лучших альбомов…», «50 главных романов…» и «100 фильмов, которые должен посмотреть каждый, прежде чем умереть»! Тут вырвали из контекста, здесь излишне надменны и, естественно, чересчур субъективны. Признайтесь, когда вы натыкаетесь на очередной best of, порой так и подмывает включить сноба и уткнуть «экспертов» в их собственную ограниченность. «Ах, как же вы пропустили N? Почему не включили M вместо P? Как, X на первом месте, но это же гораздо слабее Y!»

Меж тем, музыкальные сборники всегда пользуются популярностью. Во-первых, знакомиться с творчеством гигантов, чьи необъятные дискографии внушают священный трепет, новичку проще именно с greatest hits. Понравится – как пить дать обзаведется полным комплектом студийных альбомов (а там и до синглов с бисайдами недалеко). Не понравится – отправится за иным источником вдохновения до лучших времён. Во-вторых, на компиляциях редко встречаются второстепенные истории: продюсеры и музыканты делают ставку на действительно проверенные хиты. И всё же, бест оф бест офу рознь. Сборники редко занимают в сердцах поклонников достойное место наряду со студийными пластинками. На них не открывают сезон охоты в период распродаж виниловых пластинок, чаще они остаются пылиться на полках маленьких магазинчиков, выставляющих всякое барахло. “Rotten Apples: The Smashing Pumpkins' Greatest Hits” несколько выбивается из приведённой концепции, и вот почему.

Для начала попробуем обойти одну из типичных ошибок составителей списков, описанную выше, и рассмотрим обстоятельства, при которых появился сборник. К 2000 году The Smashing Pumpkins подобрались к званию культовой группы американской альтернативы, к тому же коммерчески успешной – более 19 миллионов пластинок, проданных только в США. Начало нового тысячелетия принесло конец света – не многострадальному человечеству, но отдельно взятому коллективу: вместе с популярностью и славой к «тыквам» пришли наркотики и внутренние разногласия. Распад коллектива как будто иллюстрировал собой конец belle époque гранджа и альтернативы. Лучшей песней года по версии журнала Rolling Stone стала эминемовская «Stan», триумфаторами «Грэмми» – U2, а Brit Awards – Coldplay. Альтернативой начали называть вышедший в том же году “Kid A” Radiohead.

Таким образом, выпущенный в 2001-ом “Rotten Apples: The Smashing Pumpkins' Greatest Hits” стал прощанием с прекрасным временем разболтанных свитеров и безразмерных рубах в клетку, рваных джинсов и «конверсов». Конечно, тогда мало кто думал о том, что всё это добро вернется (как и The Smashing Pumpkins), но согласитесь, что-то ушло навсегда. Субкультуры потихоньку начали уступать повсеместному нонкомформизму инди-кидов, агрессивность ушла на второй план, музыка стала более открытой, доступной.

Впрочем, бороться с тоской помогали всё те же треки: «Siva», «Rhinoceros», «Today», «Disarm», «Bullet with Butterfly Wings», «1979», «Zero», «Tonight, Tonight», «Ava Adore», «Stand Inside Your Love», «Real Love». “Rotten Apples” – это «золотой» состав The Smashing Pumpkins, а также лучшие продюсеры предшествовавшей нулевым декады. Над звуком компиляции работали такие мастера, как Бутч Виг, Алан Моулдер и Марк Эллис. Мастерингом занимался Хоуи Вайнберг. На сборнике всё выстроено в хронологическом порядке – история, эволюция группы и целого поколения, выросшего на её песнях. Включена в компиляцию и «Eye», записанная специально для еще одного культового артефакта конца 90-х – «Шоссе в никуда» Дэвида Линча. Каждый трек “Rotten Apples” бьет на поражение, потому что до боли знаком и значим. А еще все эти песни объединяет неповторимый флер романтики, то, чего не будет у более поздних компиляций, скажем, середины или конца нулевых. Все-таки, чем дальше от нас точка отсчета, тем честнее и чище кажется созданная в ней музыка, так уж повелось. Заканчивается “Rotten Apples” последней записанной «тыквами» перед роспуском песней, она так и осталась без названия («Untitled»). Возможно, уже тогда Билли Корган чувствовал, что настоящее не теряется. И это здорово.

v_potemkah  17 мар 2014

Когда слушаешь "The Word As Power", в голове вертится первая строка Евангелия от Иоанна: «В начале было Слово…». Как информационная единица, орудие и источник силы или кубик конструктора человеческой цивилизации, слово всегда имело власть над умами и сердцами людей. Тем более примечательно, что на этом альбоме Брайана Уильямса, кудесника дарк-эмбиент сцены, главного героя как будто и нет. Проникновенная Айна Ольсен, таинственная Джарбо, мистификатор Джеймс Мейнард Кинан и адепт тувинского горлового пения хоомей Энрике Угальде, выступающий под псевдонимом Soriah (в переводе с суфийского – «Млечный Путь»), – ни один из вокалистов, участвовавших в создании "The Word As Power", не произнес и не пропел ни слова.

Lustmord лишил альбом текста намеренно. Он объясняет это тем, что любое слово создает контекст: произнесенное на определенном языке, с характерным для эпохи произношением, оно сразу же наполняется для слушателя неким смыслом или вызывает определенные ассоциации, «якоря» и всевозможные привязки к конкретным темам. Уильямс, напротив, хотел создать нечто вневременное, вечное и поддающееся бесконечной череде интерпретаций и объяснений. Использование слов в названиях треков несколько смазывает впечатление от задумки проиллюстрировать концепцию лингвистической относительности Сепира-Уорфа. Впрочем, слушателю довольно быстро придется забыть об этом несовершенстве – настолько фантастичны структуры, проектируемые Уильямсом. Паутина звука опутывает, окутывает, заполняет все вокруг, слой за слоем открывает все новые смыслы, одновременно размывая реальность, временные и пространственные категории. Это то, чем Lustmord овладел в совершенстве – он вводит слушателя в свой мир и свою историю, и тот уже не может не прожить ее до конца, отвлечься или выйти по собственному желанию. Даже обложка альбома напоминает лабиринт из зазеркалья, войдя в который однажды, рискуешь не вернуться, а если и вернешься, то совсем другим.

И тут самое время вспомнить, что в оригинале той самой первой строки Евангелия мы видим слово «логос», а оно означает еще и «разум» или «путь».

v_potemkah  30 сен 2013

Вот уже второй год британский лейбл Oaken Palace Records, основанный с целью благотворительности в сфере экологии, приглашает к сотрудничеству психоделик- и дроун-коллективы. Продюсеры ставят перед музыкантами три условия. Во-первых, работа должна быть посвящена одному из видов животных, занесенных в Красную книгу. Во-вторых, весь тираж пластинки на физическом носителе (а это винил) изготавливается из экологически чистых и поддающихся переработке материалов. Наконец, все средства, полученные в результате продажи записи, поступают на счета «зеленых» организаций. В минувшем мае свою оду пропели, а вернее прошептали и «прошумели» канадские дроун/эмбиент-кудесники Nadja.

"Flipper", как и следует из названия, посвящен обитателям водных глубин – дельфинам и другим китообразным. Четырехчастная запись удивит давних поклонников дуэта Эйдена Бейкера и Леи Бакерефф своей статичностью, глубиной и приглушенностью, которые вторят лаконичному оформлению пластинки. Музыка здесь очень робко проливается в звуковое пространство, поначалу неспешно заполняет его легкими полутонами, затем обретает уверенность и начинает набирать силу для того, чтобы в необходимый момент обрушиться на слушателя гитарным потоком и утащить на дно. Убаюкивающий бас и едва уловимый шелест тарелок под напевы Бейкера заманивают все глубже, а скрипка и альт приглашенных специально для записи Питера Бродерика и Анжелы Чан взрезают пенящиеся шумовые водовороты, насыщая их кислородом. Интенсивность звука то возрастает, то сходит на нет. При этом ритм альбома остается размеренным и величественным словно взмахи плавников подводных гигантов. "Flipper" – это медленная, обволакивающая запись, а дроун прописан в здешних тэгах скорее как дань традиции и статусу Nadja. Чуткая, очень проникновенная, прекрасная музыка, в которой хочется утонуть.

v_potemkah  17 сен 2013

Джош Хомми молился богу рок-н-ролла, и тот его услышал. "…Like Clockwork" – это квинтэссенция Queens of the Stone Age. Это злая шутка судьбы, поставившая под вопрос не только запись, но и саму жизнь Хомми; это чаяния поклонников, готовых поддержать любимую группу и, вместе с тем, так надеявшихся на возвращение «королев»; наконец, это рвение музыкантов, за плечами которых великолепный взлет и вызов – "Songs For The Deaf". Одна из лучших рок-групп современности блестяще сдала, пожалуй, самый сложный экзамен в своей жизни.

