Как я уже писал, “Dante XXI” был скорее исключением из правил, чем их подтверждением. Случается, что какой-нибудь коллектив, когда-то выдававший шедевры пачками, а ныне представляющий собой инвалида с перебитыми лапами, в один прекрасный момент ловил музу вдохновения и эксплуатировал её вдоль и поперёк. Результатом чего был материал если не отличный, то хотя бы просто звучащий незашоренно и интересно. Потом обычно обессилившая муза отпускалась восвояси, и группа вновь погружалась депрессивное состояние. Вот и релиз 2006-го года казался мне таковым - случайным, в связи с чем возлагать какие-либо надежды на “A-Lex” в своё время я не торопился. Забыть о его существовании на долгие годы помог клип на “We’ve Lost You”, из которого я сделал вывод, что Sepultura плевать хотела на развитие идей “Dante XXI” и что ей куда ближе грувовый тупняк. Пошевелить задницей и пойти купить (или скачать) альбом, потратив 55 минут на проверку столь скоропалительного вывода мне, естественно, не позволяла религия.

Вывод-то, в принципе, был верен. По части музыки это – очередное убийство трэшевых задатков грувовыми залпами (иногда – в прямом смысле слова), но по части же вызванных этим эмоций… Знаете, становится не до фиксации эмоций, когда твой лоб лихорадочно дубасит край стола в такт озверелой, в прямом смысле слова, “Moloko Mesto”. Всё происходящее на альбоме можно описать лишь одним ёмким и исчерпывающим термином: мочилово. И пусть никого не смущает применение этого термина к альбому, на котором реально скоростные и долбильные темы можно по фалангам большого пальца пересчитать. Даже на неторопливых вещах, вроде “Sadistic Values” или “Filthy Rot”, ощутимо присутствует этот социопатический, просто-таки варварский дух. Аж уж какой неописуемый ад происходит в других песнях… Грув Sepultura, образца 2009-го года – это не просто апеллирование к банальному jump da fuck up’у, как это было до, а аккумулированная беспредельная агрессия и упорное выбивание всей возможной мощи из инструментов, придающей музыке поистине гротескные черты. Боюсь совершить ошибку, но мне кажется, что здешний материал - самый тяжёлый за всю историю группы. Скидки на то, что это не трэш, да и не совсем металл даже (металлическая тяжесть на, зачастую, неметаллических структурах) учитывать, конечно, можно, но не нужно совершенно. Это должно заботить лишь тех, для кого важнее слова, а не музыка, ибо имеющий уши да услышит – "A-Lex" с лихвой утоляет жажду тех, кто требует хлеба (мяса?) и зрелищ. Альбом здоров, румянен и предельно насыщен адреналином. И горе тем, кто хотел продолжения банкета имени “Dante XXI”, а также тем, кто заставляет себя не обращать внимание на очевидное положительное, выискивая “что-то, как старенькое” в какой-нибудь “Enough Said”.

Да, после “Dante” группа вновь вернулась к привычному своему звучанию рубежа веков, но звучание это стало на порядок грознее, страшнее и суровее. Если раньше их грув находил отклик только на уровне физического восприятия, то сейчас он просто пробивает грудину и рвёт душу в клочья. “A-Lex” – это не только качественная работа, но и очередной (косвенный) пример того, что так называемое “возвращение к корням” не панацея от хворей. Достаточно просто послушать вышедший спустя 2 года “Kairos”, дабы понять это. Звучание, отсылающее ко временам “Arise” (дай им вторую гитару - на “Beneath the Remains” замахнулись бы) удовлетворит лишь поверхностный людей, тех самых, что смотрят на стиль, другим же будет очень недоставать насыщенности и разнообразия материала.

P.S. Всё бы ничего, но, честно говоря, бесит злоупотребление группой всяческими интерлюдиями. Не знаю, может, они таким способом пытаются придать большей концептуальности полотнам, но что в 2006-м, что в 2009-м они просто тупо болтаются под ногами, откровенно мешаясь. Выделю лишь одну жемчужину – “A-Lex IV”. Она прекрасна.

MAX DE SADE   8 дек 2013

Меня всегда забавляла склонность некоторых людей выделять чёткую зависимость между качеством исполняемой музыки и стилем. Вот, то есть, когда трэш – это хорошо, а когда, например, грув или хардкор – ужасно, продажно и вообще членство. Точной статистикой не обладаю, но мне кажется, что больше, чем фанаты Sepultura, этой заразой болеют только поклонники Slayer. Пример североамериканцев в данной ситуации красноречив: после выхода забавного “Diabolus in Musica” и отличного “God Hates Us All” поклонники было подумали, что всю группу разом настигла деменция, и более-менее успокоиться смогли лишь после выхода реабилитирующего “Christ Illusion”. Многим было уже достаточно, что альбом 2006-го года содержит в себе небольшие дозы хардкора, а в основе своей положительная реакция зиждилась на простом постулате “Трэш, ёпта! Ломбардо!”. Тот факт, что тамошний трэш, в большинстве своём, сыгран, словно на швабре, а удачные треки звучат удачно именно благодаря тем самым дозам хардкора, во внимание не принимался. А уж по какой надуманной причине Ломбардо заслуживал место в группе больше, чем Бостаф, для меня вообще загадка. А теперь представьте, какого было бразильцам, у которых и фронтмен почернел, и музыка куда сильнее ушла от каноничного трэша.

Не стоит, конечно, подгонять всех под одну гребёнку. На счастье, подобного рода фанатья – меньшинство, и это либо дядьки в маразме, либо совсем молодняк без своего мнения. Тоже в маразме. Но орут они всегда громче всех, создавая ошибочное впечатление о своём количественном превосходстве. И они же, точно так же, как то было с “Christ Illusion”, в своём фирменном стиле, сделали рекламу “Dante XXI”, который действительно можно рассматривать как пробуждение после достаточно стрёмного сна. Не рискнул бы назвать этот альбом возвращением к корням, каким его видят многие, но его звучание однозначно куда более подточено под классические формы, хотя он и выглядит, как иссушенный “Roorback”. Материал здесь - это не архаизм, звучащий, словно из конца 80-х. Это всё тот же грув, но источенный до трэшевого состояния и сбросивший с себя жировой панцирь, обнажив шустрый ритмический рисунок, который, в свою очередь, продемонстрировал мнимую картину техничности. Стоило чуть изменить приоритеты, сделать ставку на скорость, избавиться от ню-металлических и хардкоровых элементов (теперь это только призрак на “Buried Words”) – и мы получили работу, которая звучит на удивление свежо. Как ни странно это прозвучит, но в этом заслуга не сабжа, а “Roots”, “Against”, “Nation” и “Roorback”. Своим схожим в целом звучанием (с поправками в отношении этники и вокала) они уже настолько набили оскомину, что незамысловатый, в принципе, альбом выглядит чуть ли не откровением. Наконец-то появились своеобразные хиты, и это не калифы на час, вроде “Mind War”. Ураганная “Convicted in Life” безо всякой сторонней помощи даёт жару всему альбому и потенциально была способна стать флагманом поздней Sepultura. Но мозговскрывающий клип буквально её обессмертил, отправив “Convicted in Life” не только на вечное пребывание в сет-листах, но и гарантировал место в “Пантеоне Бессмертных”, наряду с “Troops of Doom”, “Innerself”, “Beneath the Remains”, “Arise” и “Refuse/Resist”.

Безмерно уважаю Деррека, как личность, даже несмотря на то, что не разделяю некоторые аспекты его мировоззрения, но как к вокалисту мне так и не удалось к нему привыкнуть. Ну очень уж своеобразная манера пения выглядит действительно уместно там, где идёт нарочитое охардкоривание музыки на грани чуть ли не с хип-хопом в вокальных партиях (“Who Must Die?” спета блестяще), но там, где группа старается держаться своего курса, возникающий диссонанс накладывает свой отпечаток на восприятие. Если группа при поиске вокалиста ставила своей целью максимально далеко отойти от манеры Макса – то им это удалось на все 146%. Плюс к этому, они получили отличного фронтмена, который своим поведением на сцене затыкает за пояс Кавалеру-старшего, нынешние кондиции которого сложно описать как-то иначе, чем термином “Кабан Прямоходящий”. Но “Dante” стал местом, где я в кои-то веки не отвлекаюсь на работу Грина, проникаясь в равной мере всеми аспектами диска. Нет, вру, отвлекаюсь на удачные попытки показать гибкость вокала в “City of Dis”и “Crown and Miter”.

Очень велик соблазн тут и остановиться, поставить альбому “9” и идти по своим делам. Но, увы, и он не безупречен. И ладно бы главная проблема была в том, что в моём воображении совершенно не сходятся кусочки пазла “Концепция - Музыка”. Всё-таки, мой примитивный разум не может вписать средневековую поэму Данте в жёсткий и угловатый каркас трэш-грува группы, как ни старайся. В этом плане антиутопия Бёрджесса выглядит более приспособляемой под остервенелую мясорубку “A-Lex”. Но концепция – это не то, что способно фатально сказаться на материале. В музыке главное – музыка. Проблемы начинаются тогда, когда музыканты, ловившие эйфорию в скоростных темах, начинают походить на слепых котят, когда темп резко падает. Из всех песен, где скорость держится на уровне ниже среднего, только про “Ostia” можно сказать, что она украшает альбом (а её в свою очередь украшают струнные и пианино), а вот “Fighting On”, “Nuclear Seven” и “Repeating the Horror” есть, по сути, инородные тела, которые фактического вреда не наносят, но серьёзно портят впечатление. Главная подстава в том, что две последние находятся во второй половине альбома, что, с учётом того, что оттеняют их в основном всяческие бессмысленные “интро”, серьёзно сбивает дыхание альбома перед самым финишем. Одинокая “Crown and Miter” в поле не воин. Но это удивлять не должно: после ухода Макса вменяемые слоу-треки писались с частотой прихода Христа на нашу грешную землю. Всё-таки, это не стезя Киссера.

“Dante XXI” является альбомом, появление которого, в принципе, можно подставить в логическую цепочку. Но всё равно есть впечатление, что он вышел, скорее, вопреки. “Roorback” был уже сносным, но всё равно в плане качества был ближе к своим двум предшественникам. И было куда больше шансов, что бразильцы выпустят альбом-копию “Roorback”, на котором безболезненная стагнация будет преподноситься под оболочкой мнимого развития. В этом отношении они смогли удивить, но откровения здесь не произошло. Оно меня ждало много позже – когда мне довелось услышать “A-Lex”.

MAX DE SADE  24 ноя 2013

Ну, наконец-то! Наконец-то бразильцы сподобились впервые со времён “Arise” создать обложку, при взгляде на которую не возникает острого желания засунуть своё лицо в мясорубку. На “Kairos” в этом плане они достигли дна, и дальше вполне мог наступить момент, когда случайно брошенный взгляд на очередной “артворк” мог спровоцировать уничтожение ПК и окончательную потерю смысла жизни. Благодарность за эту художественную работу почтовым голубем отправляется Алессандро Вагнеру. В плане музыки же, вопреки мнению коллективного бессознательного, ситуация всё же куда лучше. Вспомнить хотя бы “Dante XXI” и “A-Lex” (пожалуй, лучшие альбомы группы эпохи Грина), да и на других альбомах была минимум пара боевиков. В этом плане сабж свежего слова не сказал, хотя видно, что музыканты старались. По сути, “The Mediator…” идёт той же тропой, что и несколько последних альбомов, то есть Киссер по-прежнему с упорством, достойным лучшего применения, эксплуатирует наработки “Arise” и “Chaos A.D.” (очевидного влияния “Roots” не заметно уже давно, что и к лучшему - для этого Soulfly есть), одновременно с этим пытаясь освежить музыку группы несвойственными ей деталями.

Но начать альбом решили классическим трэшевым боевичком, правда, подозрительно напоминающим своим звучанием Slayer, образца 98-го года. От работ американцев его отличает (помимо вокала Грина, которому хорошие люди явно пытались отключить микрофон) только то, что те в припадке скорости ни за что бы не забыли про соло. В этом месте необходимо сделать ремарку: в “Trauma of War” сразу заявляет о себе новый ударник, Элой Касагранде. И заявляет он себя так, что невольно забываешь и Кавалеру-младшего, и Долабеллу. Прямолинейная и простая с виду песня звучит не так гротескно долбильно, как могла бы именно благодаря работе Элоя, который помимо всяческих сбивок не чурается также скоротечных бластбитов. И фестивалит он отнюдь не в одной песне, а на протяжении всего альбома, за исключением тех мест, где есть Ломбардо (“Obsessed”) и тех, где группа откровенно ныряет с головой в коллектор. А тут уже никаким талантом и бластами делу не поможешь.

После "Trauma of War" группа сразу решила напомнить мне, обрадовавшемуся было теплу, исходящему от вновь затеплившихся угольков надежды на благополучный исход, что без форс-мажоров она существовать не может в принципе. И об этом она громогласно заявляет уже на “The Vatican” – до отвращения карикатурным, от пафосного вступления вплоть до соло-партии, треком, который можно назвать глумом не только над Ватиканом и институтом Папства, но и над собственным именем. Такой бесхитростный трэш должно быть стрёмно записывать, аж уж как стрёмно такое слушать – мне никакими словами не описать.

А дальше приходит очередь того самого коллектора, где Sepultura самозабвенно купается в течение аж 4-х треков, видно, следуя принципу “Чем ниже падёшь, тем больше возвысишься”. Лишь только на “Manipulation by Tragedy” музыка на время перестаёт быть похожей на неутешительные итоги работы программы “Thrash/Groove Random Riffs 2013”, за что отдельные спасибо перкуссионисту и Киссеру, котелок которого смог сварить рифф, звучащий словно с того света. Да от этого чуда не отказались бы и десяток-другой дэтовых команд! Проделанная группой манипуляция выныривания, однако же, позволила лишь немного приподнять торс над зловонной поверхностью на самом ярком номере альбома – “Grief”. Удивлять бразильцам не впервой (виолончель на “Dante XXI” все помнят?), но услышать от них заигрывания с чем-то постовым (окромя пост-трэша) – из разряда науч. фантастики. Заставить меня ощутить острый приступ горя, или хотя бы помочь нарисовать у меня в голове картины бесконечно мрачных и холодных глубин космоса, где ощущаешь себя ничтожеством размером с атом, музыкантам не удалось – не то амплуа, но они преуспели в деле выдавливания из меня протяжно-удивлённого “Вот это да…”. Да уж, чтобы, наконец, смочь за много лет создать что-то вменяемое в темпе улитки, Сепультуре пришлось отойти от трэш/грува на расстояние пушечного выстрела. Плохо только, что после вязкого и дёрганного трипа середины альбома оставшаяся тройка трэков, включая отвзяную “The Age of The Atheist” – словно мёртвому припарка.