После альбома "Era Vulgaris", вызвавшего неоднозначную реакцию критиков и слушателей, Хомми была необходима реабилитация. И здесь дело даже не в том, что «Эра» была плоха (на пластинке были просто потрясающие песни, например, «Sick, Sick, Sick», «Make It wit Chu» или «3's & 7's»). Просто оглушительный успех и популярность «Песен…», однажды принесших группе культовый статус, теперь стал чем-то вроде груза, который тянул группу на дно. Еще одним, едва ли не более важным стимулом, стал уже упомянутый эпизод, когда Хомми почти переступил черту. Речь, конечно же, об операции на колене, перенесенной музыкантом в 2010 году, в ходе которой неожиданные осложнения привели к асфиксии. Последовавшие три месяца в больничной койке стали одним из самых мучительных периодов в жизни Джоша. Однако без них не было бы "…Like Clockwork".

«I’m risking it always, no second chance», – поет он в «Smooth Sailing». Действительно, теперь на карту поставлено все. К участию в работе приглашен изгнанный в 2004 Ник Оливейри, а место за барабанной установкой занял старый друг, мастер грува – Дэйв Грол (примечательно, что он сменил постоянного ударника «королев» Джоуи Кастильо, который успел записать партии первых трек треков и «Kalopsia», а позже был уволен из группы). Кроме того, на "…Like Clockwork" вы услышите сэра Элтона Джона (вычурный старт «Fairweather Friends» – его рук дело) и еще одного приятеля Хомми – Трента Резнора (стоит отметить, что в музыкальном плане в «Kalopsia» гораздо больше от Nine Inch Nails, чем QotSA). Кстати, само словечко «kalopsia» привнесено в словарь Хомми и теперь уже всех меломанов ни кем иным, как лидером британских модников Arctic Monkeys Алексом Тернером. Именно так Тернер обозначил «состояние, когда для тебя все красивее, чем оно есть на самом деле».

В "…Like Clockwork" нет слепой ярости первых альбомов QotSA, но есть та самая рок-н-ролльная жила, что не дает покоя, качает и заставляет двигаться вперед. Здесь также нет концепции, как в "Songs For The Deaf", но нет и ни одной «лишней» или чужеродно звучащей песни. Важен каждый шаг: будь то промозглый блюз «The Vampyre Of Time And Memory» или идеальное сопровождение пасодобля «My God Is The Sun», осатанелая ухмылка Оливейри, подхватывающего «If I Had A Tail» или убаюкивающая заглавная тема, закрывающая один из лучших альбомов этого года. Можно было бы сказать, что у "Songs For The Deaf" появился конкурент или «ровня», но не хочется сравнивать эти два уникальных и великолепных альбома группы, по праву заслужившей звание настоящей классики рок-музыки.

v_potemkah  19 авг 2013

Просто потрясающая работа, полная вдохновения и любви к музыке. Еще бы! Эван Брюэр – давний поклонник Чарльза Мингуса, Джона Колтрейна, Телониуса Монка и сумрачных импровизаций Bohren & der Club of Gore. Один только этот список «влияний» может послужить поводом к прослушиванию Your Itinerary.

Участник известных калифорнийских дэткор-команд The Faceless и Animosity Брюэр решил выпустить первую самостоятельную запись в 2011 году. Пластинка "Alone" стала настоящим бенефисом баса и амбиций Эвана. В каком-то смысле "Your Itinerary" является преемником "Alone". Восемь треков, где бал правит бас. Однако теперь он не один: к низкому, рокочущему голосу добавились ударные и клавиши. Ассистентом Брюэра стал бывший ударник Animosity, также известный по работам с Animals As Leaders, Tim Alexander и Skrillex – перкуссионист Нэйвин Копервайс. Место за синтезатором занял Джеремия Абель. Так что если же вы уже знакомы с "Alone", то приготовьтесь к новым впечатлениям.

Your Itinerary поражает «электронным» стартом. Басовые импровизации обрамлены эффектами, а порою даже тонут в клавишном ливне. Однако Брюэр расширяет палитру не для того, чтобы скрыть несовершенства или отсутствие идей. Напротив, он увеличивает количество возможностей. Это настоящая верность музыке, зову своего сердца. Львиную долю каждого трека "Your Itinerary" составляют чувства и эмоции музыканта. Восторг в каждой ноте, именно так можно описать эту запись. Альбом – гимн фантазии и раскрепощению. Несмотря на то, что теперь творчество Брюэра поддается определению «инструментальный прогрессив», невозможно не отметить джазовое звучание его баса. Одна из причин притягательности музыки Брюэра, – это его приверженность к классике. В "Your Itinerary" слышишь традицию, и это создает настроение. Несомненно, Рэй Браун и Чарльз Мингус были бы довольны таким наследием. Можете быть уверены: в ваших наушниках и колонках работа одного из талантливейших басистов современности. И, пожалуй, лучший альбом в жанре за этот год.

v_potemkah  19 июл 2013

Всегда ли движение вперед оборачивается прорывом и победой? К сожалению, на пути к триумфу Scale The Summit подрастеряли мощь. После во всех отношениях великолепного "The Collective" новая студийная запись техасской четверки воспринимается как отступление по фронтам цельности и идентичности. Предыдущий альбом позволил квартету из Хьюстона подняться на Олимп инструментального прогрессива, нынешний ставит под вопрос дальнейшее пребывание техасцев на вершине. Да, сегодня Scale The Summit упоминают через запятую с Animals As Leaders, а на одной сцене с ними мечтают сыграть все начинающие группы. Однако парадокс состоит в том, что многие новички уже могут предложить жанру гораздо больше.

"The Migration" проигрывает своему предшественнику во всем. Пресловутый adventure-metal уже не создает вокруг себя ореола таинственности. Куда-то ушли былой запал и агрессивность, которые делали первые два альбома группы ("Monument" и "Carving Desert Canyons") по-настоящему «металлическими», а на третьем "The Collective" вступили в идеальный союз с мелодиями и общей концепцией. Похоже, огромный гигант успокоился и застыл, хотя название новой пластинки указывает, в общем-то, на абсолютно противоположное. Увы, после прослушивания "The Migration" кажется, что техасцы нашли свою колею и не очень торопятся с нее уходить. Это не перемещение, не изменение, а просто тщательная шлифовка добычи.

И в этом альбом удался. Достижения "The Collective" сохранены и приумножены. Нам выдают все ту же космическую музыку, которая с равным успехом могла бы стать саундтреком к захватывающему путешествию по Большому каньону или хроникам исследования лунного кратера. Все выверено и собрано с какой-то болезненно безупречной точностью. Мелодии красивы, но не запоминаются. То же можно сказать и о ритм-секции: новый басист Марк Мичел не привносит свежих идей, а безвольно покоряется гитарам Криса Летчфорда и Трэвиса Левриера. Ударные, которые на "The Collective" являлись полноправным действующим лицом, на "The Migration" вообще звучат периферийно и как будто даже необязательно. Единственным впечатлением за время прослушивания пластинки становится «The Traveler» – трек, «изобретение» которого, по признанию самих музыкантов, стало самым сложным процессом за всю историю их композиторских поисков. Впрочем, грандиозность и скрытая мощь этой действительно примечательной темы способны остаться незамеченными после почти десятка однообразных гитарных зарисовок.

Искушенный слушатель вряд ли будет возвращаться к "The Migration" регулярно, но, безусловно, посвятит этой пластинке некоторое количество своего времени. Хотя бы для того, чтобы потом переслушать "The Collective".

v_potemkah  15 июл 2013

В 2001 году на северо-западе республики Чад франко-канадская археологическая экспедиция нашла останки доселе неизвестных науке человекообразных обезьян. Новый вид окрестили «сахелантропом». По одной из теорий, именно эти гоминиды и являются той самой «переходной» ступенью эволюции, которая, согласно дедушке Дарвину, привела к появлению человека. Главная находка той экспедиции – сохранившийся череп предположительно самки сахелантропа. Естественно, что и этой леди сразу же дали имя – Тумай (Toumaï), что в переводе с местного наречия означает «надежда на жизнь».

Спустя пять лет на юге Франции, в городке Экс-ан-Прованс, входящем в марсельскую агломерацию, братья Жюльен (гитара) и Клеман (ударные) решили основать собственную группу. К ним присоединился певец Антуан – само воплощение первобытного безумия, носящийся по сцене небольшой ураган с разлетающимися во все стороны дредами. Позже состав пополнился басистом Гийомом и клавишником Мартином. Выбор имени вероятного предка человечества в качестве названия был не случаен: ребята решили подчеркнуть, что какие бы люди ни были разные, все они братья. Ну что же, важное для современной Франции замечание. Но вернемся к музыке. Пристрастия парней не то чтобы отличались оригинальностью, но все вместе образовывали причудливую смесь музыкальных жанров и традиций. Так, среди заявленных любимых коллективов, повлиявших на французов, значатся Primus, Mr. Bungle, Tool, Pantera, Rage Against The Machine, System of a Down, Red Hot Chili Peppers и (еще один «братский» подряд) Gojira. Стиль и концепция творчества самих Toumaï формировались под влиянием всего вышеперечисленного и получили от них самобытное определение: сайко-фанк-метал. В процессе становления состав претерпел изменения, и к записи дебютного альбома группа сменила басиста и клавишника, причем пост последнего приняла девушка, которая по совместительству играет на трубе. И вот, перед нами первый альбом французов – "Sapiens Demens".

Притча из 9 треков о том, как безумие поражает разум, а разум порождает безумие, начинается с джазово-фанкового ритма «Little Psycho». Впрочем, слушателю довольно быстро придется распрощаться с иллюзиями относительно «адекватности» и миролюбивости Toumaï. Приджазованные клавиши сменяются стеной фидбэка и бластбитами, а читка – агрессивным гроулом. «Madness in Mind», открываемая цитатой из Led Zeppelin, и «Petit Punk en Ut#m» не сбавляют оборотов, даже наоборот – напряжение нарастает. Небольшой перерыв намечается только к середине альбома. На "Sapiens Demens" можно встретить элементы хард-рока и 8-bit, блюзовые импровизации и по-настоящему «прогрессивные» темы. Отдельного упоминания заслуживает слэп в «Wiki Puppies» – несомненно, Лес Клейпул с удовольствием взял бы себе в репертуар такую песенку.

Не превращается ли все это в кашу, спросите вы? Разумеется нет, иначе вы бы не читали эту рецензию. Материал на пластинке выстроен логично, но не теряет при этом увлекательности, а различные «фишки» скомпонованы настолько здорово, что прослушивание превращается в катание на каком-то непредсказуемом аттракционе. Концептуальной кульминацией альбома становится двухчастная заглавная тема-размышление над природой безумия и того, на что может подтолкнуть современного человека разум.

Законы жанра соблюдены: продолжительность альбома не превышает 50 минут, ведь промедление для фанка не просто подобно смерти, но в известной степени утомляет слушателя и зачастую заставляет группу повторяться. Sapiens Demens завершается тревожной «Prey of Birds». Финальная строчка («This is how the story goes») и постепенное затухание звука оставляют слушателя наедине с собственными мыслями и надеждой… на продолжение.

v_potemkah   3 май 2013

Любой, самый достоверный факт может быть воспринят как с восторгом, так и с недоверием — в зависимости от того, как его преподнести: факты в этом смысле подобны жемчужинам, что встречаются в земных морях, — на одних женщинах они оживают и блестят ярче, на других тускнеют и умирают. Только факты, пожалуй, не столь материальны и совершенны с точки зрения формы. Однако и те и другие весьма восприимчивы к внешним воздействиям.
Урсула К. Ле Гуин «Левая рука тьмы» («Хейнский цикл»)

Факт 1: Основанная братьями Loez в 1989 году группа Supuration (выпустившая два демо под вывеской Etsicroxe) и более рефлексивная S.U.P. (позже просто SUP) – это одни и те же люди, но разные коллективы. Однако дискография одна на всех. Чтобы объяснить этот фокус, вновь обратимся к литературе. Уловка французов подобна подходу замечательного шотландского прозаика Йэна Бэнкса, пишущего в жанре научной фантастики под именем Йэн М. Бэнкс, а вне жанра под именем Йэн Бэнкс. Таким образом, при довольно грубом делении получаем следующие приблизительные (подчеркиваю, очень приблизительные) ориентиры: Supuration – это дэт-метал, SUP – более рефлескивная, дарковая ипостась с думовым влиянием.

Факт 2: за более чем двадцатилетнюю историю коллектива все попытки так или иначе обособить отдельные работы и вписать их в рамки конкретного жанра потерпели фиаско. Обе сущности Supuration переплелись настолько, что уже и не различить, где что.

Факт 3: "The Cube" – первый полноформатный альбом Supuration и серьезная заявка на статус одной из самых интересных работ в жанре за 1993 год. Именно на The Cube можно насладиться всем тем, что в последующие несколько лет превратит группу в один из самых влиятельных коллективов фрацузской дэт-сцены. Музыка братьев Loez подкупает своей нестандартностью, с головой выдающей меломанов, которые подчас черпают вдохновение далеко за пределами металл-сообщества. Они заявляют об этом сразу же, открывая альбом акустической «Прелюдией». Все на «Кубе» притягивает: и риффы, цепляющие с первого прослушивания, и чередования гроула и чистого вокала (хорус создает дополнительный эффект), и мелодии. Да-да, мелодии. Казалось бы, весьма странно для дэта, но ведь по большому счету Supuration никогда не играли чистокровный дэт. «The Accomplishment», «1308.JP.08», заглавный трек – каждая мелодия практически мгновенно занимает ячейку в памяти. «Куб» - это альбом, у которого есть почерк, есть собственная энергий и, простите банальность, действительно неповторимая атмосфера. Радует и хронометраж – чуть менее 40 минут. Эту историю можно слушать снова и снова.

Факт 4: "The Cube" – первый, но очень важный кирпичик, ставший основой идентичности группы. Неважно, под каким именем будут выпущены последующие альбомы, но во всех работах Supuration будут слышаться отголоски «Куба», желание уйти от канонов.

Факт 5 (дополнительный и завершающий): невозможно не отметить влияние на Supuration готик-рок сцены. Характерные для пост-панка и нью-вейва приемы, которые то здесь, то там встречаются у французов, со временем найдут применение. В конце 90-х Supuration запишут каверы на The Cure, Sisters of Mercy и даже Massive Attack. А собственная версия «Shout» Tears For Fears будет записана уже на следующем после «Куба» EP в 1994 году. Казалось бы, что общего между нью-вейвом и думом? Мрачная романтика, пожалуй. Все на своем месте.

They gave you life, and in return you gave them hell
As cold as ice, I hope we live to tell the tale
I hope we live to tell the tale

v_potemkah  31 мар 2013

Это музыка физически ощущаемого мрака, сгущающегося на улице, едва освещенной через один битыми фонарями. Музыка телефонных гудков, сверлящих мозг в три часа ночи. Музыка пустыря, продуваемого со всех сторон нежилецким ветром. Музыка поздней осени, когда еще недавно пылавший под ногами ковер из листьев покрыт грязью, и слякоть проникает в душу, в самые потаенные уголки леса. Музыка этого самого дремучего леса, который стоял здесь задолго до вас, и будет стоять много после, и запомнит всё.

Horseback – это Йенкс Миллер. Тот, что является одним из основателей небезызвестных Locrian, а также участником фолк-ансамбля Mount Moriah (ex-Un Deux Trois) и группы In The Year Of The Pig. Бородатый молодой человек с немного рассеянным взглядом, практически на всех фото одетый в, словно форменку, клетчатую рубашку, так и просится на роль спятившего лесника, слишком долго сидевшего в сторожке, общавшегося исключительно с птицами и звездами и искавшего ответы в текстах древних.

Альбом "Half Blood" должен был стать отражением и продолжением своего предшественника – The Invisible Mountain – но не получилось: в процессе сочинения и записи у работы появились свои структура, история и пространство. В основе лирической составляющей – идеи зороастризма и древнеиндийские мифы: история борьбы с внутренними демонами, поиски себя, попытки заполучить философский камень, а с ним и вечную жизнь через толкование алхимической «Изумрудной скрижали». О музыке стоит поговорить подробнее. Дело в том, что в свое время на Миллера повлияли две традиции: североамериканский фолк (психоделические, шаманские истории, величие Озер и тех, кто в той или иной форме воспел их, музыка Нила Янга, Нэйта Холла и далее по списку) и ранний норвежский блэк. Не то, чтобы Йенкс – первый, кому пришло в голову примерять и применять их реалии и нравы на свою культурную почву. Однако у него получается интересная комбинация – "Half Blood" затягивает и очаровывает чередованием акустических пассажей и дроновых массивов, произносимых шепотом заклинаний и гортанных проклятий миру, вырывающихся из пост-роковой оглушительной тишины. Завершающая же альбом трехчастная и растягивающая на 20 с лишком минут «Hallucigenia» становится гимном нойзу.

Мерное, убаюкивающее течение уносит в параллельные миры. Пространства и времени (при всей и без того навязанной условности этих категорий) как будто не существует больше. "Half Blood" – без сомнения, один из тех альбомов, которые прослушиваешь с каким-то упоением и к которым возвращаешься с томительным чувством. Пожалуй, так и положено обходиться с навечно поселившимся в сокровищнице памяти артефактом.

v_potemkah  10 фев 2013

Новый альбом Voivod слушать нужно. Хотя бы потому, что он окажется этаким «не ждали?» для каждого, кто уже поставил крест на квебекской трэш-четверке или в предвкушении стоит и поигрывает молодецкими мускулами – жонглирует молотком да мечет из-под нахмуренных бровей взгляды, алчущие гвоздей, что можно было бы загнать в крышку гроба. Негоже разочаровывать публику, но, похоже, церемония откладывается.

Трем предшественникам "Target Earth" пришлось несладко, и остановить тот вал критики, что обрушился на Voivod после именного альбома, а также "Katorz" и "Infini", было не под силу никому. Кроме самой группы, разумеется. Что та и сделала, на тринадцатом студийнике показав, что есть еще порох.

Конечно, не стоит бросаться в омут с головой и называть новую работу канадцев «шедевром». Однако, если вспомнить, что именно такой ярлык раз и навсегда приклеен поклонниками стиля к "Killing Technology" и "Nothingface", то нельзя не отметить, что как по материалу, так и по звучанию Target Earth гораздо ближе к ним, нежели к трем поздним альбомам «Воеводы».