“Kairos” звучал более раскрепощено и шустро, с музыкальной точки зрения он сыгран лучше сабжа, но от него за километр веет смертельной пустотой. Там в риффах нет эмоционального напора, а сам он крошится невнятными и ненужными интерлюдиями. Тут же, несмотря на то, что некоторую часть отведённого для записи времени парни занимаются натуральной пародией на звукоизвлечение, тестостерон льётся из всех щелей вперемежку с адреналином, а это не может не подкупать.

Над итоговой оценкой в кое веки не приходится ломать голову: берём исходные десять песен, выкидываем “Impending Doom”, “The Bliss of Ignorants”, “Tsunami” и последнюю (“The Vatican” оставил себе для актов жёсткого мазохизма) - в сухом остатке имеем 6 трэков. Такова и оценка.

MAX DE SADE  14 ноя 2013

Позвольте мне избежать шаблонных фраз по поводу первого за 17 лет альбома англичан, и, безо всяких раскачек, сразу перейти к делу. Делу, которое достаточно шустро эволюционировало от обнадёживающего “А вообще неплохо!” до разочаровывающего “Ну ёп твою мать…” и окончательно остановилась где-то на усталом “Да идите вы накер”.

“Surgical Steel” не тот альбом, который я ждал с придыханием, считая минуты до его выхода, после которого единственной уместной реакцией могла быть струящиеся изо всех мест эйфория, так и норовящая залить собой комнату. Причина одна – ну не лежит у меня душа ко всему тому, что выходило у группы после 1989 года! Мне нравится, например, “Некротицизм”, но уже он звучал слишком причёсанно и опрятно для моего уха, а уж “Heartwork” и вовсе с другой планеты. Про существование “Swansong” я предпочёл забыть. Но альбом я ждал. Меня распирало банальное любопытство, хотя даже самому упоротому фанату порыгашек первого диска было очевидно, что ориентиром будет выбран “Heartwork”, даже несмотря на отсутствие старшего Амотта, который предпочёл полностью сосредоточиться на родном шведском суррогате.

Залатав брешь в составе свежим телом молодого ударника Дэниэла Уайлдинга, Carcass смогли записать диск, о котором поначалу хочется говорить только в превосходных тонах. В первую очередь в глаза бросается работа инструменталистов, точнее, одного инструменталиста, которая стремится (в прямом смысле) к определению “идеальная”. Чисто и самозабвенно, - наиболее адекватные характеристики игры Стира, но чем больше он стремятся к некой субъективной точке “идеальности”, чем больше наращивает мелодичность и натягивает пружину драйва, тем сильнее музыка теряет такие далеко не вторичные черты, как запоминаемость и эмоциональность. Тот же несчастный, обречённый на частые упоминания в этом обзоре, “Heartwork” чуть ли не половиной тем осел в памяти после первой попытки, а открывающий рифф заглавной песни стал для меня визитной карточкой группы. И это всё, напомню, про альбом, меньше которого мне нравится лишь “Swansong”. Отсюда же я смог сходу запомнить лишь “Captive Bolt Pistol”, да и то только из-за того, что она как бы невзначай косплеит “Carnal Forge”.

Ну пёс с ней, с запоминаемостью, куда хуже обстоят дела с эмоциями и смысловым наполнением. Первые пали жертвой коварной руки Энди Снипа: звук, которой он здесь соорудил, я, себе на беду, поспешил нарекнуть лучшим, что можно было сделать для альбома. С точки зрения гармонии – да, идеальному с технической точки зрения материалу идеальный же звук будет как влитой. Но если бы Carcass играли пауэр. А когда играешь нечто, где есть Death, пусть и далеко не в чистом виде, подобная идеальность только что костью в горле не встаёт. Даже в наиболее хуковые моменты музыка звучит до отвратного плюшево, на фоне чего тот же “Heartwork” выглядит просто монстром, преисполненным четыреждыблядской ненавистью. Да чего уж там: чем больше я слушаю “Surgical Steel”, тем сильнее начинаю ценить “Heartwork”. Спасибо Снипу, что хоть бочку в трещётку не превратил, а то давний пример “Thornography” до сих пор маячит в кошмарах.

По поводу осмысленности: да, играют отлично, да, соло-партий просто завались и они великолепны, да, пацаны вообще ребята, слушай себе, не заморачивайся и не задавай тупых вопросов. Ан нет, назойливый чёртёнок внутри так и норовит исподтишка ввернуть крамольное “А смысл?”. Смысл во всём этом? За вдохновением и откровенным самолюбованием теряется корень всего альбома. Подобные вопросы не возникают, когда вырываешь какую-либо песню из контекста и крутишь-вертишь её себе на радость, но когда поглощаешь альбом целиком, то и без того хромающие на индивидуальность песни сливаются в свистяще-скоростной массив, без чётких границ. Для кого-то это, несомненно, плюс, но лично я хочу хитов. Их было навалом на “Swansong” и “Heartwork”, они обитали даже на первых двух альбомах, а здесь таковой я с натяжкой назову лишь угарную “Thrasher’s Abattoir”, призывающую вешать на столбах хипстеров и позёров. Да и то, сдаётся мне, в этом не столько её заслуга, сколь заслуга её местоположения.

17 лет раздельного музицирования никак не отразились на взаимопонимании Уокера и Стира. Carcass на протяжения всех 47 минут козырят различными скиллами, но козырнуть чем-то, что не лежит в технической плоскости, они не смогли. Что делает их музыку на “Surgical Steel” похожей на ремесленничество. Одно хорошо: прослушивание сего опуса заставило меня менее критически взглянуть на предыдущие их творения. “Surgical Steel” всё-таки смог принести немало пользы. За это спасибо и ему, и группе.

MAX DE SADE  20 окт 2013

Arch Enemy никогда не ходили у меня в фаворитах, но к их дебюту я всегда питал особые чувства. Прямой, как палка, неповоротливый, словно стадо коров, и несущий в себе ненависть человека, которому утром в метро лицо нетрадиц. национальности тычет в нос потной подмышкой, - такой ряд сомнительных характеристик-метафор мне куда ближе, чем взвешенная мелодичность и общий рациональный подход музыкантов на более поздних альбомах. А уж после того, как в далёком уже 2009-м году мне довелось услышать “The Root of All Evil”, я готов был записать альбомы периода Лиивы в неоспоримые шедевры, хотя уже при нём были серьёзные сбои. Та компиляция перезаписанных старых вещей с “обновлённым” звуком и “вокалом” Ангелы диарейной струёй под давлением прошила насквозь мои барабанные перепонки, оставив в мозгу незаживающую рану, уж извините за предельную откровенность. То, что тогда было сотворено группой при наличии нормальной, в общем-то, мотивации, ничем иным, как глумом над старым фондом не назовёшь. И даже локальные успехи не способны затмить убогое сведение и убитую энергетику. Про вокал Ангелы, глотку которой звукачи обработали как могли, сказано уже достаточно в своё время.

Но хватит уже говорить о том, что не заслуживает и пары слов. Ко времени выхода дебютного альбома под маркой Arch Enemy братья Амотты дебютантами отнюдь не были. Старший Микаэль, как известно, успел пройти через мясорубку Carcass, хотя ко времени его прихода в кровожадности они слегка сдали. И этот факт лишил дебют многих проблем “первого альбома”, а если не лишил, то свёл к минимуму негативные влияния оных, а то и вовсе выставил их в лучшем свете. Тэгирование “Black Earth” мелодик-дэтом есть вещь весьма условная, если говорить об этом стиле с позиций популярных его чтений, где, собственно, сам “death” не ночевал нихрена. Это в первую очередь дэт-метал. Плотный, угрюмый, патлатый, шведский. Поданный со вкусом и умеренно приправленный мелодическим компонентом. Но при этом достаточно несбалансированный. Там, где группа хочет поддать жарку, она поддаёт слишком ретиво, порой буквально вдалбливая ноты в голову бетоном риффов. А когда, в редкие моменты просветления, хотят сделать красиво… делают красиво, но эта красота имеет не очень приятное свойство диссонировать с дэтовым аспектом. Ярчайший тому пример – акустический проигрыш в “Cosmic Retribution”, сам по себе звучащий удачно, но, будучи врезанным (по-другому это не назвать) в грубую плоть композиции, он добавил ей нелепости.

Теперь я подошёл к самому спорному пункту ранних альбомов Арчей – вокалу. Господин Лиива в своё время отхватил не один ящик фаллосов от поклонников за полный, по их мнению, непрофессионализм. Их правда. Но если бы не этот непрофессионализм (а это именно он, Йохан со своим вокалом был долгое время на Вы), то и альбом бы звучал ещё более сухо и, не побоюсь этого слова, академично. Чего только не доводилось услышать в отношении бедного шведа: “Он же тупо орёт/базарит/воет под музыку”, “дядька в очках со смешным гроулом”, “невозможно слушать” и прочее из репертуара Ваганыча. Я бы, стараясь не отставать от корифеев юмористического жанра, рискнул описать манеру пения Лиивы, как вой алкоголика на кладбище, где он только что схоронил всю свою семью. Ну какое тут умение петь, когда такая катастрофа? Зато в его голосе столько отчаяния, что оно, кажется, вот-вот перельётся через край и польётся голубовато-ледяной жидкостью из динамиков, столько боли и безнадёги, что ткань времени не выдержит, порвётся под этим натиском… И всё это подано искренне, без фальши, а это дорогого стоит. Несмотря на чуть большую симпатию к его вокалу на “Burning Bridges”, его работа на дебюте хороша тем, что идёт неразрывно с музыкой, взаимодополняется с ней, добавляет ей глубины и эмоционально насыщает композиции. На “BB” же, показав куда большую гибкость (а также пару раз находясь на грани асфиксии в одной только “Dead Inside”), хорошей корреляции добиться не удалось – с музыкой-то там совсем уже беда.

Отдельным вниманием удостаивать какие-то песни не буду по причине того, что “Black Earth” ровен и гладок, как попка младенца. Кроме того самого акустического куска отсюда не выпирает ровным счётом ничего и обозначить какие-либо хайлайты для меня не представляется возможным. “Black Earth” сам по себе хайлайт. Скажу только, что “Bury Me an Angel” и “Dark Insanity” на старте дают такого сочного пинка слушателю, что дальнейшее продвижение по альбому происходит без сучка и задоринки. И, как назло, именно их было решено привнести в жертву на “The Root of All Evil”… Подонки знали, куда бить.

MAX DE SADE   4 окт 2013

Лучший.

Только такого лаконичного эпитета заслуживает “Circle” – свежий альбом всегда свежих финнов, которым и болота по колено, и Перкеле - брат родной. Собственно, этим определением можно и ограничить обзор, не пытаясь дальше подогнать под него доказательную базу, подбирать нужные слова и постепенно теряя связь с реальностью, уноситься в своих размышлениях за пределы рассматриваемого. Но ведь так хочется отдать дань группе и сказать простое “спасибо”, пусть сухие слова не могут полностью передать ощущений и того восхищения, что вызвал во мне “Circle”.

Не знаю, вкладывали ли финны какой-то конкретный смысл в название альбома, но даже если это не так, в нём видится некий символизм. Многие порой упрекали и упрекают группу в некой закольцованности их позднего творчества, в отказе от поиска новых составляющих, эксплуатации одних тех же идей и т.д. Зерно истины в этом есть, но я предпочитаю рассматривать их движение, начиная с “Eclipse”, как движение по прямой, с лёгкой рябью (единичными отходами в “тяжёлые” области), и, рано или поздно, эта прямая должна была либо кардинально сменить вектор, либо замкнуться, либо завязаться тугой петлёй на шее группы... И, пусть это и прозвучит как тавтология, но “Circle” замкнул круг. Медленно и усердно аккумулируя наработки, идеи и энергию на “Eclipse”, “Silent Waters” и “Skyforger”, уже на “The Beginning of Times” группа начала конкретно тащить, а сабж вовсе взорвался сверхновой - красивейшим последним моментом в жизни звезды. Аналогия пусть несколько пугающая (всё-таки хочется, чтобы это был не последний момент группы), но достаточно чётко отражающая суть: Amorphis записали чудесный альбом, превзойти который финны если и смогут, то не в этой жизни.

Сразу хочу предостеречь от неверных толкований моих слов про предыдущие релизы – они ни в коем случае не являются статистами, как это может показаться. Несмотря на общую схожесть между ними с точки зрения как музыки, так и концепции, в них всегда находились нюансы, позволяющие им звучать отлично друг от друга, и каждый из них можно было рассматривать как самостоятельную единицу. Но после выхода “Circle” случилось непоправимое – они потеряли свою независимость, превратившись в один мощный пролог перед сабжем. И лишь за это я готов его ругать.

Главной особенностью “Circle”, в первую очередь, является заложенная в него амбивалентность. Он одновременно один из самых тяжёлых, и, в то же время, местами он звучит так легковесно, а Томи берёт такие неестественно для себя высокие ноты, что уши на лоб лезут. Для проверки этого тезиса достаточно ткнуть в “Hopeless Days”. С другой стороны поражает умение комбинировать стили, не давая при этом альбому рассыпаться. Фолковые инфлюэнции насыщают в тех или иных дозах почти все песни, обретая пристанище в чудесной “Narrowpath”, а лёгкая прогрессивность звучания не сбивает с толку, но добавляет терпкие нотки.

Но это всего лишь попытки рассмотреть диск, с максимальной долей объективности ища в нём в нём отличия от прошлых работ. На самом же деле, ничего нового финны не показали, всё, что присутствует на “Circle” было отчасти характерно и для “Eclipse”, и для “Skyforger”. Основа успеха здесь – доведение каждого аспекта чуть ли не до совершенства, тщательная обработка деталей, баланс. Скрывать не буду, “Circle” является первым альбомом с Йоутсеном, который я слушал на одном дыхании, и в котором практически нет слабых мест. При всех своих несомненных достоинствах, ни “Eclipse”, ни “Silent Waters”, ни “Skyforger” так и не смогли растворить меня в себе полностью, стать неотъемлемой части моего музыкального мирка. Какими бы отличными ни были “House of Sleep”, “Brother Moon”, “Weaving the Incantation” и “From the Heaven of My Heart”, - их усилий недостаточно. А тут просто некуда деваться. Если в куплетных частях отдельных песен ещё можно отвлечься и спокойно полистать буклет (который весьма “не весьма”, должен сказать), то припевы лишают подобной свободы действий и намертво приковывают внимание к альбому. Почти в каждом треке эта составляющая вызывает как минимум сдержанный восторг, но самая жара таится в безусловном хайлайте – “Nightbird’s Song”. Припев гроулом там способен мёртвых пробудить, а сама песня, словно раскалёнными гвоздями, вгоняет бесов во всё живое. Дежурные тяжёлые треки всегда были визитной карточкой позднего Amorphis, но редко когда они были, собственно, лучшими на диске. Если быть точным – никогда. Ни “Perkele”, которая в своё время немало шороху наделала, ни “Soothsayer” (не лучшая, но одна из лучших в 2011-м), ни, тем более, безобразная “Majestic Beast”. И уж совсем нельзя было, как казалось, рассчитывать на изменение в этом плане на “Circle”, где количество неоспоримых хитов перевалило за все мыслимые пределы, в связи с чем “Nightbird’s Song” могла претендовать лишь на статус “не испорчу обедни”. А она её украсила, став главным блюдом.