Продолжим кидаться штампами: "Target Earth" – это то самое пресловутое «возвращение к корням», которого фанаты ждут сегодня от многих. Действительно, те же злость, задор и изрядная доля самоиронии, что и два с лишним десятка лет назад. Есть ли в этом заслуга вернувшегося в группу Жан-Ива Терио? Возможно. Однако присутствует на этом альбоме и кое-что поинтереснее воссоединения любимой всеми ритм-секции Терио-Ланжеван (последний, кстати, даже нарисовал группе новый логотип). За чем действительно любопытно наблюдать, так это за канвой "Target Earth", которая предоставляет простор для маневров Дэниелу Монгрейну, и тот не упускает шанса показать, на что способен, если дать ему немножко свободы (остается только гадать, что не позволило Chewy раскрыться раньше).

В итоге, мы получаем не агонию, как ожидали многие злопыхатели, но более чем достойное возвращение одной из лучших команд в жанре и пластинку, которая слушается легко, стремительно, с удовольствием и даже каким-то азартом. Не знаю, как насчет «thrash till death», но хочется верить, что продолжение следует. А пока Target Earth – лучшее, что выходило под вывеской Voivod за последние годы.

v_potemkah   6 фев 2013

Река времен в своем стремленьи
Уносит все дела людей
И топит в пропасти забвенья
Народы, царства и царей.
А если что и остается
Чрез звуки лиры и трубы,
То вечности жерлом пожрется
И общей не уйдет судьбы.

Строки Гаврилы Романовича Державина как нельзя лучше отражают то, что представляет собой и о чем повествует новый альбом оклендских скульпторов звука Neurosis.

Если попытаться описать "Honor Found in Decay" одним словом, то в английском для этого есть весьма подходящее «milestone» («веха», «этап» или «столп»), как будто впитавшее в себя плотность, атмосферность и торжественность пластинки. Претенциозно? Конечно. Однако при размышлении о том, как звучит этот альбом, и какое место он занимает в общей череде релизов года и дискографии Neurosis в частности, в голову вполне закономерно приходит это самое «веха». Правда, "Honor Found in Decay" – это отнюдь не веха развития, так как с точки зрения идей, в том числе музыкальных, альбом стал продолжением и даже неким логическим завершением "Given To The Rising". В какой-то момент ловишь себя на мысли, мол, эдакие близнецы получились. Однако есть в новой работе оклендцев что-то разительно отличающееся, позволяющее довольно естественно и безболезненно отделить его от старшего брата.

Во-первых, исключительная концентрация – 7 треков, хронометраж самого короткого («Raise the Dawn») чуть не дотягивает до 6 минут. "Honor Found in Decay" – часовой монолит, где фирменные «неврозовские» риффы, прорывающиеся сквозь плотность и давление осязаемого мрака, сменяются полным штилем. Вспоминается Терри Пратчетт со своей присказкой о том, что «без нуля числа — не более чем арифметика. Без пустого аккорда музыка — не более чем шум». Эта звенящая пустота у Neurosis насыщена, и Келли и фон Тилл обрушивают ее на слушателя едва ли не с большим энтузиазмом, чем перегруженные гитарные пассажи.

Во-вторых, глубина, на которую Neurosis решают погрузить своего слушателя (хотя, казалось бы, куда уже глубже, учитывая классические работы?). Тем не менее, и в психо-пространстве "Honor Found in Decay" – альбом, способный на многое. Чувствуется в нем какой-то нерв, не просто отдающий болью на протяжении всего прослушивания, но не отпускающий еще и некоторое время после. Отдельно стоит поговорить о текстах. Если на Given To The Rising еще мелькали «проблески» (I'm walking into the eternal lake of light, «Shadow»), то теперь погружение в сумрачный мир неизбежно. «In a shadow world!» – строчка, как мантра повторяемая в «At the Well», становится лейтмотивом всего альбома. Постепенно темнота окутывает так плотно, что тени уже не отличить от здешних обитателей.

Но самое важное, пожалуй, то, как, искусно добавляя фолковые пассажи (например, в «My Heart for Deliverance») и чередуя риффинг с характерными для пост- жанров мелодическими линиями, Neurosis в первую очередь остаются верны себе. И тому звучанию, что они однажды открыли, колдуя над смешением жанровых противоречий и выковывая из них собственную индивидуальность.

Подводя итог, можно заявить, что если уж этому миру и суждено когда-нибудь быть преданным забвенью, то "Honor Found in Decay" – весьма неплохой вариант звуков «лиры и трубы», которые, собственно, и станут саундтреком к этому пиршеству для старушки-вечности. Правда, при таком раскладе не стоит забывать, что и это творение Neurosis «общей не уйдет судьбы».

v_potemkah  27 дек 2012

Чем знаменит Бруклин? Там жил Иосиф Александрович Бродский. Там есть Театр балета на Брайтоне и Бруклинский мост, про который другой поэт написал: «…расчет суровый гаек и стали» (Владимир Владимирович слов на ветер не бросает). Кроме того, свой первый роман, вышедший в 1964 году, Хьюберт Селби назвал «Последний поворот на Бруклин». Чуть позже его экранизировал Ули Эдель. Правда, и дебют, и экранизацию забыли 14 лет и два романа спустя – Селби написал «Реквием по мечте», которому и было суждено увековечить прозаика в памяти народной благодаря опять же экранизации – на этот раз Даррена Аронофски с Джаредом Лето в главной роли.

И вот еще один кусочек этой мозаики – Behold… the Arctopus. Вернее, Behold the Arctopus, как трио именует себя с начала 2012 года, исключив из названия многоточие и сменив ударника. Длинное вступление этой рецензии оправдывается тем, что о новом альбоме "Horrorscension" можно сказать лишь следующее: это лучшая полноформатная запись группы на данный момент.

Говорить здесь о пресловутом «синдроме второго альбома» не имеет смысла. Horrorscension на порядок круче дебютника "Skullgrid". Во-первых, он короче: 28:20 минут против 33:33 первого альбома – поверьте, пять минут могут сохранить чью-то жизнь или, по крайней мере, рассудок. Во-вторых – и я не верю собственным пальцам, набирающим этот текст, – на "Horrorscension"меньше хаоса и экспериментала. На первый взгляд это едва заметно. Но учитывая то, что первый полноформатник являлся едва ли не набором звуков, новая пластинка звучит упорядоченно и планомерно (конечно, если подобные эпитеты вообще применимы ко всему этому аудио-безумию).

При этом претензий к исполнительской, технической стороне нет вообще. В умении попадать в как можно большее количество нот за стремящийся к нулю промежуток времени с Behold the Arctopus соревноваться сложно. Однако похоже, что композиторский талант этих ребят канул в Гудзон. Найти какую-либо концепцию или выцепить из потока хотя бы одну темку – весьма проблематично. За виртуозным (без всякой иронии) владением инструментами скрывается пустота и отсутствие идей. Возможно, причиной тому – несерьезное отношение музыкантов к самим себе и тому, что они делают.

После прослушивания альбома в голове еще несколько секунд бродит некий шум, но не вспоминается ни фразы. И когда на излете завершающей пластинку эпичной десятиминутной «Annihilvore» перед слушателем, наконец, перестают мелькать сменяющие друг друга со сверхзвуковой скоростью образы, то вместо цельной картинки остается лишь размытое пятно. Так бывает, если сильно сжать веки и потом резко отпустить – раздражающие расходящиеся цветные круги и боль. При прослушивании Horrorscension тоже хочется зажмуриться.

Записать Horrorscension в аутсайдеры или, тем более, в фавориты этого года невозможно. Хотя, безусловно, среди слушателей найдутся сторонники обеих крайностей. Авангардизм Behold the Arctopus слишком навязчив, количество высокотехничных приемов не переходит в качество. Все как-то застряло на середине. А потому, несмотря на обилие и разнообразие возможностей, ни одна из которых не получает развития, альбом звучит бедно и довольно быстро наскучивает.

Один плюс – отсутствие текстов. Впрочем, как признаются сами музыканты, они даже ноты записывают нечасто, предпочитая импровизировать. Иосиф Александрович и Владимир Владимирович аплодируют. Уважили стариков.

v_potemkah   7 дек 2012

После триумфа "Colors" на мгновение показалось, что Between The Buried And Me остыли и остепенились. "The Great Misdirect" можно считать «лирическим отступлением», даже учитывая «тяжелые» пассажи в «Disease, Injury, Madness» или «Swim To The Moon». Во всяком случае, прорывом альбом 2009 года назвать сложно – слишком много легкости, едва ли не воздушности, присущей скорее арт-року, нежели заявленным музыкантами дэту и металкору.

Тем не менее, после, безусловно, красивой и небезынтересной в музыкальной компоненте паузы, Томми Роджерс и компания вернулись к движению и непостоянству. Вернулись с двухчастным концептом "The Parallax", уже одно название которого сообщает слушателю о том, что грядут перемены (с греческого «parallax» можно перевести как «смена, чередование»). При этом если говорить о сюжете, то к развитию были привлечены темы сразу трех предыдущих студийных альбомов: "The Great Misderect", "Colors" и "The Silent Circus". То есть, по сути, дилогия The Parallax - не столько обособленный концепт, сколько продолжение повествования, однажды начатого музыкантами.

В дилогии два главных героя, и с обоими мы знакомимся на выпущенном в прошлом году EP "The Parallax: The Hypersleep Dialogues". Первый персонаж был «брошен» BTBAM во время своего путешествия по океану в попытке покинуть этот порядком поднадоевший ему мир («Swim To The Moon» с альбома "Great Misderect"). Второй – искатель из «Prequel to the Sequel» ("Colors") и «Lost Perfection» ("The Silent Circus"), и он несет особую миссию: судьба всего человечества теперь зависит от того, успеет ли наш герой предупредить землян о тех ужасных, разрушающих последствиях, к которым приведет их столь алчное использование ресурсов планеты. Ведь его мир уже погибает. Итак, перед нами два сюжета – история борьбы внутренней, личной, эгоистической и борьбы всеобщей, объединяющей, альтруистической. Две судьбы, разумеется, переплетутся – два мира, едва ли не сталкивающихся друг с другом на обложке альбома, соприкоснутся. А вот какое будущее ожидает нашу планету – об этом повествование "The Parallax II: Future Sequence".

Вся эта космическая подоплека, бесспорно, очень увлекает и, более того, провоцирует на прослушивание нового творения одной из самых неоднозначных групп современной металл-сцены. Но отвлечемся от научно-фантастических кучерявостей и обратимся к собственно музыке. Разумеется, пытаться определить стиль "The Parallax II: Future Sequence" по крайней мере глупо. Здесь и официально «приклеенный» к BTBAM металкор, и прогрессив с моментами a-là Mastodon, так роднящий их с гигантами сцены вроде Dream Theater; и чуть менее привычные, полные драматизма театрально-пафосные пассажи в духе того же арт-рока (например, в зеркальных, открывающей и закрывающей темах «Goodbye To Everything» и «Goodbye To Everything Reprise»); и, наконец, совсем неожиданные «gipsy» и серф-роковые мотивы, обращающие «Bloom» в искрометный гимн всему живому. Словом, слушатель, знакомый с творчеством команды из городка Рейли, что в Северной Каролине, будет в восторге.

Однако есть в "Parallax II: Future Sequence" нечто, определенно не дающее поставить этот альбом (да и всю дилогию в целом) в один ряд с Colors. И это «нечто» – избыточность. Слишком уж много идей, переходов, стилей, отсылок (к другим исполнителям и самим себе), сюжетных поворотов. Наконец, слишком большой хронометраж: 72 с половиной минуты альбома (а если учитывать концепт, то прибавьте еще 30 минут прошлогоднего EP) – тяжеловесная и сложная конструкция, очень сложная для восприятия, практически непозволительная роскошь для эпохи, когда слушатель с трудом выдерживает и часовую запись. Талантливые композиторы и техничные музыканты, BTBAM очень уж хотели понравиться и поразить всех вновь. На мой взгляд, немного перемудрили.

Впрочем, это не помешает поклонникам группы ощутить фундаментальность «Lay Your Ghosts to Rest» и «Silent Flight Parliament», а ценителям насыщенности в музыке насладиться одними из лучших за этот год песнями в жанре – «Astral Body» и «Telos». В очередной раз Between The Buried And Me провели во всех смыслах фантастический мастер-класс по созданию собственной неповторимой манеры и стиля, а также по преодолению музыкального тяготения к постоянству.

v_potemkah  30 ноя 2012

Существует два способа записать кавер. Первый путь – точно повторить оригинал, сыграть все партии нота в ноту, не изменив ничего и тем самым не нарушив естественного хода вещей и внутренней гармонии песни. Второй способ, как можно догадаться, диаметрально противоположен: трек раскладывается на дорожки, и каждая прорабатывается и видоизменяется настолько, что зачастую оригинальная версия едва узнаваема среди нагромождений «авангардных» решений и преобразований, которые мы слышим в итоге. Чаще всего исполнители выбирают первый путь и записывают неплохие, а иногда даже хорошие каверы. Но никогда – блистательные, затмевающие подлинник. Или все-таки иногда?

Когда Ulver в 2007 году записали для "Shadows of the Sun" свою версию «Solitude» Black Sabbath, легендарная баллада Гизера Батлера зазвучала по-новому, несмотря на то, что Кристофер Рюгг не изменил в песне практически ничего – лишь вместо задумчивой гитары и флейты Айомми у Ulver появляется тревожная низкая труба. В итоге, у «Solitude» образца 1971 года 36 лет спустя появился достойнейший кавер. Более того, на "Shadows of the Sun" песня эта настолько органично вписывается в общий контекст и настроение альбома, что звучит даже несколько интимнее, вывереннее и уместнее, нежели на классической пластинке "Master of Reality".

Правда, никто не ожидал от Рюгга дальнейшего развития темы. Но уже в 2008 году вожак норвежских «волков» начал работу над материалом для целого альбома каверов. И не прекращал ее даже несмотря на подготовку и выпуск в 2011 "Wars of the Roses" – пластинки оригинального материала Ulver, которую критики, впрочем, не приняли с особым энтузиазмом. И вот, в 2012 свет увидел "Childhood’s End" – ностальгический сборник вариаций на самые разные песни более или менее известных исполнителей эпохи «детей цветов». Мирные демонстрации против войны во Вьетнаме, «лето любви», согревающий ламповый звук, детская непосредственность и кичливая мода поколения 60-х – все возвращается с этой пластинкой. Даже в оформлении альбома мы наблюдаем отсылку к неспокойному духу эпохи – фрагмент фотографии «Напалм во Вьетнаме», прославивший корреспондента американского агентства Associated Press Ника Ута, впоследствии получившего за этот снимок Пулитцеровскую премию.

А что же под обложкой? 16 песен – 16 имен. От таких важнейших музыкальных «глав» эпохи, как Jefferson Airplane, The Byrds, The Troggs и The 13th Floor Elevator, до всего лишь «параграфов» в хрестоматии мировой психоделической и гаражной сцены вроде The United States of America. Последние, кстати, просуществовали всего год и записали единственный альбом. Деятельность их «соседей» по сборнику Рюгга – группы Gandalf – также продлилась недолго (с 1965 по 1968 год). Однако их единственный именной студийный альбом является едва ли не образцом записи в жанре и повлиял, по признанию многих музыкантов, на поиск и становление их собственного звучания. Конечно, Рюгг выбрал песни согласно своим предпочтениям, но, думаю, для многих приятным станет тот факт, что в сборнике присутствуют каверы не только на американские, но и на британские команды. А еще нельзя не отметить, что Ulver отобрали для записи не самые известные хиты и тем самым раскрыли для слушателя многогранность тех исполнителей, которые большинству знакомы по одной-двум «нестареющим» песням, не покидающим эфиры популярных радиостанций.

"Childhood’s End" поражает и пленяет тем, что при всей своей сложности, большом количестве задействованных инструментов и заявленных номеров, а также при ставшем уже "ульверовской" классикой смешении электроники и «живого» звука альбом не теряет легкости, пластичности и прозрачности. И, конечно же, той самой детской непосредственности, которую, возможно, и хотел передать Рюгг, пропустив через себя чувства, эмоции и надежды людей, живших и творивших почти уже полвека назад. Как непросто, казалось бы, стать проводником, но как интересна подобная миссия, когда инструментом и главным действующим персонажем становится звук. Непередаваемое ощущение.

Ulver находят ту самую «золотую середину» и на удивление легко балансируют, как кажется на первый взгляд, в подходах и методах изложения своего «прочтения» классики. За этой фантастической эквилибристикой скрывается кропотливая работа – умение сочетать истории вроде медитативно-вдумчивой «Today» Jefferson Airplane или «Dark Is The Bark» The Left Banke и звучащих по-бунтарски гаражных «Street Song» The 13th Floor Elevator и «I Had Too Much to Dream (Last Night)» The Electric Prunes.

В итоге, звучащая чуть менее часа "Childhood’s End" производит эффект куда больший, нежели иной концептуальный альбом, затянутый на час с лишком. К каверам Ulver хочется возвращаться снова и снова, поодиночке или вместе, неважно. Ведь, в конце концов, как заметил Антуан де Сент-Экзюпери: «Все мы родом из детства… Все взрослые когда-то были детьми, только мало кто из них об этом помнит». Альбомы вроде "Childhood’s End" и призваны нам об этом время от времени напоминать.

v_potemkah  27 ноя 2012

Ничего не требуйте более определенного вам (Евангелие от Луки, 3:13).