Не испортил этой обедни (хотя и очень пытался) и Питер Тэгтгрен – человек, имя которого наводит ужас на любителей качественно сведённого материала. А с недавних пор - качественного материала вообще. Лично мне до сего момента личность Питера как музыканта была до одного места, а как продюсера – до более далёких мест. Но когда пути финских кудесников мелодичного металла и гения продюссирования пересеклись, мне стало очень интересно, зачем господин с фамилией, где согласных в три раза больше гласных, захотел из “Circle” выковать очередной “Virus”, где гитары вместо стены звука создают стену песка, а ударные звучат словно из прямой кишки. За убитые бочки, например, считаю необходимым сломать ему пару пальцев, и ещё один, авансом за будущие “свершения” на этом поприще. Но как бы он ни старался придать альбому неестественное для него звучание, тот всё равно звучит так, как и должен звучать один из лучших релизов года – незашоренно, свежо и хитово.

MAX DE SADE   2 июн 2013

Хотя Dark Tranquillity в интервью, предваряющих выход “Construct”, напрямую не говорили о каких-то конкретных особенностях грядущего альбома, определённые намёки трудно было не заметить. Достаточно было слов про самый разноплановый альбом со временём “Projector”, а уж цепляться за слова фанаты ой как любят. И, несмотря на то, что разговор был лишь про разноплановость (которая группе была присуща всегда), а не про какие-то схожие с “Projector” черты, на выходе получилось, что самый интересный релиз шведов был упомянут не зря. “Construct” действительно куда ближе к альбому 99-го года, чем, например, “Fiction” или “Damage Done”, и убедиться в этом предлагают сразу. “For Broken Words” выглядит выигрышно уже хотя бы из-за того, что не является провальным стартом, каким была “Shadow in our Blood” в 2010-м, но и сама по себе она открывает черты, не присущие группе в её нынешнем состоянии – угрюмая, рваная среднетемповость и необъяснимая тревога. Однако же, данное настроение не становится лейтмотивом всего альбома, лишь эпизодами напоминая о себе. Первое, что бросается в уши и, в то же время, сразу напоминает “Фонаре” – обволакивающая лёгкость и теплота, чего было в жизни не дождаться от обмороженных “Fiction” и “We Аre the Void”. Помимо этого, в качестве сходных данных можно отметить также пренебрежение, собственно, самим понятием мелодик-дэта, что выражено в формальном его использовании, да и то больше в качестве связующей нити и мнемонического элемента. Плюс к этому: достаточное количество чистого вокала (его не больше, чем 3 года назад, но из-за смягчения музыки он стал звучать гармоничнее), заметный упор на атмосферность, в ущерб железу, смазанные риффы, которым редко присуща характерные для жанра чёткость и конкретика. Пространность изложения и полный отказ Jivarp’a от бластбитов, которые уже в 2010-м звучали до отвратного неуместно. Казалось бы, группа смогла сотворить почти невозможное – шагнула в ту же реку второй раз, вдоволь удовлетворив потребность любителей меланхолии и загадочности от Dark Tranquillity. Но почему в голову продолжают упорно лезть паучки сомнений, а рука всё сильнее тянется достать с полки отнюдь не “Projector”, а вовсе “Haven”?

Поначалу на данный вопрос отвечать не хотелось совершенно – мешала эйфория и сладостная эмоциональная истощённость. Но потом, проветрив голову и подключив к анализу главный мыслительный орган, с трудом оттеснив от этого занятия дух, который требовал more, на этот вопрос пришлось ответить. Все те общие черты, которые, казалось, намертво привязывали “Construct” к “Projector”, по сути, поверхностны. Альбом 99-го, несмотря на наличие бодрых “ThereIn” и “The Sun Fired Blanks”, держался спокойного темпа, без излишних эмоциональных всплесков, в то время как на сабже у шведов как будто шило в заду. Таких почти что плясовых шлягеров, как “Endtime Hearts” и “State of Trust”, в 99-м году отродясь не было, как, впрочем, и излишней сентиментальности. К тому же, “Projector” - альбом насквозь интровертный и туманный, живущий в сумраке, в последние мгновения заката и в первые секунды рассвета. “Construct” же, даже при наличии замкнутых в своём тесном панцире тем, язык не повернётся назвать тёмным, скованным, нелюдимым и тому подобное. Он буквально светится и таит в себе немалые дозы оптимизма.

И вот на этом месте следует, наконец, оторваться от титьки “Прожектора” и уделить всё внимание индивидуальности рассматриваемого альбома. Вышвырнув рациональный мелодик-дэтовый элемент своей музыки на обочину повествования, DT не рискнули заполнить образовавшийся вакуум каким-то другим компонентом, а сделали его основой альбома. Вакуум этот не того рода, что присутствовал на “We are the Void”, когда говорящее название альбома подтверждалось скудностью риффового багажа, из-за чего целые песни проваливались во тьму забвения. По-другому говоря, вакуум здесь создавался целенаправленно, а не появлялся случайно. Большую роль в превращении смертельной для музыки пустоты в пустоту живительную сыграл… Пост-рок. Не спешите, однако же, остервенело рвать волосы на лобке и упрекать группу в слабости перед трендами. Талант, опыт и профессионализм DT позволил им чётко очертить границы дозволенного и не допустить сползание в зефирные грёзы. Постовость тут витает в атмосфере, опадая прохладными каплями дождя на холодный металл музыки “Construct”, но никак не становится обособленным элементом. Ярким примером данной взаимосвязи является несомненная удача альбома “What Only you Know”, где очередная готик-металлическая ремарка группы до предела насытилась клавишной воздушностью и гитарной разреженностью, сделавшими эту песню явлением, никак не меньшим, чем “Her Silent Language”.

На протяжении десятилетия Dark Tranquillity умудрялись успешно эксплуатировать идеи, зачатые ещё на ”Haven”, но сегодня настал тот момент, когда что-то необходимо было сломать. Уже на “We Аre the Void” чувствовались побочные эффекты от движения в одном направлении, а очередной альбом в том же духе мог серьёзно пошатнуть позиции шведов. “Construct” – это, в первую очередь, отказ от застарелых форм, ради профилактики потенциальных дисфункций в дальнейшем, но в то же время, это узнаваемый почерк, профессионализм и невероятно хитовый материал. Это не второй “Projector”, это – первый и единственный “Construct”.

MAX DE SADE   2 июн 2013

Так уж исторически сложилось, что четвёртому полноформату англичан выпала честь быть неким переломным моментом, границей, что скальпелем рассекла жизнь группы на “до” и “после”. Честь, разумеется, почётная. Но если прислушаться к мнению, например, олдовых поклонников, которые, как это часто, к сожалению, бывает, видят лишь чёрное и белое, то создаётся впечатление, что Дани сначала работал на имя, а после “Midian” пустился во все тяжкие. Ну, вы понимаете: рубка зелени, эксплуатация имени сугубо для съёма готишных малолеток в пабах, звонко положенный болт на творчество, и тому подобная белиберда. Но если откинуть утрирование и язвительность, то приходит осознание того, что разумное зерно в этом есть. Но только с той точки зрения, что Дани, а, следовательно, и группа, изменились.

По-хорошему, отсчёт метаморфоз следует начинать не отсюда, а годом ранее, когда вышел “From the Cradle to Enslaved”. Именно на нём стало заметно, что группа постепенно рвёт корни, уходя в сторону. Заглавная тема, при всей своей характерной кровожадности, уже выглядит довольно форматно, а “Of Dark Blood and Fucking” своей угарной подачей вовсе чуть ли не шаблоны рвёт. Уже тогда надо было готовиться к тому, что грядущий кругляш вполне может шаблоны досрывать окончательно. Но “Midian” при действительно очевидном крене в сторону “квадратности”, упрощения, звучит всё же не настолько экстраординарно. Почерк группы узнаётся моментально, а это значит, что дух испущен не был.

Как уже вошло в традицию, перед записью альбома была пущена старая кровь и перелита свежая. Минус: Николас Баркер (не вынес сведения ударных партий для “CATB”. Во сне, наверно, до сих пор икается), Лес Смит (литры кровищи тоже могут надоесть. Ушёл в более спокойную обстановку Anathema), Стюарт Анстис. Плюсы: торжественное возвращение Пола Аллендера (ага, пока ещё радуемся), Мартин Пауэлл и Эдриан Эрландссон. По сути, всё шло к тому, что группа не только не втянется в сомнительные эксперименты, но и вовсе шагнёт в багрово-красные глубины своего прошлого. Ведь если Дани является лицом, голосом и сердцем команды, Пауэлл (Б. Райан, Дэмиен Грегори, Лектор – нужное подчеркнуть) - декоратором, то мозгом был и есть до сих пор Пол. И именно он, в основе своей, определял звучание Cradle of Filth в начале 90-х. А это были и дэтовые демо-записи, и “The Principal of Evil Made Flesh”, что был уже блэковым по форме, но хранящий в себе варварский дух демок. Короче, второе пришествие Аллендера обещало более чёткие рисунки композиций, акцент на гитарах и, как следствие, по-настоящему тяжёлый релиз.

И обещание своё он сдержал – пресловутая тяжесть льётся из всех щелей, заполняя собой до предела пространство альбома. Данный фактор стал настоящим испытанием таланта Пауэлла, которому необходимо было не только написать партии, не уступающие в изысканности и профессионализме образцам Лектора и Дэмиана, но и умело встроить их меж владений Пола, не растворяя клавиши в гитарном массиве. С задачей он справился легко и играючи, доказав тем самым, что обладает практически неограниченным талантом. Который, по правде говоря, и позволял группе звучать вменяемо ещё 4 года. Ведь после его ухода было окончательно обнажено гитарное паскудство, что ярко проявило себя на “Thornography”. Дальнейшие успехи команды (а этих успехов на данный момент аж целых два) были достигнуты за счёт умения нагнетать атмосферу в одном месте, и проснувшегося стыда Аллендера с умением Скарупки различать клавишу с другой. Ни отнюдь не бесталанная Эшли, ни человек, имя которого уже просто противно вспоминать, за выделенное им время (у второго персонажа этого времени было вагон и маленькая тележка, которое он наполнял лишь навозом) не смогли стать полноценной частью Cradle of Filth. Очень не хочется в тысячный раз заострять своё внимание на Поле, но сложно говорить о “Midian” (как и о группе в целом), не предоставляя должного внимания его персоне. Говоря о привнесённой им тяжести, стоит не забывать, что тяжестью-то всё, собственно, и ограничилось. И если на “The Principal of Evil Made Flesh” это в глаза особо не бросалось, то на сабже начали проявляться симптомы творческой ограниченности. Простая и незамысловатая риффовка проявляясь и раньше, но игра того же Стюарта содержала в себе весомую тремоло-составляющую, что позволяло делать основу альбомов ровной и мягкой, безболезненно для атмосферы диска впитывающей в себя клавишные и вокал, плюс, конечно же, чувство мелодии, которым Анстис был наделён. Аллендер, бесспорно, тоже наделён подобным чувством, иначе, не было бы у нас ни “Nymphetamine”, ни “Swansong for a Raven”, ни “Frost on her Pillow”. Загвоздка здесь лишь в том, что он как та, простите, палка, которая раз в год стреляет. Ему больше доставляют удовольствие прямые, строгие формы, объём, соло. Thrash, попросту говоря. А это куда сложнее привести в гармонию с всеобъемлющим клавишным поливаловом.

Но несмотря на потенциальные и вполне себе воплотившиеся проблемы, “Midian” не только увидел свет пышущем здоровьем и злобой, но и сумел стать сосредоточением двух эпох: в нём пришли в гармонию друг с другом магия прошлых работ и первобытная дикость с упрощённостью нескольких последующих. Первая скоропостижно скончалась уже через год, когда свет увидел необязательный “Bitter Suits to Succubi”, а вторая расцвела в 2003-м, когда безмятежный эфир был разорван в клочья тупым, но искренним в своей ненависти ко всему, что смеет ходить по земле, “Damnation and a Day”. К сожалению, запала хватило лишь на один альбом и, приведя в напряжение в последний раз паховую область на “Gilded Cunt”, передав тем самым эстафетную палочку “Nymphetamine”, группа всем составом ринулась делать красиво.

Перемены переменами, но, даже неся в себе болезнь переходного периода (пусть и несильно проявляющуюся), “Midian” всё равно звучит на голову выше всего того, что выходило у группы после. Ибо здесь в последний раз проявила себя та магия, что неразрывно следовала за англичанами на протяжении 90-х, тлеющие останки которой они старательно пытаются оживить по сей день. И именно с последней на данный момент попыткой восстать из пепла, “Manticore and Another Horrors”, можно сравнить “Midian”, не столько с точки зрения индивидуальных качеств, сколько с точки зрения эпох, ведь альбом 2012-го, пожалуй, самое целостное, законченное и вменяемое произведение группы за 12 лет. Но даже таковому альбому не под силу тягаться на равных с “Midian”, пусть последний и является далеко не самым сильным произведением группы. Тут даже сопоставлять нечего: закольцованный драйв “For Your Vulgar Delectation” сам по себе не жилец на длинной дистанции, а уж на фоне, например, квазиавангардного панкушного забоя “Death Magic for Adepts” он умирает быстрой и мучительной смертью; “Lord Abortion”, несмотря на наличие нарочито тупого риффажа, которым только что дрова колоть, всё же выглядит куда серьёзнее и суровее прямолинейной, выхолощенной долбы “Huge Onyx Wings Behind Despair”, а практически венец того альбома, “Frost on her Pillow”, вдрызг проигрывает классической, но отнюдь не самой сильной “Her Ghost in the Fog”. Единственное, что хоть как-то приближает последний опус британцев к их лучшим работам, это “The Abhorrent”, где группа снизила градус плюшевости и выдала такого жару, что у чертей в аду наверняка припекло зад.

В завершении хочется сказать… ничего. Сказанное выше не оставляет пространства для маневров в части подытоживания, да и о чём вообще тут ещё говорить? “Midian” расскажет всё сам, языком музыки. Целый мир на небольшом кругляше.

MAX DE SADE  11 май 2013

Если взглянуть на те исходные материалы, что были использованы для создания “New World Shadows”, то невооружённым глазом заметно, что вырасти из этого могло что угодно, но только не тот образчик стройности и строгости множества линий, что появился на свет 2 года назад. Если уж совсем по-честному, то “NWS” очень похож на недоразумение, которому повезло. Куда ни кинь, всюду клин: через прорехи в ритм-гитаре можно стадо слонов провести (на фоне чего красивости лид-гитары выглядят просто дико), вокал живёт какой-то своей жизнью, звук серпом косит эмоции уже на дальних рубежах, and so on. Мелодии, неравномерно раскиданные по альбому, вообще, кажется, образовались чисто случайно. И вот этот, в прямом смысле слова, бардак уродился потрясающе цельным, логичным вплоть до каждого звена и законченным альбомом. “New World Shadows” – это, прежде всего, образчик гармонии там, где её не должно было быть, и меланхолии, вырвавшейся из бетонного заточения мегаполиса и, сбросив копоть на крыши домов, взлетевшей белым голубем к хрустальной чистоте неба.

Что делать с подобным наследием дальше? Вариантов было с гулькин нос, и финны решились на эксплуатацию идей “NWS”, явно наплевав на возможные обвинения в самоплагиате, отсутствии свежих идей и нежелании куда бы то ни было двигаться. “Beyond” – плоть от плоти “New World Shadows”, и это услышит даже глухой. Но за почти полным штилем в плане перемен во внешних данных, некоторые поветрия сказались на эмоциональном аспекте альбома. “NWS”, созерцательный и приятно инертный, дрейфует в небесном эфире, не заботясь о материальной стороне бытия, пассивно взирая на суетливое мельтешение жизни. На “Beyond” же группа встала на путь эмпатии, чёткого прорисовывания спектра эмоций. Приземление на грешную землю способствовало большей конкретизации (если не сказать стандартизации) музыкальной составляющей, рассредоточению всеобъемлющей меланхолии по отдельным трекам и более ощутимому размежеванию песен на боевики и медляки. Альбом вообще вышел на удивление нестройным и шатающимся, как бы он ни пытался всеми силами спроецировать на себя монолитность предшественника. И вина здесь не столько в том, что музыканты не смогли уберечь от разрыва ту нить, что связывала между собой песни “NWS”, а сам “NWS” с “Beyond”, сколько в том, что они пошли на некоторые, относительно небольшие, уступки, поменяв в паре мест не только настроение, но и подкорректировав стилевые линии. Последнее демонстрируется явно чаще, чем то позволяет малогибкий стиль группы. Оставим за скобками характерное уже влияние пост-рока, что активно себя проявляет в эпиках, вроде “The Unknowing” и “The White Palace” и просто каким-то чудом не преобразует группу в адептов пост-металла, и посмотрим на частности. На “Formidable” наблюдается явный крен в сторону готик-металла, где промеж гроула и гитарной стены звука так и ждёшь прохлады женского вокала. “The Sonic Sign” иначе как переосмыслением творчества Amorphis на мелодэтовый лад не назовёшь, а шустрая “Living in Me” – неприкрытая ностальгия по “Stuck Here on Snake’s Way”. Но вот с легкомысленными медляками группа пока не очень дружна, что подтверждает знакомство со здешним представителем этой фауны – “Who Could Say”. Нет, проблема совершенно не в том, что песня плоха, а том, что парни всё никак не могут записать что-то от себя, и пишут от других. И если на прошлой попытке взгрустнуть (“Just Signs”) отчётливо просматривалась бородатая харя Фридена, то тут во всю сияет бритая голова Микко Котамяки: песня представляет собой вариант того, что было бы, если бы Swallow the Sun после “New Moon” совсем потеряли совесть и двинулись по направлению к To/Die/For. В общем, типичный финский продукт - нарочито слащаво и проникновенно.

Но это всё мелочи, практически не нарушающие целостность альбома. Нарушает её только одно, и это тот самый случай, когда деструкция идёт во благо. Тёмным цветом ночи посреди сапфиров сияет здесь величественная “Nightwalkers”. Тревога, осторожно проявляющая себя на первых двух песнях, здесь становится лейтмотивом, не скрывается более за светлыми отрезками, ныряет сама в себя, преобразуется. Не относясь формально к думу, “Nightwalkers” успешно играет на его поле, с точностью палача вгоняя гвозди минора в душу. А уж “гвозди” тут на любой вкус: безжалостное колючее тремоло, безысходно-тоскливый плач гитары, спокойные переливы клавиш, от которых всё внутри холодеет. Подобное я ожидал если только от Katatonia, в другой реальности, но никак не от Omnium Gatherum здесь и сейчас, для которых подобного рода настроения – нонсенс. Главным минусом “Nightwalkers” является, пожалуй, то, что на её фоне остальные песни кажутся слабее, чем они есть, хотя единственным слабым местом тут является “White Palace”, до которой, в принципе, можно и не доходить – она закрывает альбом.

“Beyond” по (высокому) качеству предоставляемого материала является ровней “New World Shadows”, но, даже невзирая на естественные сходства между альбомами, этого качества они добиваются по-разному. Да и не в этом суть - “New World Shadows” я ставлю немного выше лишь потому, что он был Явлением, свежим воздухом, а “Beyond” просто не испортил перешедшее к нему наследство, попутно добавив новые, интересные штришки.

MAX DE SADE  24 мар 2013

…словно в жуткой лихорадке, ползёшь через пустоту, в окружении сонма образов. Хаотично размахивая руками, безнадёжно пытаешься разорвать окружающую темноту, вырывая куски из пространства… Когда глаза не видят, сложно найти тот луч, что выведет тебя из галлюцинаций…

К счастью (а может, к сожалению), но это не описание того, что происходит на новом альбоме Tiamat. Йохан не решился вновь встать на скользкую тропу середины 90-х, когда вещества шептали ему сновидения, а продолжил то движение, которому было дано начало на рубеже веков. “The Scarred People” - альбом, потенциал которого был если не безграничным, то наверняка наибольшим из всего того изобилия релизов, что радовали и огорчали в этом году. Спотыкаясь то на одном альбоме, то на другом, мысль, что в конце года будет то, что не способно огорчить в принципе, согревала. Ведь Йохан просто не способен гнать порожняк, это аксиома. Отличительной чертой большинства альбомов Tiamat являлось умелое манипулирование Эдлунда чувствами и эмоциями слушателя. Человек для него – пустой сосуд, который нужно заполнить, заставить его разделить с ним свое текущее состояние, сделать своим собеседником. “A Deeper Kind of Slumber” доводил до того, что неизбежное окончание альбома воспринималось как смертельное приземление на холодный асфальт реальности, после волшебного полёта меж облаков иллюзий. Под “Skeleton Skeletron” хотелось упиться до смерти, утопив себя в табачном дыме и меланхоличных думах, а “Judas Christ” мог сотворить из любого человека циничную самовлюблённую скотину. В противовес этому “Prey” обнажил сентиментальную сторону Йохана, показав его романтиком. И лишь “Amanethes” шатает из стороны в сторону, - там Йохан мечтательно грустит об уходящем лете, тут - любуется агонией небесного существа.

Вся та ахинея, что написана вначале, является болезненной реакцией на “The Scarred People”. По первым впечатлением совершенно невозможно понять, что автор хочет показать слушателю, но быстро понимаешь, что он не хочет вообще ничего. Альбом пронизывает такой, извините, по*уизм, что попытки подобраться к нему с полярным настроением, в разное время суток, в иной обстановке и т. д. оканчиваются одинаково – ударом лбом о стенку безразличия. В связи с чем бродяжничество (а по-другому это не назвать) по релизу в поисках укромного уголка превращается в форменное страдание. А ведь ничего экстраординарного тут нет: Tiamat всё также лёгок, многословен и глубок. Базовая часть, по-прежнему радующая объёмом и содержательностью, по старинке разряжается несколькими бесхитростными хитами, а планка психоделии держится на таком уровне, при котором полное взаимопогружение достигается без помощи разного рода стимуляторов. Любителей же порыться в могилах истории может слегка воодушевить тот факт, что, будучи типичным представителем позднего Tiamat, “The Scarred People” наиболее ярко проявляет черты любимого всеми “Wildhoney”. Это и душащий зной в “384”, и расслабляющая акустическая “Tiznit”, словно бы затерявшаяся в недрах Woodhouse Studio в июле 1994-го, и найденная уже в 2012-м, и это, наконец, "The Red of the Morning Sun" - бесподобный опиумный наследник "Do you Dream of Me?". Да и обстановка в целом – жаркое лето, постепенно погружающееся в недра ночи, оставляя на память о себе зной и щебетание птиц. Согласитесь, это куда как ближе к сути “Дикого Мёда”, чем несколько трэков прошлого альбома, очевидно являющимися просто утяжелёнными версиями того, что было ранее, что, однако, никак не мешает отдельным людям до сих пор говорить про “возвращение к корням”. Не было у Tiamat таких корней. Однако же, можно сколь угодно долго тешить себя мыслями о похожести на что-то там, но суть дела это меняет едва ли. На всех предыдущих альбомах фавориты распознавались быстро, а этот полноформат можно прогнать раз двадцать, и при этом совершенно не понять, что здесь хорошо, а что плохо. У большей части песен, при наличии отчётливой формы, совершенно не распознаётся концепция, смысл. Лезешь в буклет за помощью, а там та же картина - лирика непостоянна и при кажущейся прозаичности, максимально абстрактна, как фон, на который она нанесена в буклете. У Эдлунда, в принципе, и раньше не было особо “легких” текстов, но будучи вплетенными в здешние композиции, они лишь усиливают эффект, при котором кажется, что ты стал тугоухим дураком. Если же взглянуть на вещи, призванные разбавить главенствующую размеренность и спокойствие живительным драйвом, то тут тоже не всё как у людей. “Love Terrorists” сложно воспринимать адекватно из-за постоянного чувства déjà vu (легко догадаться, почему); заглавный трек, при наличии цепкого мотива, выглядит громоздким и неповоротливым, не в последнюю очередь из-за излишней продолжительности, а бойкая “Thunder & Lightning”, в свою очередь, уж слишком контрастирует с остальным материалом (даром, что написана была изначально для Lucyfire). Но если первоначальный вариант песни выглядел действительно живым и дышащим, то после превращения в часть Tiamat в неё проникла распирающая весь альбом апатия. А как же иначе? Всё должно быть слито воедино, под знаком Безразличия.

Что же делать тогда? Для начала, перестать считать, что Эдлунд всем всё должен и забыть о тех временах, когда ты был желанным гостем в храме Tiamat. Подходя к “The Scarred People” с позиции потребителя, рассчитывающего быстро разобраться с релизом, будьте готовы узреть массивный кукиш перед собственным ошарашенным лицом. Попытки же взять альбом измором приведут к чувствительному и разгромному поражению. Нужно дать время “The Scarred People”, и он, пусть не сразу, постепенно, поглотит тебя, и язык боле не повернётся сказать о нём что-то нехорошее, а песни, что поначалу казались бессмыслицей, бредом и недоразумением, станут не только частью жёсткого диска или плей-листа проигрывателя, но и всей жизни. Просто нужно понять и принять тот факт, что Йохан теперь такой. Не хуже, не лучше, а просто такой – блистательный в своём пофигизме.

MAX DE SADE   9 дек 2012

Cradle of Filth кота за хвост не тянут. Полноформаты стабильно выходят в среднем раз в два года, но и в этом небольшом промежутке зачастую находится место разного рода изданиям, начиная от EP, вроде “From the Cradle to Enslave”, и заканчивая недоальбомами, вроде “Bitter Suits to Succubi”. Вслед за выходом “Darkly, Darkly Venus Aversa”, после которого, по-хорошему, надо было брать длительный отдых, англичане расщедрились аж на два релиза. EP “Evermore Darkly” был сразу забыт (запоминать-то там особо и нечего), ибо после него ожидался выход релиза, потенциально способного превратить эротические сны любителей “старых” Cradle of Filth в явь – компиляция из перезаписанных на оркестровый лад песен с первых четырёх альбомов (формально трёх, ибо “Vempire” всё же относится к EP) группы. Но большая часть поклонников, вместо попадания из мира сновидений в золотые деньки начала-середины 90-х, была крепким пинком аккурат под зад выброшена в объятия суровой действительности. Тут как нигде уместна крылатая фраза “Благими намерениями вымощена дорога в Ад”. Задумка блестящая, но, мало того, что, собственно, никакого оркестра здесь в помине не было, так ещё и переделку классики доверили сомнительной персоне Марка Ньюби-Робсона. И если до этого в его сторону звучало лишь пренебрежительное “фи” и советы слушать больше академической музыки, то после “Midnight in the Labyrinth” у любого уважающего себя поклонника группы должно было неизбежно появиться желание сломать Марку руки. Так топорно переложить восхитительный материал на симфоническую основу, изуродовав, по сути, золотой фонд группы – это надо уметь. Шарм потонул в мутной симфонической жиже, мелодии размазались до неузнаваемости, атмосфера иссякла… Группа, казалось, чужими руками поставила крест на своём наследии…