Эти слова Иоанна Крестителя, изображение которого использовано в оформлении "Advaitic Songs", могли бы стать путеводителем по новому альбому Om. Однако не стоит встречать новую работу оклендского дуэта «по одежке». Названия песен в трек-листе и заглавие альбома содержат отсылки к сразу же нескольким монотеистическим религиям и философским учениям. Так, помимо обложки, аллюзию к христианству представляет трек "Sinai". Название другого — "Haqq al-Yaqin" — дублирует заглавие одного из важнейших собраний хадисов (изречений) в двунадесятническом направлении шиитского ислама. С арабского "Haqq al-Yaqin" можно перевести как «Реальность Необратимого». Отзвук одного из древнейших языков-прародителей — санскрита — мы находим уже в титуле всего альбома. Неологизм «advaitic» можно трактовать как попытку образовать прилагательное от названия Адвайты-веданты — философского учения об освобождении духа через познание себя как части целого путем длительных тренировок и медитации. Впрочем, не стоит считать "Advaitic Songs" записью, претендующей на какие бы то ни было откровения. Это скорее размышление-путешествие, призывающее слушателя забыть о материальном на 45 минут.

Иначе говоря, Эл Сиснерос приготовил для своих слушателей бесконечное паломничество (и в этом "Advaitic Songs" принимает эстафету предыдущих альбомов — "Piligrimage" и "God Is Good"), путешествие ради путешествия или некую звуковую интерпретацию старинной истины о том, что иногда ехать лучше, чем приезжать. Помимо Эла и нескольких приглашенных музыкантов (скрипка, флейта, табла, виолончель, бэк-вокал), в записи "Advaitic Songs" приняли участие барабанщик Эмиль Эймос (это уже его третий полноформатник в составе Om) и басист из Чикаго Роберт Лоу, также известный в музыкальной тусовке Калифорнии под кличкой-псевдонимом «Лишай». Для Лоу это также не первая совместная работа с Om — он участвовал в записи "God Is Good". На "Advaitic Songs" Роберт продолжает создавать дроновый эффект с помощью тамбуры — четырехструнного безладового инструмента, в некотором смысле индийского «аналога» знакомого всем нам баса. Бас же Сиснероса появляется на альбоме только однажды, зато в потрясающей концентрации. Причем Эл готовит слушателя к этому насыщению, вводя трансовые нотки уже в первой пьесе "Addis": невесомые скрипки, флейта и женский вокал успокаивают слушателя. И затем следует, пожалуй, центральная тема всего альбома — "State Of Non-Return". Медитативная проповедь, получитаемая-полунапеваемая Сиснеросом под тягучий рифф, грув ударных и перкуссии создают фантастический узор, а сменяющие их «чистые» скрипки — это катарсис для слушателя, продравшегося через дремучее непостоянство психо-образов, созданных Om. Проходим «точку невозврата» и вырываемся к свету: три заключительных десятиминутных истории исполнены рефлексии.

Возможно ли освобождение через принятие себя как часть целого, элемент общего замысла или сверхсознания? "Advaitic Songs" не дает ответа на данный и другие вопросы, но является едва ли не лучшим спутником в процессе поиска.

v_potemkah   9 ноя 2012

Историю пишут победители. Поэтому дать более или менее объективную оценку многим событиям, происходящим на этом голубом шарике, сегодня сложно, а подчас -невозможно. Лишь бы глобус дальше крутился. Пока крутится, у каждого из нас есть шанс.

Godspeed You! Black Emperor свой не упустили — записали альбом во всех отношениях важный для рок-сцены образца 2012 года. Сейчас хочется максимально дистанцироваться от разговоров о стилистике, от того, что «это музыка не для всех». Да и социально-политический подтекст оказывается не первостепенным критерием. Все дело в своевременности «’Allelujah! Don’t Bend! Ascend!» Ведь за то десятилетие, что GY!BE исчезли со всех радаров, в современной музыке произошло великое множество событий. Однако слушая новый альбом пост-рокеров, понимаешь, что все эти бесконечные «возвращения», «воссоединения» и очередные «прощальные туры» можно было и пропустить.

Канадская формация (а оркестр из 9 человек язык не поворачивается назвать «группой») за отпуск потеряла двух членов — барабанщика Брюса Коудрона и виолончелистку Нурсулу Джонсон. Впрочем, перемены в составе не повлекли за собой кардинальных изменений в плотности и количестве материала. «’Allelujah! Don’t Bend! Ascend!» — монументальная история. Интересно, что две композиции, образующие каркас альбома, находятся в «живой» ротации GY!BE уже с 2003 года. Речь о двадцатиминутных «Mladic» и «We Drift Like Worried Fire» (которые в далеком теперь уже начале нулевых имели рабочие заглавия «Albanian» и «Gamelan» соответственно). Зеркально этим двум пьесам на альбоме располагаются семиминутные «Their Helicopters’ Sing» и «Strung Like Lights at Thee Printemps Erable». Причем, для каждого формата (цифра и винил) утвержден свой порядок расположения треков. Такие вариации в компоновке предоставляют слушателю свободу выбирать то, что ему по нраву.

А теперь о музыке. Редкий слушатель обращает внимание на названия песен в эпоху, когда музыка становится лишь очередной статьей потребления. Тем не менее, любопытство внимательных будет удовлетворено. Прямая отсылка первой же пьесы к истории сербского генерала Ратко Младича может стать подсказкой в попытке объяснить музыкальный манифест GY!BE. Такой же противоречивый и неоднозначный, как та эпоха, которую принялись описывать канадцы. Стык политических интересов, культур, типов мышления, камень преткновения Европы. На этом построен и весь альбом: столкновение «грязных» гитар и четкой ритм-секции, яростные волны эффектов, сменяемые терпеливой мелодикой и «стонами» скрипки. Динамика и рефлексия. Рациональная машинерия Запада и трансцендентный мистический опыт Востока. От едва уловимых колебаний, заставляющих затаить дыхание, через фантастические крещендо к абсолютному хаосу.

Это завораживающая, мощная, цельная и (несмотря на то, что это самый короткий на данный момент лонгплей коллектива) лучшая работа GY!BE. В недавнем интервью газете «Гардиан» (которое было дано по электронной почте, формация продолжает сохранять вокруг себя ореол таинственности) канадцы заметили, что играют для тех ребят, которые приходят на их концерты, потому что помнят, что еще недавно сами были такими же. Возможно, поэтому ’Allelujah! Don’t Bend! Ascend! звучит именно так: цепляюще, пронзительно, увлекательно. Есть шанс просто отпустить себя и довериться музыке. Хотя бы пока в проигрывателе крутится диск. У каждого из нас есть шанс.

v_potemkah  19 окт 2012

«King Hobo» — отличный пример того, как беззаботный джем может стать основой яркого музыкального события. Все началось в 2005-м году на фестивале “Sounds Of The Underground”, а вернее, за кулисами праздника — на автостоянке. Клавишник Opeth Пер Виберг и ударник Clutch Жан-Поль Гастер решили немного отдохнуть от «тяжести» фестивального звучания и поимпровизировать в фанковом ключе. Этот момент можно считать рождением супергруппы.

Чуть позже музыканты объявили о том, что ищут таких же «уставших» от метала соратников для того, чтобы расслабиться и немного поэкспериментировать. Так к проекту присоединились лидер группы Kamchatka Томас Андерсен и басист Ульф Иварсен (one-man-project Beatundercontrol). Парни поехали в небольшой шведский городок Фалун, сняли там обустроенный под студию домик и буквально за неделю записали на старый пленочный магнитофон весь материал. Затем добавили вокал, некоторые эффекты и выпустили, пожалуй, лучший рок-альбом года.

Звук на альбоме пропитан духом дороги и жаждой приключений. Здесь все, что нужно настоящему реднеку. Под такую музыку в сознании возникает только одна картинка: закидываешь на заднее сиденье потрепанной «Импалы» 71-го года старенький, полуубитый «рогатый» Гибсон и гонишь через пустыню. Пыль столбом, в голове ветер. Это музыка американского юга.

Даже странно, как такое могли сочинить шведы. «King Hobo» — это пятьдесят две с четвертью минуты сочнейшего микса из блюза, фанка и рок-н-ролла. Открывающая альбом “Running” — кавер на песню короля соул- и фанк-музыки Кертиса Мейфилда задает настроение всему альбому. А дальше начинаются оригинальные темы шведов — яркие, запоминающиеся, индивидуальные. Подчеркну, что многим современным музыкантам не хватает именно последней характеристики. Их альбомы звучат как одна и та же песня, сыгранная десять, одиннадцать... пятнадцать раз. Большинство выходящих сегодня пластинок создаются по формуле «два/три хита (сингла ) + проходной наполнитель».

«King Hobo» радует как раз отсутствием такого «наполнителя». Все по делу и уверенно — даже инструментальные интермедии “Swede” и “Coffee Break”. Каждая песня является примером отличнейшего южного стонер-рока с элементами фанка или традиционного блюза, будь то неторопливая “Rolling In From The Sea” или бойкие “Moonshine” и “Leaving Letter Blues”. Кстати, харп на последней — настоящий южанин, гость из Огайо, лидер еще одной легендарной стонер-команды Five Horse Johnson — Эрик Обландер.