Выход юбилейного, десятого альбома команды, под названием “The Manticore and Other Horrors” был намечен на 29 октября сего года, но новость эта, вместо того, чтобы радовать, вполне логично посеяла зёрна сомнений: “А оно мне надо?”. Опасаться за качество грядущего материала было вполне оправданно, даже не с точки зрения спешки, с которой за два года было наделано аж три релиза, а на фоне впечатлений от “Darkly, Darkly Venus Aversa”. Именно тогда, в 2010-м, скрываясь за сомнительного качества обложкой, группа показала, что она иссякла. Настал тот миг, когда Cradle of Filth перешли воображаемый Рубикон, за которым скрывалась пропасть. Казалось, что из стиля, который группа культивировала на протяжении без малого десяти лет, уже выжали все возможные соки, процентов 80% песен там не то, что упирались в тупик – они с него начинались. И для того, чтобы убедить всех недовольных, что они способны держаться на плаву, пришлось бы проводить не точечные реформы, а целую революцию. Окончательно добили надежду на вменяемый материал стрёмная фотосессия к альбому и интервью Дани, в которых он не отказался в очередной раз натолкать пару пафосных телег про “неоклассических шлюх” и “сырую кровавую ярость”. Ведь ещё после выхода “Аверсы” стало ясно, что его красивым метафорам верить не стоит. Оттого ещё ярче было удивление, а впоследствии и впечатления от альбома, после вздоха последней ноты “Sinfonia” – они все ещё Могут. Как и что они могут, демонстрируется с места в карьер, - “The Abhorrent” предстала передо мной симбиозом ярости и испепеляющей атмосферности оркестровок, а настырный рок’н’ролл “For Your Vulgar Delectation” с простотой и эффективностью кувалды раз за разом вбивал гвозди в гроб сомнений. Эти две песни чётко раскладывают составляющие всего альбома, - есть мнение, что группа в кои-то веке собралась с мыслями и, скрупулезно проанализировав всё то, что насоздавала за 11 лет, собрала лучшее оттуда, создав на этой основе данный альбом. На “Мантикоре” нашлось место драйву и раскрепощённости “Thornography”, энергетике и напору “Godspeed’s on the Devils Thunder”, а редкая мелодика не затерялась бы на “Nymphetamine”. И всё это собрано воедино не кое-как, как то было двумя годами ранее, а с чувством, толком, расстановкой. Свершилось, по сути, невозможное: основная движущая сила группы - в лице трёх физиономий - смогла, наконец, осознать, что ситуация им неподконтрольна, и бездна давно уже всмотрелась в них. Конкретно по физиономиям: 1) Аллендер наконец-то перестал изображать из себя того, кем он отродясь не являлся, и сделал ставку на то, что он лучше всего (и единственное) умеет делать – рисовать незамысловатые гитарные рисунки, изредка снабжая их отменными соло. Риффы больше не седлают друг друга с энтузиазмом похотливых кролей, что избавляет альбом от какого-либо подобия несъедобной каши, а в “Frost on her Pillow” Пол вспомнил, что он, вообще-то, создатель “Nymphetamine”, и сподобился на написание настолько чудесной мелодии, что хочется простить ему все его прошлые прегрешения разом. Беда лишь в том, что ближе к концу силы иссякли, и песня свалилась в мутное болото, из-за чего не стоять ей в одном ряду ни с упомянутой чуть выше “Nymphetamine”, ни с “The Death of Love”. А каков был потенциал! 2) Дани в плане вокала больше не является убогой пародией на самого себя же, периода двух последних альбомов (когда, казалось, что он вот-вот склеит ласты), и впервые за 6 лет запел нормально. Признаться, правда, мне всё же очень не хватает того осатанелого рёва, что огнём прожигал насквозь полотнища 2000-2004-х годов, но если попытки повторить былые вокальные подвиги неминуемо обернутся позором, то лучше просто радоваться тому факту, что после 20 лет нещадной эксплуатации собственных связок Дани вообще способен издавать хоть какие-то звуки. А вот рожа №3, носителем которой является бритоголовый барабанщик Мартин Шкарупка, совершенно внезапно сотворила небольшую сенсацию. Которая заключается отнюдь не в том, что после “Аверсы” Мартин тоже сделал определённые выводы, став стучать сбалансировано и уместно, и даже не в его умении тыкать по монохромным клавишам (если хоть немного ознакомиться с его биографией, то можно найти много интересного), а в том, что его клавишные пассажи и оркестровые заморочки впервые со времён Пауэлла стали полноправными членами данной богадельни. После многих лет губительного минимализма Ньюби-Робсона, где симфо-часть выглядела ненужным обивочным материалом, объёмные, будоражащие струнные всплески и фортепьянный аккомпанемент (наиболее полно раскрытый в “Siding with the Titans”) слушаются свежо, а на робкую попытку возродить тот самый Старый Дух в “The Abhorrent” организм отвечает горючими слезами счастья. К сожалению, сегодняшняя специфика группы, где риффы имеют первостепенное значение, не позволяет Мартину вдоволь покуражиться – душу пришлось изливать в инструментальной “Sinfonia”.

Но даже тогда, когда, казалось бы, звёзды на небе расположились правильным образом, когда было тщательно обмозговано текущее положение дел, когда - в кои-то веки! – хороших песен не одна треть, а очень даже половина, группа умудрилась громко навернуться в самом неподходящем месте. Так феерично раскидать песни по альбому – для этого нужен недюжинный, кхм, талант. Загнав две лучшие песни релиза в самое его начало, группа вместе с этим подняла планку качества на недосягаемую для остальных треков высоту. Это не говоря ещё о том, что раскрывать козыри вот так сходу – прямой путь к поражению. Хоть как-то подобраться к этой планке и держать высокий градус удаётся только “Frost on her Pillow” и однообразно-долбильному привету из 2008-го года “The Huge Onyx Wings Behind Despair”, после которых здоровские “Siding with Titans” и “Succumb to This” слушаются уже через силу. Предпринимаемые попытки перекроить уже сложившиеся мнение об альбоме, собственными руками крутя-вертя трек-лист, лишь попытки с -дцатой переламывают первое впечатление, которое намертво оцифровывалось в мозге. К тому времени "Мантикора..." может и надоесть.

Но всё это лишь формальности, вносящие небольшие штрихи в картину, но не меняющие общую концепцию. Группа, бесспорно, способна создавать, и создаёт качественные альбомы, но качество сегодня – это не то, чем можно удивить. Эксплуатация брэнда Cradle of Filth продолжается, и пока не видно, чтобы группа снова решила поработать на имя. По-прежнему нету Откровения. Слушать интересно, но очень уж хочется чего-то такого, что разворотило бы душу и вывернуло наизнанку нутро. И без разницы, в каком оно будет стиле, подвиги вполне реально совершать и в нынешнем. И поэтому я очень боюсь говорить, что “Manticore and Other Horrors”, как вполне удавшийся альбом, даёт надежды на тёмное будущее - “Godspeed on the Devils Thunder” в своё время тоже их дарил на несколько альбомов вперёд. И во что они воплотились в итоге? Поэтому, не будем жить ожиданиями и питать иллюзорные надежды, будем радоваться тому, что есть. Тем более, что это самое “есть” приносит удовольствие.

MAX DE SADE   6 ноя 2012

I. Закрытие «Проблемы “The Unspoken King”» (вместо пролога)

Наверно, я недалеко уйду от истины, если скажу, что “The Unspoken King”, выпущенный Cryptopsy в 2008-м году, вполне можно считать хорошим мерилом толерантности и “волосатости” металхэдов в целом и поклонников куда более озверелой прослойки металла в частности. Фанаты проехались по команде паровым катком, в один момент смешав с дерьмом не только несчастного “Короля”, так не вовремя подвернувшегося под руку со своей революцией, но и всю великую историю, что писалась под вывеской Cryptopsy. Досталось всему и всем (цитатами на руках не обладаю, поэтому просто обобщу по воспоминаниям, сохранив тональность возгласов): 1) звук настолько хлипкий, что не сделает чести самому последнему металкору; 2) новый вокалист то ревёт медведем, то поёт соловьем, и вообще недочеловек; 3) Алекс Оубёрн (явно не без помощи пятой колонны, в лице Дональдсона) деградировал до уровня “тупого мазафакера”, а Фло окончательно превратился в машину; 4) наполнение альбома: максимум паршивого дэткора, при минимуме, собственно, самого Cryptopsy. В принципе, понять настроение негодующей толпы довольно легко, но трудно найти оправдание людям, предающим анафеме скопом всё творчество, обзывающим музыкантов последними словами и угрожающим им судом Линча (самым гуманным и справедливым, как известно). Не говоря уже о том, что за всем подобным хайпом признаются еретическими призывы абстрагироваться и попытаться взглянуть на ситуацию объективно. Фло было попытался ответить критиканам, но получилось это у него довольно хреново.

Америку не открою: мне понравился “The Unspoken King”. Но на то есть весьма веские причины, и я на полном серьёзе считаю, что играть дэткор – это последнее, чем должна заниматься группа подобного ранга. И то, что у них в итоге всё же это получилось - лишь вопрос накопленного опыта, который позволил команде записать пусть и не образчик дэтового металкора, но альбом, наполненный множеством хуковых моментов. Что двигало тогда сорокалетними, в основном, мужиками - ведомо лишь одному Господу, но имея в багаже альбомы уровня и стиля “None So Vile” и “And Then You’ll Beg”, наверно, должно быть стрёмно создавать музыку, способную найти отклик лишь у молодёжной аудитории. Это был неимоверный риск, и команда должна была это понимать. И должна была быть готова к вполне определённой реакции своих фанатов.

II. Новый состав - старые возможности?

Как только буря немного утихла, пошёл разбор полётов внутри команды. Можно было ожидать чего угодно, вплоть до split up’а, но кардинальных преобразований не произошло: ухода госпожи Дюран особо никто и не заметил (как и её прихода и вообще присутствия), а потеря Алекса казалась серьёзной лишь на первый взгляд. При всём уважении, он всё же так и не стал основообразующей единицей у Cryptopsy: “And Then You’ll Beg” вытянул на себе Левассье, а “Once Was Not” стал бенефисом господина Мунье, из-за которого гитарная работа (тогда Алекс отдувался один) стала лишь придатком. О каких-то индивидуальных качествах, проявленных на “The Unspoken King”, говорить, сами понимаете, не приходится. Неожиданный же уход одного из столпов группы, Эрика, прямо перед записью альбома, был частично нивелирован возвращением Левассье на роль главного гитариста (бремя же басиста взяли на себя сначала Юри Раймон, а потом и Оливье Пинар).

Укомплектованный состав не стал гоняться за брутальностью, не пытаясь, тем самым, тяжестью замять грехи четырёхлетней давности, а решил напирать на то, что лучше всего получалось – на технику. Двинувшись по пути наименьшего сопротивления, группа выбрала соответствующие ориентиры середины-конца 90-х, с учётом современных тенденций. С первых массированных ударов модернового звука по ушам может показаться, что Cryptopsy образца 2012 года влились в поток групп вроде Job for a Cowboy и Trigger the Bloodshed, которые, начав с дэткора, к сегодняшнему дню плотно основались в дэтовой нише. Но преимущество канадцев том, что их бренд несёт в себе массивную историческую память, которая не даёт группе опуститься до выхолощенного дэта с рафинированной техникой. Сразу стоит сказать, что рядом с “Blasphemy Made Flesh” и “None So Vile” рассматриваемому альбому лучше даже рядом не стоять, но побороться с тем же “Whisper Supremacy” или “Once Was Not” ему вполне под силу. И не стоит ставить группе в вину тот факт, что ничего принципиального нового они сегодня не хотят показывать. Во-первых, один раз уже допоказывались (о результатах можно почитать выше и много где ещё), во-вторых, учитывая их нестабильное состояние после всех пертурбаций, вполне достаточно было бы прийти в морально устойчивое состояние и записать хоть что-то похожее на прежних Cryptopsy. И ныне же, когда альбом расслушан вплоть до каждой ноты, каждого всхлипа баса, каждого диссонанса, уже хочется плевать на формальности и не обращать внимания на некоторые огрехи. Я даже сейчас имею в виду не дэткоровые элементы, от которых группа не решилась полностью избавиться, и не попытки копировать лучшие образцы былой славы, доходящие, порой, чуть ли не до прямых цитат (потренируйте память на басовых пробежках в “Red-Skinned Scapegoat” и “Damned Draft Dodgers”). Да и какие это огрехи, когда душа радуется знакомым интонациям, а тело, не подчиняясь сигналам мозга, начинает произвольное передвижение по пространству, являя собой угрозу всему окружающему? “Damned Draft Dodgers”. Ни одна скотина теперь не докажет мне, что она не была написана в 1996-м, увидев свет лишь в 2012, слегка адаптированной под современные стандарты. Разве такая прямая отсылка к “None So Vile” может считаться чем-то грешным? Проблемы куда как серьёзней и заметней. Композиционные дыры. Повсеместную суету у Cryptopsy можно считать здоровой только тогда, когда она оттеняется грубыми, неотёсанными ударами риффов, или когда в музыку проникает болезненная истерия. Суеты тут навалом, но дэтовые вкрапления в основе своей выглядят неуверенно, робко. По причине этого из альбома вываливаются не только отдельные куски (смертельно поражены были соло-партии), но и целые песни. Наиболее обиженной создателем оказалась “Amputated Enigma”, которая несёт в себе то, что Cryptopsy в свой золотой век себе не могли позволить – вторичность и унылость. Закольцевали себе один мотив в рамках 4-х с половиной минут, и как будто так и надо. Попытка “поиграть попроще” провалилась. Латание же проплешин либо не происходит вообще (благо, они локализованы в пределах пары песен), либо происходит аляповато, но довольно занятно: где-то прёт натуральный мелодик-дэт, где-то и джаз освежает собой душное пространство. Больше же всего в этом плане повезло “Ominous”, - весомая доля математики заставила невзрачную в целом песню заиграть тёмными красками. До форменной же истерики доходит всего лишь один – на всё той же “Damned Draft Dodgers”, представляющей собой наиболее сбалансированный трек альбома, где почти идеально соблюдены пропорции прямолинейной рубки с техно-шинковкой.

В общем, если предварительно обобщить всё вышесказанное, то с “техникал” ребята совладали, а вот, собственно, “дэт-метал” осилили с трудом.

III. Глас альбома/лирика

Взятый курс на возвращение всего того, что способствовало разбрасыванию по жилплощади бренных останков несчастных слушателей, не могло не отразиться на вокале. Глупо было ожидать, что Мэтт внезапно сменит подход, и завоет на манер Червя, но неравнодушным к группе товарищам должно быть достаточно уже того, что чистый вокал выжгли калёным железом. Но Мэтт не остановился на этом, и тщательно поработал над своей луженой глоткой: его дэткорный рев стал на порядок убедительней и грозней, появилась, наконец, глубина, которой так не хватало “плоскому” предшественнику. Отсутствие былой вариативности только подтверждает бескомпромиссность и жёсткость (жестокостью же пока не пахнет) альбома. Но её отсутствие начинает ощущаться, стоит только взглянуть на лирику. Господин Макгахи, разумеется, не Лорд Ворм, но и он, как оказалось, может писать вполне занимательные тексты. Cryptopsy снова вернулись к зловещим историям, ночным кошмарам обывателя, беспредельному страху… Тематика текстов кружится вокруг тёмных страниц истории родной Канады, и меняется калейдоскопически, но главной особенностью является чередование вымышленных историй с реальными. Как минимум четыре песни преподносятся, как документалистика: “Shag-Harbour's Visitors” повествует об инциденте около порта Шег-Харбор (новая Шотландия, Канада), где 4 октября 1967 году множество людей якобы видели падение неопознанного летающего объекта в воды залива Мэн. Подробности можно найти в Википедии (в том числе и русской версии), в песне же повествуется об эксперименте инопланетян над человеком по вживлению реконструирующих человеческое тело паразитов. “Amputated Enigma” повествует о неком Джероме – так и не идентифицированном человеке (он не знал английского), найденном на берегу Новой Шотландии (провинция на востоке Канады) 8 сентября 1863 года, ставшим, впоследствии, первым в стране человеком, получившим социальное пособие (у него были ампутированы обе ноги выше колен). Ценность этой истории (как и песни) в контексте альбома более чем сомнительная. Песни же “Damned Draft Dodgers” и “The Golden Square Mile” являются куда как более мутными, ибо рассказы, содержащиеся в них, не имеют прямых отсылок к историческим событиям. И если загадочное убийство на Озере Каноэ (“Damned Draft Dodgers”) можно привязать к не менее загадочной гибели популярного канадского художника рубежа XIX-XX веков Тома Томпсона, то доказательства мистической и жуткой гибели “дочери четвёртого мэра Монреаля” в престижном районе этого города (собственно, “Golden Square Mile”) для меня осталось загадкой. У Джеймса Феррье дочка (если она вообще была) так плохо не кончала. Остальные же темы варьируются от экзорцизма до барахлящей судебной системы, из-за ошибки которой невинный человек отправился в петлю.

Читать, переводить, анализировать данные рассказы, безусловно, интересно, но неказистость, прямолинейность стилистики Мэтта очень уж бросается в глаза. Если Грининг-Ворм облачал свои жутковатые конструкции в философские сферы, предлагая в итоге на суд слушателя развёрнутые, объёмные тексты с двойным дном, то его преемник тупо рубит с плеча, раскрывая сразу все карты, даже не пытаясь заинтриговать. Хоть бы пару метафор, - но и тут шаром покати.

Но даже такие, пусть и сухие, но многосоставные тексты необходимо облачать в гибкие формы вокала, но всепоглощающий, повсеместный рёв превращает их в неразборчивую стену звука. Для целостности альбома конкретно с музыкальной точки зрения это несомненный плюс, но связь с лирической составляющей рвётся безвозвратно. Вместо единого концепта получается два произведения, которые сложно свести к общему знаменателю.

IV. Эпилог

Если “The Unspoken King” необходимо было рассматривать с точки зрения чего угодно, но только не того, что было до него, то “Cryptopsy” смело можно разглядывать через призму всего наследия, включая альбом 2008 года. Я трезво смотрю на реалии: альбому не суждено стать бомбой сейчас и классикой впоследствии. На музыкантов давил огромный груз ответственности, и это слышно невооружённым ухом. Многого не хватает, но и то, что есть, позволило записать материал на уровне никак не ниже “Whisper Supremacy”, или “Once Was Not”, - в чём-то он лучше их, в чём-то хуже, но не это главное – в нём заложен потенциал. Если группа хочет открыть новую страницу своей истории, то всё же придётся пойти на некоторые жертвы. Самая главная из них – перестать так рьяно цепляться за прошлое, и двигаться вдоль вольных течений. После этого останется сущая мелочёвка: вновь стать жестокими, а не просто жёсткими, избавиться от компромиссов, подавить милосердие, коего тут пока слишком много. Начать чувствовать музыку душой, а не телом. И тогда уже не будет поводов сбиваться с настроя, нехотя выуживая раз за разом промахи и ошибки, оставаясь после один на один с горькой мыслью: “Всё могло быть ещё лучше”.

MAX DE SADE  14 окт 2012

Вся музыкальная карьера шведов Katatonia являлась сплошной борьбой как с внешними обстоятельствами, таки с собственными демонами. Они отдавали последние силы, следуя за умиротворением и душевным покоем, но раз за разом не поспевали, спотыкались, падали, и в бессилии вскидывали руки к небесам, оставаясь наедине с одиночеством, вкушая лишь горести и несчастья. Они возвели пессимизм в культ, который исповедовали на протяжении 20 лет. Всё это время их музыка – оголённый нерв, натянутый до предела через десятилетия депрессий. При разных способах выражения, - от прерывистых воплей и ядовитого гроула первых двух альбомов до апатичного декларирования бессмысленности бытия, - посыл всегда был определённый и конкретный. Неизбежное (и, иногда, радикальное) изменение форм не сказывалось на концепции. Музыканты просто “меняли наряды”, укрывающие под собой аморфную действительность.

Но как неизбежны были перемены в стилистике, так они и неизбежны и в настроении. Перелом произошёл в конце 2009-го года. Свет увидел “Night is the New Day”. Смещение акцентов от риффов в сторону интригующей недосказанности, внедрение бархатной, ненавязчивой электроники, прог-акустические загоны, звук виолончели в хрупкой “Inheritance”… Изменений на единицу пространства вышло, прямо скажем, многовато. И если раньше кататонические метаморфозы лишь сближали, взаимодополняли музыкальную и лирическую основы, то тогда, 3 года назад, изменения в музыке просто-напросто нивелировали очередные попытки Йонаса состроить грустную мину. На мгновение показалось, что в форточку психиатрической лечебницы, куда группа “заселилась” аккурат во времена “TGCD”, подул лёгкий ветерок, и проникли тоненькие лучики света. То, чего Katatonia, казалось, никогда и не видела. Не чувствовала.

Что должно было за этим последовать? Подтверждение неких намерений, едва очерченных в 2009-м, или закрытие наглухо форточки и возвращение в привычную кому? Буду предельно честен и выражу частное мнение: мне не очень понравился курс, взятый группой 3 года назад, и поэтому, услышав “Dead Letters”, кинутую группой в интернет для затравки, меня насквозь пробила леденящая дрожь: “О нет, всё тоже самое…”. Реальное же положение вещей оказалось куда как лучше. Да, группа действительно пошла несколько иной дорогой, взяв за основу “Night is the New Day”, добив риффов для приличия и ещё больше осветлив атмосферу. Уйдя из полупозиции и пугающей неопределённости в сторону открытости и расправив, наконец, крылья, Katatonia зазвучала свежо (в собственных рамках, конечно) и в меру интересно.

Да, чем-то пришлось пожертвовать. На “Dead End Kings” нет песен вроде “Idle Blood”, что лишний раз говорит о разовости такого эксперимента. Наличие изрядного количества “железа” поспособствовало большему сковыванию эмбиентных элементов в металлических рамках, однако без полной их изоляции. Группа вернулась к монолитности былых творений. В принципе, не сильно согрешу, если скажу, что в рамках рассматриваемого альбома Йонас и Андерс убили сразу двух зайцев: остались на волне “Night is the New Day”, одновременно с этим сделав пару шагов назад – во времена “Last Fair Deal Gone Down” и ”Viva Emptiness”. Перекличка заметна не только в монохромном оформлении обоих дисков (Трэвис Смит поработал на славу, улучшив свою карму после мутных артворков двух прошлых альбомов), но в настроении и в некоторых чертах композиционного строения соответственно. И если рассматриваемый альбом и “Viva Emptiness” объединяет тяга к плотно прилегающим к стержню релиза риффам, создающим некое подобие “стены звука”, то в поисках общих черт с творением 2001-го года можно рано или поздно обнаружить себя в тупике. “Dead End Kings” не является притворным, не направляет по ложному следу. Группа чётко говорит своей музыкой, в каком она сейчас состоянии. “LFDGD”, в свою очередь, выглядит безмятежным и умеренно-эмоциональным лишь на первый взгляд. Эмоции так и хлещут из него, вырываясь наружу вместе со строчками “How could it go so very wrong?”, ставшими неким собирательным образом концепции Katatonia. Внешнее спокойствие - лишь ширма для сокрытия болезненной рефлексии.

Но определённые сходства с прошлыми работами, однако, не лишают “Dead End Kings” своего лица. Лик его напоминает сразу многих, он слегка размыт и неясен, но по контурам и, самое главное, взгляду, всё же рисуется образ некого индивидуума. Но личность эта - проблемная. “Dead End Kings” из того ряда релизов, что прекрасно воспринимаются на подсознательном уровне, играя фоном. Можно даже сказать, что его можно использовать в качестве элемента обстановки окружающего пространства: под него легко думается, работается, мечтается. Но когда дело неизбежно доходит до конкретики, приходит горькое осознание, что альбому просто нечего тебе дать. Непосильная ноша или даже проклятие (в зависимости от контекста) - воспринимать этот диск как музыкальное произведение, состоящее из нот, риффов, слов, сложенных в определённом порядке… Другими словами, подход с точки зрения материализма убивает альбом. Тут, конечно, есть место вещам, цепляющим именно с музыкальной стороны, например, плотной, качающей на своих риффовых переливах “Buildings” или меланхолично-томной (если не сказать “пассивно-пофигистичной”) “Leech”, словно наследующей “One Year from Now”. Но это – частности, вырывающие из полотна в совокупности лишь 8 минут времени.

Katatonia всё так же остаётся вне сезонов, ища контакта с настроением слушателя, невзирая на внешние факторы. Но если раньше они встраивались своей музыкой только лишь в поганое настроение, насыщая, усиливая симптомы, то теперь они запросто могут идти рука об руку с лёгкой меланхолией, не углубляя её до депрессии. Но одно осталось неизменно – лето ли на дворе, или морозная зима, Katatonia по-прежнему помогает не согнуться в крендель от обыденности, являясь хорошим компаньоном, помогающим проводить безликие дни с едва заметной улыбкой на лице.

MAX DE SADE  30 сен 2012

Для начала нужно отметить, что название альбома с первых же нот вступает в противоречие с самим материалом, ибо то, что располагается на блестящем кругляше, весьма далеко от понятия хаоса. Дэткор за авторством русских молодчиков здесь крепко держится в тисках логики и от этого, как ни парадоксально, только выигрывает. Оставив за бортом мысли о возможных экспериментах и подавив собственный максимализм, ребята выдали материал простой по форме, но зверский по содержанию. Им, конечно, можно поставить в упрёк основной грех русских групп, а именно - наглое копирование западных образцов, но, беря за основу чужое, не добавляя в музыку практически ничего своего, Ease of Disgust умудряются звучать сбалансировано и ровно, не теряя в мощи и энтузиазме. Основной секрет успеха заключается в том, что основная масса стилевых клише, вроде, например, брейкдаунов, выведена на второй план, где является не основой, а лишь частью монолита, декором, редко терзающим своим присутствием слух. Попросту говоря, здесь главенствует именно музыка, а не тренды. И музыка эта успешно выполняет свою основную функцию - провоцирует выброс адреналина и пробуждает скрытые энергоисточники организма + иной раз показывает, что жанр всё-таки не проклят. И это, как оказалось, совсем не сложно, просто надо рубить на корню зависимость от тех самых клише, высвобождая воздух, пространство для манёвров. В редкие моменты, бывает, натыкаешься на проблемные участки, но лишь обходишь их стороной, смачно сплёвывая за спину с ухмылкой на лице. В ситуации же с менее удачливыми представителями сей фауны всё, в лучшем случае, обычно кончается спешной аннигиляцией кругляша или файла.

Сложно к чему-то придраться, когда слышишь, что в музыке определённого коллектива всё расставлено по своим местам, и от этого порядка не тошнит. Сложно найти зацепку, когда тебе отгружают килограммы годного дэткора, не засорённого скудным “арматурным” риффажом. Когда соло редки и лаконичны, а вокальная линия диска не ограничивается гроулом и скримом, разбавляясь (редко, правда) силовым ором и чистоголосьем. Дьявол кроется в деталях. Но ворвавшись в каждую ноту альбома, Рогатый всё же не доработал в плане лица отдельных песен, смазав лик каждого трека в угоду крепости всего полотна. Но попытка, как известно, не пытка, и у парней всё же получилось разбавить общий фон парой отступлений. И если вторая часть “Between Nowhere and Never” берёт своё только за счёт того, что она полностью акустическая, и не вызывает особых эмоций, то инструментал “Khaos” просто печёт. Начинаясь с мешугга-подобного риффа, в дальнейшем песня разливается гудроном по всему своему трёхминутному полотну, нагревая атмосферу поочередно то бластингом, то беспощадным стрекотом бас-бочки. Такими вещами принято или начинать альбом, или оканчивать, но ставить их в середину – значит сделать их лишь ещё одной ступенькой на пути к закрытию альбома. Теряется потенциал быть мощным толчком к движению музыкального состава, или его логичным завершением, оставляющим ни с чем не сравнимое послевкусие. Но находясь в окружении плотного потока, она всё же умудряется выделяться из него, не нарушая при этом целостность всего альбома.

Чёткость исполнения, умело прорисованные цели и их не менее умелое претворение в жизнь, баланс, гармония. Движение не на поводу у эмоций, а по велению разума, - всё это делает музыку московских дэткорщиков пусть и с пролетарским оттенком, но понятной и отвечающей всем минимальным требованиям. И вот так просто можно надолго завладеть чьим-то сердцем.

MAX DE SADE  12 авг 2012

Поразительно, как всего лишь одно жалкое сообщение способно моментально испоганить первую встречу с вожделенным полноформатником. Сказано: “нет хардкора” - и всё, беда! “Умирающий Зародыш” всё-таки подох, став потенциальным материалом для изучения стволовых клеток. И как всё же приятно увериться в том, что сие заявление есть бредовейший бред и вопиющая ложь медленно регрессирующего разума. Более того, иногда кажется, что хардкоровых элементов тут едва ли не больше, чем ранее. Но в целом американцы продолжают творить то, что у них получается лучше всего – рвать связки и дробить кости немилосердным качем и озверело кромсать плоть на высоких скоростях. Небольшое смятение в первом треке, где группа топчется на месте, явно не понимая, куда дальше идти, пусть и сбивает с толку, но последующий за этим шквал характерной неупорядоченной агрессии сразу показывает, что всё в порядке. Группа как и раньше не стремится к поиску каких-либо компромиссов, и выдаёт жаждущему люду то, чего от нее ожидают: сухую, безэмоциональную техно-рубку в обрамлении сочного грува. Но очень сложно в данной ситуации перейти от общих терминов к индивидуальным особенностям. В первую очередь из-за того, что то самое следование собственным канонам, которое является, безусловно, положительной чертой, не даёт особого пространства для каких-либо изменений и инноваций. Страх перемудрить? Оголтелый консерватизм? Всё может быть. Но если представить, что, например, из музыки действительно выпарить весь –кор, то картина предстанет посредственная. Дело отнюдь не в том, что музыканты не способны создавать техничный материал, просто в такой ситуации будет растеряна весомая часть индивидуальности, и техно-дэт имени Dying Fetus просто пополнит и без того внушительную армию коллективов, исповедующих данный стиль. Вся соль как раз в органичном сплаве элементов, когда кач постепенно наращивает мышечную массу гитар, после чего те взрываются залихватской резнёй, прожаривая риффы до золотистой корочки. Одно поддерживает и усиливает другое – простой рецепт успеха. Капитанство во все поля, да, но седьмой по счёту ребеночек в американской семье реально ничем не удивляет, а просто в очередной раз радует любителя дэта американской школы. И ещё неизвестно, нужны ли этому любителю какие-нибудь новшества. Тем более, вполне можно, держась привычных берегов и не выкидывая экспериментальных фокусов, показывать буквально сумасшедший в своей успешности результат. Какой и показывали наши герои, но, к сожалению, лишь на заре XXI века, когда они выстрелили блестящим политизированным эпосом ”Destroy the Opposition”. Всё последующее – лишь добротное повторение былого, однако даже при таком статусе выглядящие уверенно и крепко.