Стоит отметить, что, поскольку альбом записывался вживую, «эффект присутствия» порой затмевает все. С таким ощущением проносятся приджазованная тема “From Me To You” и рок-н-ролльный угар “Best of Times”. Но по-настоящему накрывает к концу альбома, когда понимаешь, что музыканты импровизируют, не стремятся нащупать один какой-либо ритм или рифф, а просто играют от души и получают от этого невероятное удовольствие. Двенадцатиминутная переработка “Mr. Clean” гениального би-боп трубача Фредди Хаббарда закрывает альбом фантастической дуэлью гитары и саксофона.

«King Hobo» является блистательной и, несомненно, одной из лучших работ в рок-музыке и заслуживает гораздо большего внимания со стороны музыкального сообщества.

v_potemkah  23 июл 2012

Before all things reborn again
You learn the painful breath of time

Эти строчки, открывающие одну из композиций нового полноформатника французских дэт-металлистов, можно принять за исходный лейтмотив всего альбома. Для тех, кто ожидал от Gojira революции, "L'Enfant Sauvage" стал не то, чтобы разочарованием, но "одной из" или "очередной" пластинкой в дискографии французов. Шумные обсуждения и громкие выкрики критиков всех мастей не могут замаскировать тот факт, что с годами аудитория группы расслаивается. Причем в том, что касается обозначения линии водораздела, разобраться очень сложно. Ведь в отличие от всеми признанных корифеев с дискографиями, измеряющимися дюжинами пластинок, синглов и компиляций, парни из Gojira выпускают лишь пятый лонгплэй. Соответственно, у каждого из предыдущих четырех альбомов сложился свой пул слушателей и контингент поклонников. И кому-то по душе разрывной дебютник "Terra Incognita", а кому-то - заигрывания с прогрессивом на "From Mars to Sirius". Подключившиеся же чуть позднее в унисон восхищаются "The Way of All Flesh" и требуют, чтобы авторы продолжали в том же духе.

За то время, что поклонники ожидали "Дикое дитя", Дюплантье и компания съездили в Австралию: приобрели бумеранги и диджериду (последние, правда, при записи альбома использовать не стали, а жаль), отыграли тур и прониклись еще большей любовью к природе. А потом выпустили DVD "The Flesh Alive", от которого все были в не меньшем восторге, чем от самого "The Way of All Flesh" четыре года назад. И вот теперь у нас есть "L'Enfant Sauvage".

Говорить о том, что французы навсегда ушли от прогрессива, несправедливо. Былые завоевания не так-то просто бросить, и вкрапления прежнего стиля еще слышны, например, в заглавном треке, в "Liquid Fire" и закрывающей теме "The Fall". Рассуждая о композиции, нельзя не отметить, что Gojira стали ответственнее подходить к расположению материала на альбоме: ядерная открывашка "Explosia", интерлюдия "The Wild Healer", цепляющая ритм-секция "The Gift Of Guilt". Не секрет, что это еще и влияние перехода на новый лейбл - теперь группа записывается на Roadrunner Records. Этому переходу обязан также звук на альбоме в целом. По качеству записи в этом году у "L'Enfant Sauvage" точно не будет много конкурентов.

Но почему-то в целом альбом кажется довольно затянутым. 11 треков (с бонусами - 13). Ни одной композиции длиннее 5-6 минут. Но сразу же вспоминается монументальность тем с "The Way of All Flesh" и "From Mars to Sirius": "The Art of Dying", "Flying Whales", "Where Dragons Dwell"... И в голову лезут беспокойные мысли о том, что хоть тогда все было продолжительнее, но зато гораздо интереснее, разнообразнее, живее. И в этом предыдущие альбомы на голову громят беззащитное "дитя".

Эволюция нуждается в некотором временном отрезке для того, чтобы новые идеи не только проросли, но и смогли расцвести. "L'Enfant Sauvage" показывает, что у команды Дюплантье эти идеи есть. Это манифест-самоутверждение Gojira в нише дэта/мелодэта. Окончательное ли - увидим, а точнее, услышим в будущем.

v_potemkah  10 июл 2012

Если два года назад на именной пластинке Слэша пели Игги, Килмистер и Ферджи, то на второй все ожидали услышать как минимум Боуи, Шилдса и Капитана Бифхарта. Причем, дабы попасть в тренд сезона, последнего планировалось оживить для тура в виде голограммы. Ходили слухи, что по этой же технологии на сцене к Хадсону присоединится и Джими Хендрикс. Только представьте себе: дуэль двух крутых парней в боливарах. Ну, они еще и на гитарах играть будут!

Но что-то пошло не так в маркетинговой стратегии, и самый кудрявый парень "города Ангелов" решил обрести голос. Отнюдь не неповторимый, конечно, но, тем не менее, единственный. Обрел он его, впрочем, уже на предыдущей пластинке, а если конкретнее - на 13 треке. Однако отметить вступление в должность официально Майлз Кеннеди может с выпуском "Apocalyptic Love". При этом понятно, что публике по большому счету все равно, кто там выводит трели на альбоме маэстро гитары и богемного рок-н-ролльного образа жизни. Так уж получилось, что кто бы ни выступал на одной сцене с Хадсоном, на коне остается уроженец британского Хампстеда. Это альбом сами-знаете-кого - и этим все сказано.

Зато теперь у нас есть потрясающее времяпрепровождение в попытке отмахнуться от неуемных жалоб всего рода человеческого, что мы, мол, прокрастинируем да и только. Итак, мы можем сравнивать Кеннеди с кем, догадайтесь? Верно – с Роузом. А вдруг талантливый? А может еще и петь умеет? Но нас не проведешь! Те, кто следит за гламурной голливудской тусовкой, знают Кеннеди по Alter Bridge, где он успешно занимает позицию ритм-гитариста/лид-вокалиста аж с 2004 года. Как быстро летит время!

Впрочем, мы отвлеклись. На повестке дня "Apocalyptic Love". Заголовки треков на альбоме – отдельная история. Любой лингвист подтвердит: люди не любят слово "нет". И вообще, любые отрицательные частицы и прилагательные с негативным оттенком повергают их в депрессию. А Слэш и Кеннеди собрали цветник: "One Last Thrill", "No More Heroes", "Not For Me", "Bad Rain", "Far and Away". Где же Ваши рок-н-ролльные оптимизм и жизнерадостность, господа?

Впрочем, содержание важнее. И здесь... Hard-rock revival и привет из 80-х - вот что вас ожидает, ребятки. Головокружительные риффы и неповторимые соляки, разбросанные вдоль тропинки, которую не просто протоптали - вытоптали мастодонты жанра, встречаются на альбоме так же часто, как хипстеры в ЦПКиО им. Горького. И, простите мне каламбур, горько не только осознавать это, но и слышать. Пожалуй, мне не хватает музыкального образования, и вообще, медведь станцевал на ушах – я различаю между собой только композиции групп вроде Boris или Sunn O))). Слэш же так и останется для меня загадкой. Как можно не заметить, что целый альбом играешь одну и ту же песню? Такое ощущение, что в записи участвовали ребята из Nickelback. Они придерживаются той же стратегии уже несколько альбомов, и ничего, собирают положенные стадионы и покоряют чарты.

Итак, что же мы имеем в итоге? Крепко сбитый, продуманный, технически насыщенный и выполненный по всем канонам хард-рок альбом, заслуживающий валяться в бардачке и быть прослушанным в дороге, в фоновом режиме или когда все остальное уже наскучило.

v_potemkah  26 июн 2012

С Каскадских гор уже снега... Нет, видимо, не сойдут никогда. Впрочем, кому какое дело? Гораздо важнее, что в те самые леса и горы регулярно убегают уставшие от цивилизованной жизни ковбои Западного побережья. Регулярно - это начиная с 2002 года хронологически и с "Wolves in the Throne Room" номенклатурно. Именно в этой точке единства места и времени была создана очередная "волчья" стая, заразившая чуть позже не один ум Вест Коуста. Вдохновение, как и полагается, пришло из смурных норвежских 90-х. Подыграло наличие на северо-западе Штатов тех самых реликтовых ландшафтов - горы, лес... прощай, цивилизация, поиграем в Робинзонов.

Группа Addaura, что базируется в славном городе Сиэтле, как раз из этой колоды. Собравшись в 2008 году, ребята поиграли немного да и записали демо. Как в воду глядели: промо-релиз из 4 треков с провокационной обложкой на последующие два года станет основой для концертного тура и пересудов на форумах и в тематических СМИ.

К сожалению, Addaura, возможно, суждено стать лишь "одними из", очередной командой так называемого "каскадского блэка". Сдабривая бласт-биты эмбиентными вставками и пост-роковыми гитарами на поворотах, ребята из Сиэтла понемногу изгоняют из себя бесноватый дух блэка, который изначально был принят в качестве ориентира. "Ancient beauty/ In ash and rain/ Silent recollection of lost unity to the mother" - вот они, "зеленые" анархистские замашки, неотвратимо разъедающие задатки Addaura.