Приблизившись к теме “персоналий” альбома, обращаем внимание на то, что основообразующими элементами являются составляющие триплета песен аккурат посередине (“From Womb to Waste”/”Dissidence”/”In the Trenches”). Венцом этого трио является, безусловно, великолепная “From Womb to Waste”, где после циничного спича горе-матери (“Не моя вина, что во время беременности я сидела на наркоте. Всем же насрать. В задницу ребёнка, пускай умирает”), группа внезапно допускает в свой мясной массив душную атмосферу, усиливающую чувство причастности (не лишним будет также отметить, что в плане лирики коллектив по-прежнему придерживается жуткого реализма). Уместно будет сказать, что то, что обрамляет данное трио, вполне может расцениваться как подготовка почвы для дальнейшего посева зёрен гнева с одной стороны, и сохранение высокой температуры при одновременном крене в сторону более осторожной рубки - с другой. В частности, два последних трека музыканты так и норовят порой одухотворить посредством соло-партий, слегка контрастирующих с основным материалом и делающих песни интересней.

И что же, спросит любопытный читатель, выходит, единственный недостаток альбома можно увидеть только в самом факте вторичности материала на фоне былых заслуг? Ну, если недостаток жиров в звуке с лихвой компенсируется достатком жира в самом материале, то излишний хронометраж песен ничем не перекроешь. Прошли уже те времена, когда Dying Fetus буквально сочились энтузиазмом и амбициями, запросто насыщая пятиминутные песни неувядающим драйвом и пусть и не неожиданными, но потрясающими решениями. Ныне же у группы трёх-четырёхминутные боевики получаются полностью на “Ура!”, а сверх этого – силёнок не хватает. Начав за здравие, почти всегда заканчивают за упокой. Вот тут бы заместить драйв спёртой, грязной атмосферой, но такой ход группа пока использует чрезвычайно редко, а ведь как раз такое новшество только украсило бы саунд. Ну а пока Dying Fetus явно не торопятся прыгать выше головы, продолжая эксплуатировать собственные находки прошлого.
Пока такой ход работает.

MAX DE SADE   5 июл 2012

Факт: на закате лихих 90-х товарищ Эдлунд только и делал, что усердно вгонял в шоковое состояние поклонников своего таланта неожиданными решениями, резкими поворотами сюжета и, как следствие, умопомрачительными альбомами. Удивление и последующее за этим восхищение раз за разом повышало карму группы, что в итоге сделало Tiamat командой “для многих”, а не для “избранных”. Не буду вдаваться в историю, и предавать аутопсии пару предыдущих альбомов, просто скажу, что, за неизбежным изменением музыкальных структур, изобразительных средств, атмосферы, базис оставался прежним. И нет, я имею ввиду не столько доброкачественную упоротость, каковая сделала “Wildhoney” и “A Deeper Kind of Slumber” столь красочными и насыщенными образами, сколько концепцию делать альбомы разными, непохожими друг на друга, не теряя при этом своего лица. Вся история группы, начиная с дебюта - это постоянный поиск новых форм самовыражения, и в тоже время - стремление к стабильности, но не застою.

К чему весь этот скучный сказ выше? К тому, что в 2002-м году от Рождества Христова Tiamat мог запросто опростоволоситься, и в глазах многих фанатов стать форменными козлами, наподобие того, что удостоился чести стать частью оформления “Judas Christ”. Ну, вы только представьте себе: с 1994 года сплошные игры со стилями и преданностью поклонников, и 2002 году нате – брат-близнец “Skeleton Skeletron”. При первом прогоне альбома отличия действительно найти очень сложно: чистый вокал везде и всюду, лёгенькие гитары, явно не обременённые выдумкой, и схожая с предшественником атмосфера.

Но на проверку оказывается, что Йохан снова всех поимел. При общих стилистических сходствах с предшественником, изменениям подверглись подача и настроение. “Skeleton Skeletron” был очень личным альбомом, где Эдлунд наконец-то смог нормально излить свои чувства, переживания, избежав обыденного для этого описания. “Judas Christ”, в противовес этому, просто пропитан издевательским оптимизмом в музыке и едкой иронией в лирике. Нет, тут, безусловно, есть мягкие по музыке и тексту песни, просто за общим настроением их посыл несколько стирается. И стоит всё же признать, что атмосфера тут, пожалуй, одна из самых наименее насыщенных из всех творений команды. Да и чему тут удивляться, когда альбом просто нашпигован разномастными боевиками? От бесподобных снотворных тем “The Return of the Son of Nothing” и “Love is as Good as Soma”, до неприлично бодрых “Spine” и бескомпромиссного, гимноподобного призыва выбирать любовь -“Vote for Love”. Да и откровенно танцевальный угар и “альтернативный” привкус кое-где уже не вводит в замешательство, а заставляет судорожно дёргать лапками от удовольствия. Всё-таки, за столько лет экспериментов уже ничему не удивляешься, и принимаешь любые нововведения как данность.

Единственное, чего я не понимаю, так это упорных попыток поиска на альбоме отголосков славного прошлого. В частности, сравнение с “Wildhoney” - это же полный бред! “The Return of the Son of Nothing”, например, пусть и схожа по структуре с “Whatever that Hurts”, но резко отличается как атмосферой, так и банально тяжестью. Максимум – редкие переклички с “A Deeper Kind of Slumber”, из-за сонного ореола некоторых песен (“Fireflower”, “Love is as Good as Soma”). А так, самым тяжёлым треком на альбоме является не открывашка, а инструментальная “Sumer by Night”, психоделически-тёмную ткань которой разрывают непривычно жёсткие гитарные риффы. Вот её, кстати, я вполне вижу на альбоме 94-го года, как некое продолжение жуткой “25th Floor”. В остальном же альбом более чем самодостаточен и определённо способен быть независимой единицей в творчестве Tiamat, не уходя в тень былых творений.

“Prey” и “Amanethes”, вышедшие соответственно через год и 6 лет после “Judas Christ”, окончательно показали, что шведы всё-таки нашли свою нишу. Пусть “Prey” уже совсем засахарился, а “Amanethes” неожиданного оглушил слушателя плотнейшим звуком и парой жарких песен, но суть не утаивается от внимательного уха – поздняя готическая инкарнация группы есть то самое, к чему Эдлунд и компания так стремились. По-крайней мере, так кажется со стороны.

P.S. О двух бонусах (“Sixshooter” и “However You Look at it You Loose”) несколько слов. Это просто финиш. Для тех, кто считает “A Deeper Kind of Slumber” концептуально незаконченным и активно требовал продолжения нарк-банкета - после двух этих песен можно смело ставить точку и спокойно отползать в клинику. Ненавязчивый трип-хоп + совершенно повёрнутая лирика + прокуренный вокал = тихая смерть в объятиях галлюцинаций. Это вам не приятная наркотическая нега шедевра 97-го года, это – последняя стадия путешествия в никуда, обречённость, фатализм. Недаром название одной из песни переводится как “Шестизарядный пистолет”. Песни, подобных которым у группы не было ни до, ни после. И, вполне возможно, перед командой тогда стоял вопрос, как именно оканчивать обыкновенное издание альбома: акустическими “Heaven of High” и “Too far Gone”, завершающими в целом позитивный альбом на позитивной же ноте, или двумя вышеуказанными, способными резко окунуть "Judas Christ" в пучины депрессии. Я бы выбрал второй вариант.

MAX DE SADE   7 июн 2012

На своей третьей полноформатной работе немецкие антифашисты, вегетарианцы и просто красавцы в очередной раз постарались запинать идеологически враждебную нечисть, при помощи материала с сильным агитационным началом. Составляющие стиля, как и раньше, выбраны строго и со вкусом: металкор, с вкраплением мелодик-дэта и небольшой долей трэша. Компоненты пусть банальны, но на их основе запросто можно сотворить крепкий, рвущий на лоскуты материал. За примерами оного далеко ходить не надо - достаточно просто послушать предыдущий альбом немцев.

И неизбежный результат сравнения моментально откидывает тень сомнения и неопределённости. При схожих компонентах на обоих альбомах мы имеем практически разный результат. Если “Whatever it May Take” штормил и шатал, бурлил энергетикой, метал искры, и мог заставить наушники пылать, то на “Antigone” мы слышим сплошной порядок, возведённый в абсолют. Жар и колючесть (вспоминаем один из вариантов обложки “Whatever”) предшественника тут обменены на атмосферность, плотность звука и строгость линий. Почти никакого намёка на истерию, никакой зашкаливающей злобы, лишь чёткое следование канонам стиля и успешные (это не похвала) попытки свалить агрессию на брэйкдауны, усмирив скорость. Тут всё правильно. Просто до тошноты правильно.

Но это всё запросто можно было бы отнести к положительным характеристикам или, на худой конец, просто вывести за скобки, если бы не абсолютная вторичность материала. Риффы пусть сочны и тяжелы, но блеклы и не оригинальны, в каче отсутствует индивидуальность, мелодика квелая, лирика просто тупая… Как ни крути, но на одной лишь идеологии, подкреплённой абы каким материалом и действительно (это стоит признать) качественным саундом, сегодня далеко не уедешь. И что самое обидное, в некоторых песнях всё же попадаются заманчивые мотивчики, но, пущенные …дцать раз по кругу в течении одной композиции, они полностью вырабатывают свой и без того небольшой потенциал, становясь частью одной большой блеклой массы. Так обстоит дело с более-менее вменяемыми “The Only Truth” и “Voice of the Voiceless”, так есть и с псевдо-атмосферной “Numbing the Pain”, кое-как раскрывающей свой суицидальный посыл.

В сухом остатке имеем: 1) рафинированную агрессивность, выглядящую столь же убедительно, как отмазы Чарльза Мэнсона в суде; 2) целую обойму абсолютно беззубых песен, годных только для слэма страшных во всех смыслах слова личностей, только-только вошедших в пубертат; 3) абсолютно ненужную тут атмосферность и, как следствие, крепкий сплав песен, полностью лишивший альбом резких скачков и перепадов (о чём, в данном случае, надо было бы молить самого Мартина Лютера Кинга); 4) отличные звук и сведение.

3:1 в пользу команды в коричневом, и подписанный группой акт о безоговорочной капитуляции за 2004-й год. Честно говоря, после такого “крутого поворота”, желание знакомиться с последующими альбомами Heaven Shall Burn уменьшилось в геометрической прогрессии.

MAX DE SADE  27 май 2012

Чужая душа - потёмки. Следуя этой поговорке при прослушивании третьей полноформатной работы Abigail Williams можно сделать вывод, что душа господина Сорцерона – дремучий лес, населённый чудовищами. Она просто мечется из стороны в сторону, просто не в силах постичь суть своих потаенных желаний. Мелодик-дэт, симфонический блэк, мелодик-блэк… Теперь атмосферик. Да-да, он самый, атмосферный блэк, североамериканского розлива.

На самом деле, удивляться нечему – тенденции наметились не сегодня и не вчера, ведь уже в 2006-м было ясно, что сидеть на одном месте бессменный вожак группы явно не собирается, и будет в дальнейшем лавировать меж стилей. Главной же его (Сорцерона) проблемой на прошлых дисках была жгучая нехватка оригинального начала, при наличии средненьких, в большинстве своем, песен и какой-никакой атмосферы. В данном случае всё же не рискну говорить об оригинальности “Becoming” в контексте американской сцены атмоблэка, но про качество грех не сказать. А оно на высшем уровне. Смещение акцентов в сторону грязноватого звучания и ещё большей пространности изложения превратило альбом в холст с нанесёнными на него огромными музыкальными ландшафтами, уходящими далеко за горизонт. Шесть песен общей продолжительностью в 55 минут представляют собой одну большую атмосферную массу, вмещающую в себя и околодумовые завихрения, и спокойные, прохладные участки, и редкий, но яростный бластинг, моментально подогревающий пространство.

Хотя команда всю свою короткую жизнь творила в далеко на самых мягких стилях, она никогда не ставила агрессивность во главе угла. Оттого людей, знающих группу не понаслышке, не должна пугать “бархатность” альбома и его неочевидная, но всё-таки мягкость. Резкость отсутствует как класс - Сорцерон предпочитает оканчивать песни мягко, медленно, доводя их до логического завершения, без грубых обрывов и обрезок. Отсюда и соответствующий медитативный эффект. Песни не изобилуют новаторскими решениями, не впадают в грех мелодичности, не орошают симфоническим ливнем. Грубо говоря, альбом прост, как палка! Но глубок, как бездна. Оступишься раз, и лететь придется долго. Уйдя в атмосферные дебри, Сорцерон сумел найти компромисс между тяжёлыми отрывками, неспособными, однако, превратиться в тупой камнепад, и отрешёнными моментами вселенской тоски, которые, в свою очередь, не претендуют на нечто “зефирное”. Это я к тому, что есть здесь парочка отрезков, во время которых реально посещают мысли: “а вот сейчас пойдёт чёс в духе Alcest”... Ничего подобного не происходит – успокаивающий звук прибоя под светлую акустику в “Infinite Fields of Mind” лишь спокойно прерывает ровное течение альбома, внося в него частичку света. Или, например, струнная секция в “Beyond the Veil” - она творит такие музыкальные красоты, что просто сердце щемит! Но это лишь лирические отступления от основного пути, не претендующие на роль основных проводников мысли.

Но особенно радует другой факт: отсутствие явных отсылок к корифеям. Тут уже не мерещатся ни Dimmu Borgir, ни Emperor. Abigail Williams путём проб и ошибок наконец-то нашли своё собственное лицо. И лик этот, честно признаюсь, мне очень симпатичен.

MAX DE SADE  15 апр 2012

Чем выше поднимешься, тем больнее падать. А можно вообще насмерть разбиться…

Не могу точно сказать, что именно из вышеуказанного сотворила Epica на своём новом детище, но без переломов и сильнейших травм явно не обошлось.

В своё время, выпустив в свет “Design your Universe”, группа показала мне, что она пусть при не совсем острых, но всё же зубах, крепко впившихся в шею. Удачно намесив пару стилей в рамках симфонического метала, они умудрились выпустить альбом, ставший одним из открытий 2009-го года. После такого подъёма вариантов движения оставалось немного – либо вконец обнаглеть, записав что-то невообразимо шедевральное, либо же, что более вероятно, пойти по пути регресса. В итоге мы получили небожителя (или точнее – калифа на час), смачно свалившегося с небес, грохнувшись на асфальт, потеряв при этом почти все зубы, которые только-только проявились из десён. Это ещё ладно – в некоторых местах вообще может показаться, что свалившись плашмя на грешную землю, Epica после этого ещё и плюхнулась в коллектор.