Вся эта игра в "лесных братьев" (которая по большому счету служит маскировкой для гонки "кто круче спародирует норвежский исконный с примесями фолка") не может не вызывать сожаления именно из-за того, что хотя бы эта демо-запись в плане музыкальной составляющей звучит многообещающе. Не без шероховатостей и перебора по части молодецкой удали, которую, я верю, ай как хочется показать и выразить в круче риффов и криков. И, может быть, именно поэтому "блэковые" участки звучат порою до ужаса однообразно и, как следствие, скучно. Однако к концу "Through The Rain" - началу "Ochre And Ore" один большой муторный флэшбэк превращается во что-то более или менее привлекательное. И да услышит имеющий уши, но здесь назревает качественный скачок, который выносит Addaura на гребни Каскадских гор и оставляет за группой выбор: нырять ли обратно в леса или стать пионерами на вершине.

v_potemkah  16 мар 2012

Так не бывает, просто не бывает. Группа выпускает два альбома, и оба вызывают восторг и ничего кроме. Для музыки эпохи '00-х это картинка почти сюрреалистическая. К тому же, если речь идет о музыке некоммерческой, занимающей очень маленькую (хоть и железно "свою") нишу. А потому удается подобное немногим. Dale Cooper Quartet & The Dictaphones удалось.

Нынешний момент представляется решающим для французской формации. Еще в 2007 году, после успеха дебютника "Parole de Navarre" перед музыкантами встал выбор: писать ли и дальше мрачные саундтреки, вдохновляясь фильмами Дэвида Линча, или начать новый этап. Радует, что ансамбль выбрал второй вариант. Ведь в навязчивую идею, что вся история была задумана для воплощения в жизнь одного лишь "Parole de Navarre", верить не хотелось. Конец ноября 2011 ознаменуется новым релизом - "Métamanoir". Новый курс и новое приключение.

При этом Dale Cooper Quartet & The Dictaphones расширяют жанровые рамки, кое-где перескакивая и на соседние колеи. Правда, делают это они настолько искусно и плавно, что подобная "чехарда" вовсе не режет слух. Даже напротив - придает цельности и завершенности альбому. В наследие от предыдущего миньона осталось меланхоличное позднеосеннее настроение и нуаровые образы. Ну а в качестве обновлений пришел вокал, а вместе с ним и заигрывания то с электроникой, то с эмбиентом, порою переходящие в трип-хоповые шуршащие ритмы и читки. И все это под оригинальным французским соусом тоскующего по океанскому бризу саксофона.

И если "Parole de Navarre" фанаты и меломаны описывали как тотальное растворение в сером, то под "Métamanoir" я бы посоветовала представлять все оттенки, которые когда-либо приобретал океан. Для составления палитры картины Айвазовского здесь пришлись бы как нельзя кстати. В какой-то момент возникает почти реальное ощущение соленых брызг на лице, ей-ей.

Парадоксально, но музыка Dale Cooper Quartet & The Dictaphones станет идеальным подарком как для всех застрявших в промозглости бетонных джунглей, так и для привыкших к унылым деревенским пейзажам. Это какой-то сдвиг во времени и пространстве. Возникающие, на первый взгляд, противопоставления (тексты на английском/французском, мужской/женский вокал, электронная/живая музыка) оказываются нисколько друг другу не чужеродными, а успешно взаимодополняющими составными частями. В таком трансе мы и "плывем" все девять треков.

Ну а самое поразительное, пожалуй, в том, как близка эта унылая, тоскливая, оплакивающая всех и вся музыка русскому человеку. Складывается впечатление, что писалось это не в веселой и беззаботно кутящей Франции, а где-нибудь в Архангельске или Мурманске, а то и на Соловках. Строгая, смурная северная стать и такая же кристальная ясность.

Каждому слушателю обеспечено, таким образом, невероятное путешествие по северному сиянию брестского воображения. Да и что уж там, это просто безумно приятно слушать. Потому что сделано хорошо и красиво.

v_potemkah  30 ноя 2011

Укротитель зверей представляет публике свой «зоопарк». Последней он достаёт ядовитую змею и представляет её следющим образом: "Это Лулу, древний образ женщины, созданной, чтобы распространять несчастья, приманивать, развращать, отравлять и убивать — прежде, чем жертва что-либо почувствует".
Альбан Берг, "Лулу"

Думаю, у каждого из нас найдется свой скелет (или сломанный манекен?) в шкафу. Поступки, за которые безумно стыдно. Выбор, обрекший то или иное предприятие на провал. Как задетая рукавом чашка, летящая со стола - мы знаем: она непременно разобьется, - но поделать ничего не можем. Так разбились мечты о воплощении в жизнь безумно красивой по сути и невероятно сложной технически задумки Лу Рида. И самым обидным является тот факт, что запустил он этот чудовищный механизм разрушения собственными руками. Впрочем, обо всем по порядку.

Жил на свете человек. Звали его Франк Ведекинд. Визионер и авангардист, он предвосхитил появление экспрессионизма и оставил нам небольшое, но значительное наследие в виде нескольких весьма занятных пьесок. Среди них значатся драмы "Дух земли" и "Ларец Пандоры". К чему бы вся эта экспозиция? Разгадка следует за смертью и признанием поэта. Композитор Альбан Берг спустя лет 10-15 после смерти Ведекинда объединяет эти два произведения, и свету является опера "Лулу".

Уже в ХХ веке эта история западает в душу нью-йоркскому музыканту-авангардисту Льюису Аллану Риду. Устроив революцию в массовой культуре на пару с Энди Уорхолом в конце 60-х, в последующие годы Рид занялся сольным творчеством. Оставив крупные площадки и амбиции властителей масскульта, сотрудники уорхоловской "фабрики" занялись каждый своим. Лу Рид, казалось бы, и здесь все всем доказал. Ну а в нулевые он изредка выпускает пластинки, не претендующие на первые места в чартах. При этом музыкант активно ищет соратников, готовых к экспериментальной работе, для реализации нового проекта. В 2009 году, на 25-м юбилее Зала славы рок-н-ролла Лу Рид встречается с группой Metallica.

Отсюда начинается полет той самой, обреченной на конечное состояние "вдребезги" чашки, которую теперь придется склеивать и залатывать чем-то удобоваримым. Естественно, группе Metallica - Риду в данной ситуации все равно, он далек от коммерции. Ведь говоря о "Лулу", важно предельно четко понимать, что на 99% это проект Лу Рида. Ни о какой Loutallica и речи быть не может. Группа лишь становится одним из инструментов, который Рид, к сожалению, не смог использовать правильно. Вызванный же неправильным обращенинием диссонанс мы наблюдаем теперь. И дело не в том, что быстрые риффы не коррелируют с "нудным" речитативом - в 70-е читали еще медленнее под, порою, еще более быструю музыку. Идея, возникшая у Рида в голове, гениальна по сути: музыкальный оксюморон, уникальный, как по форме, так и по содержанию.

Виновата же, как всегда, поспешность. На суд слушателя выносится пластинка, где существует четкое разделение: вот это срубил трэш-квартет, а вот здесь читает Лу. А затем нерадивый студент режиссерского факультета зашел в студию и свел вместе две первые попавшиеся под руку бобины. В этом нет вины ни Рида, ни Хэтфилда сотоварищи. Все просто, никто никому был не раб, в графе "причина какофонии" напишем: разошлись "музыкальными характерами". Если Вы слушали записи Лу ранее, то без труда признаете его неспешную манеру чтения текста, лишенную каких бы то ни было эмоций, глубокую, грузную, где-то даже грузящую, а где-то отстраненную. На этом фоне Metallica, конечно же, является фонтаном энергии, безумным астероидом, да коктейлем молотова, в конце-концов! А вот все вместе представляется безумной пародией на цельное произведение, что та самая Лулу на обложке - жалкая имитация человеческого: не то недоделанный манекен, не то аллюзия к Венере Милосской. В последнем я сильно сомневаюсь, так что, скорее уж, манекен.

Однако не так страшна кукла, как ее размалевали. Идея создать тот самый музыкальный оксюморон удалась: совмещены два столь различных стиля, две диаметрально противоположные по энергетике манеры исполнения. И слушать это можно. А местами даже приятно и интересно. Так как история уж слишком увлекательна и сильна сама по себе. Такой, вроде бы, разрывной момент: англоязычный (или владеющий языком в достаточной мере) слушатель зависает на пластинке, переслушивая ее, как минимум, пару раз. Иные выкидывают из проигрывателя уже после пары песен. Здесь мы, безусловно, вспоминаем о том, что самое важное в музыке - музыка. А голос, текст, им проецируемый - это еще один инструмент. И как бы здорово ты ни умел рассказывать истории, в сердца западает - нота за нотой - музыкальная тема. В случае с "Лулу" не работает и это, так как spoken word зачастую ставит за скобку музыку, как сопровождение тексту.

В итоге, каждый слушатель становится перед выбором в духе "думайте сами, решайте сами". "Лулу" так и останется нелюбимым, несчастливым ребенком. Раз уж на то пошло, вечным ребенком, которому не суждено вырасти. Тем недоделанным манекеном, которому никогда не стоять в сверкающей лампочками витрине и не привлекать внимание зевак. Тем же, кто пожалеет затерянное во времени дитя, безжалостно оставленное на прозябание своими создателями, оно, возможно, откроет свою душу.

v_potemkah  11 ноя 2011