Оставим думы о судьбе группы позади, обратимся к фактам. А они таковы: “Requiem for the Indifferent” - это словно провалившийся сам в себя “Design your Universe”, вывернувший наружу все те минусы, что удачно ретушировались разными способами тремя годами ранее. При всём своём якобы многоликом обличии “Реквием” кажется более дешёвым вариантом прошлого альб… Простите, а что я всё про “DYU”? Если слегка приоткрыть уши, то всё более становится заметно лёгкое возвращение к корням. И без того небольшая толика живительного мелодэта прошлого альбома тут отсутствует напрочь, оставляя слушателя один на один с современными, тяжёлыми, но пустыми риффами, тщетно пытающимися нарулить драйва и кача. Кто-то говорил про обильную прогрессивность? Да. Кто-то ему ответил, что это не прогрессивность, а слабоумие? Да. Оба не попали. Прогрессивные элементы не поплелись вслед за мелодик-дэтом чёрти куда, кое-где реально помогая альбому “звучать”, но на солирующую роль не претендуя. Одноимённая с альбомом песня тут является ярким примером, представляя собой пусть и слабенького, но наследника “Kingdom of Heaven” (в ней, кстати, замечены следы того самого "слинявшего" мелодик-дэта). Поэтому говорить о полном умственном разложении всё-таки не стоит. Группа держится стержня, действительно стараясь подъехать не на гнилой козе, а хотя бы на ушатаном “Ниссане”.

Но не держат планку, просто силёнок не хватает. Хоры, отменный гроул, как всегда отличный вокал Симоны, упрощённые “эпиковские” оркестровки, баланс баллад и боевиков – всё это на месте, но всё это опробовано уже не раз и на группу работает всё меньше и меньше. Почти не слышно желания. Страсти. Эмоций. Даже боль – и та как симуляция.

Минусы? А что минусы? Они как на ладони, оттого читаются легко, и к ним можно даже привыкнуть, пытаясь раз за разом пускать их мимо ушей, выцепляя отдельные удачные моменты. Но об одном я просто не могу ни сказать – этот долбаный хронометраж. Сколько раз сказано: работайте на лаконичность, не размазывайте мысли по древу, дайте релизу “дышать”. Но вместо этого его усиленно душат, снова вывалив более десятка не самых коротких, замечу, песен. Тот же “DYU” сократи на две-три песни – и было бы вообще всё в сахаре.

Плюсы? Заняв вакантное место после исчезновения мелодэта, пауэр-составляющая получила больше пространства для манёвров. Слившись с частичкой прогрессива, пауэр-запилы, выглядя одинокими и отстраненными, всё же дают необходимую энергетическую подпитку релизу. Что до конкретики, то тут всё сложнее. “Requiem for the Indifferent” настолько невнятный и скомканный, что действительно удачной вещью для меня является… полутораминутная инструменталочка “Anima”. Одинокий, печальный звук пианино хорошо успокаивает и заставляет задуматься о том, что группа всё ещё может писать вещи, берущие за живое. Ещё стоит обратить внимание на “Stay the Course”, привлекающую напористостью и чередованием мясных отрезков с красивыми (даже так!) припевами. В остальном же только обрывки. В частности, красивое неофолковое вступление к относительно неплохой “Deep Water Horizon” или те же вкрапления озорного пауэра, разбросанные по альбому. Замечу также, что песни, претендующие на роль баллад, выглядят теперь более внушительно, а местами даже интересней, чем боевики. Раньше-то всё было наоборот. Ну хоть где-то прогресс, спасибо, Господи.

С высоты полёта “Design your Universe” альбом кажется просто кошмаром, но если взирать на него со стороны, а не сверху вниз, то он может вполне приблизиться к определению “нормальный”. Да и въезжаешь в него, как по маслу (чему отчасти помогает "ненагружающая" “Monopoly on Truth”), но вот как прослушивание пойдёт пойдёт в дальнейшем, зависит от индивидуального вкуса. Лично я, пожалуй, проедусь на чем-нибудь другом – всё-таки хлипкие мелодии и среднего уровня риффы меня радуют мало.

MAX DE SADE   8 апр 2012

В конце 2010 года до этого мало меня заботившая канадская банда Beneath the Massacre внезапно заставила меня рассыпаться в комплиментах, выпустив в свет чудную EP’шку “Maree Noir”. Все меня тогда радовало: и скорости хорошие, и мелодии попадаются, и гитарист молодец, и от брейкдаунов почти избавились, и т.д., и т.п. Загвоздка лишь была в двух местах: жидкий звук и сам факт того, что это был не полноформат. И вот музыкальный поиск группы окончательно воплотился в полноценный альбом, где, казалось бы, все нюансы были учтены. Как будто сама группа вняла моим “советам”.

Из той когорты “нотостругателей”, к которым относятся, помимо наших героев, группы вроде Origin или Brain Drill, которые, кажется, больше озабочены частотой ударов по рабочему барабану и длинной соло-пробежек, Beneath the Massacre мне кажутся более человечными. Нет, дело тут не в более гуманной подаче материала, или в пресловутой “душевности”. Просто из под всего этого шквала искромсанных риффов, диссонансов и барабанного варева рано или поздно проглядывают ростки той самой мелодики, придающей музыке группы более яркий, живой окрас. Никаких упрёков с заинтересованной стороны при этом быть не может – это ни в коем случае не предательство устоявшихся идеалов и не заигрывание с той или иной категорией фанатов тяжмета. Парни по-прежнему валят грубо, но выверено, оголтело, но холодно, по привычке заковывая любые проявления истерии в чёткие геометрические формы, не позволяя себе пускать скупые слёзы о прекрасном. И оттого мгновенно пролетающие осколки мелодий кажутся всего лишь побочным эффектом юркого перебора пальцев по грифу, но никак не попыткой сделать альбом милее для уха.

Каков девиз альбома? “Ничто не должно мешать движению!” Звук идеально держит баланс лёгкости подачи материала с его тяжестью, в отличие от “Maree Noir”, из-за своего сведения напоминавшей эдакий дистиллят техно-дэта, где всё работало на скорость. Вменяемое сведение позволило чётче прорисовать ударные и риффы, отлично выделяя в некоторых местах галопирующий ритм. Брэйкдауны, ранее весьма часто сопровождавшие творчество канадцев, остались лишь как небольшой пережиток тяжёлого прошлого, редко выскакивая посреди некоторых песен, ненадолго остужая пыл альбома. Для тех же, кому брэйки в подобной музыке нужны как воздух, группа выделила инструментальный трек, представляющий собой один большой брэйкдаун.

Но каким бы ни был удачным альбом с точки зрения подачи материала, часто посещает порочная мысль, что могло быть и лучше. Разумеется, некорректно сравнивать миньон с полноформатной работой, но “Maree Noir” брал именно своей самодостаточностью, в то время как “Incongruous”, “размазав мысли по древу”, сильно распылил удачные наработки прошлого по всей своей поверхности, слегка ослабив альбом в целом. Счастье наше, что музыканты оказались людьми довольно педантичными, неплохо вычистив диск от разнородного балласта, сделав песни довольно лаконичными. Оттого и пресловутого “загруза” нахвататься можно, но редко. Более того, группа сподобилась на написание даже некого подобия “хита”, как бы забавно это не звучало в контексте стилистики. Имя ему – “Damages”, где парни умудрились держаться одной озорной (чуть было не сказал “развесёлой”) мелодии 35% времени, не потеряв нити повествования, как бы ударник не старался распотрошить её (мелодию) бластами и дробями.

Пусть я далёк от мнения, что “Incongruous” - лучший релиз банды, и уж точно это не лучший альбом года, но в сегменте техничного дэта работа кажется достаточно крепкой, заслуживающей отдельного, пристального внимания.

MAX DE SADE  21 мар 2012

Если взять за некую основу “Suicide Season” шеффилдских “чёлок” Bring Me the Horizon и проделать с ним определённые манипуляции, вроде втискивания большого количества брейкдаунов, лёгкого “обджентования”, вкрапления пост-хардкорных распевок и элементов транскора, то на выходе получится “Reckless ‘till the End” итальянцев Tasters (изначально носивших название Taster’s Choice).

Материал “Reckless ‘till the End” звучит по-итальянски экспрессивно и более чувственно, чем, например, упомянутый выше “Suicide Season” (так и подмывает его назвать “оригиналом” – так сильно сходство). Англичане, несмотря на отчаянные попытки Оли выплеснуть свои эмоции посредством вокала, выглядят всё же более озабоченными чисто музыкальным аспектом, что автоматически преуменьшает (а то и просто “унижает”) лиричную составляющую их музыки. Tasters же умело лавируют между действительно жёсткой, околодэткоровой формой и мягкой, в чём-то даже элегичной сутью, успешно манипулируя электронной начинкой, коей альбом нашпигован под завязку, и вокалом, который варьируется от сдавленного гроула до отличного чистого, отбивающего баллы на припевах. Здешняя же электроника – это и упругие трансовые вкрапления, прививающие альбому экспериментальный налёт, и тревожно-волнующие сопровождение, освежающее и смягчающее гитарный монолит. Сам же упомянутый монолит выглядит внушительным, но ни разу не оригинальным. Здешний металкор то чеканит стандартные грувистые риффы, то немного разгоняется, разминая “мускулатуру” гитар и ударных, то сворачивает в сторону задумчивой акустики. Если бы на альбоме не было электронно-клавишного обрамления и такого вариативного вокала, то картинка была бы та ещё...

Но всё же есть здесь одно, но очень большое “но”. И это - вы не поверите - брейкдауны. Верность стилевым клише даже в таком стиле, как металкор, не всегда есть плохо, и я понимаю, что такая составляющая стиля, как брэйки, вносит в него порцию здорового кача, но в данном конкретном случае они просто рушат композиционный строй альбома. Меланхоличное настроение диска не приемлет резких, жёстких замедлений, громоздкие риффы – потолок дозволенного. Из-за этого “Reckless ‘till the End” пусть и не потерял в атмосфере, но приобрёл в конъюнктурности и упал в цене, став тем самым частью огромной массы, хотя мог быть чуть выше.

Что касается highlight’ов альбома, то ярко выраженных лидеров не наблюдается. Более-менее выделяется “Shadows”, которая даже на таком многообразном альбоме звучит весьма пёстро, неожиданно внедрив в свой декадентский массив мелодик-металкоровый кусочек, опять же, не совсем оригинального толка (тут уже каких-нибудь As I Lay Dying можно вспомнить).

Даже выглядя вторично, используя заезженные ходы, которые, порой, балластом тянут в пучину серости, итальянцы умудряются звучать свежо. Не хочу загадывать наперёд, но если группа поймёт, что упрямое следование постулатам стиля рано или поздно приведёт их на музыкальное кладбище, и решат эту проблему, оставив у себя все имеющиеся положительные наработки, то светлое будущее им обеспечено.

MAX DE SADE  10 мар 2012

Для начала взглянем на оформление буклета – кисть художника Джошуа Белангера выводит причудливые формы и образы, в чём-то сказочные (да скорее сюрреалистические), в чём-то пугающие, однако же, мало дающие какое-либо представление о содержимом релиза. Да, поверхностное восприятие рисунков даёт понять, что калифорнийские весельчаки спешат предоставить продукт, весьма далёкий от конформистских воззрений в потоке кор-музыки, но готовы ли они переступить грань разумного в своей музыке?

Те, кто сходу ждёт клоунады и эпатажа – ждите до "потом". Первая часть альбома представляет собой мощный, грязный дэткор - что называется, “при шарах”, лишь эпизодическое появление (хотя, скорее, выпадение) “игрушечных” клавиш вносит небольшую толику задора и свежести. Вспомогательная, экспериментальная часть альбома состоит в основном из не могучего клавишного сопровождения и робких уходов в мелодично-меланхоличные дебри, - это сродни страху психа пустить сентиментальную слезу. К авангарду же (да здравствуют каламбуры и игра слов!) авангардного течения альбома относятся лишь два с половиной трэка в хвосте. Вот оно! Вот оно? Клавиши становятся второстепенным продуктом интеграции психоза – музыку наполняют более развязные риффы, иногда инспирированные классическими фанковыми и джазовыми интонациями, настроение вместо инфантильно-шутливого становится вообще "свинским". Вот тут бы и раскатать губу, ан нет… Спасибо, конечно, парням за рвение делать музыку не как у всех, но на всём протяжении альбома отчаянно лезут мысли, что это как раз то самое “как у всех”, только посыпанное блёстками. Клавиши, как уже было сказано, несмотря на свою разноплановую ориентацию то на инфантильность мелодий, то на (ощутимо реже) нагнетание сюрреалистического мрака, выглядят абсолютно обособленно. Это не симбиоз, и не паразитизм – это вообще никак. Отдельная маленькая жизнь. А все эти авангардные штучки выглядят лишь наработками для будущих свершений. И дело тут далеко не в качестве (оно-то в порядке). То ли от излишнего страха “перетянутого одеяла”, то ли ещё из-за чего, но все эти приёмы, ввиду своей временной скованности в рамках дэткора, абсолютно не прививают индивидуальное начало композициям, выглядя лишь придатком к каркасу. В таком виде композиции, претендующие на роль дневного света в конце туннеля, выглядят, как в том анекдоте, светом от идущего на тебя поезда.

Но если дополнительную программу группа в целом не осилила, то основную откатала бодро. Их дэткор пусть туп и прямолинеен, но бодр и мускулист, и вполне может удовлетворить любителя данного направления. *Внимание! Сейчас попрут клише!* Аппетитные брейки обвиваются узорами диссонансов, наисочнейшие комья риффов практически безостановочно валятся на голову, и всё это обрамляет дуэт гроулинга и восхитительного в своей непотребности визга. Благодать!

Первое время поистине приятно раскрывать альбом частица за частицей, но со временем всё больше понимаешь, что увидев (то бишь, услышав) все козыри релиза, слушаешь его уже с куда меньшим интересом. Но один факт неоспорим – такие альбомы, как “The game of Life”, нужны метал-рынку. Подобные группы если не произносят нового слова, то создают базис для дальнейшего развития, как себя, так и своего стиля.

MAX DE SADE   4 мар 2012

В начале ноября 2007 года, в аварии, произошедшей недалеко от русско-белорусской границы, погиб барабанщик группы Decapitated Витольд "Витек" Кьелтыка. Вокалист Кован получил тяжелейшую травму головы, от которой не отошёл до сих пор. После этой катастрофы разговоры о преемнике “Organic Hallucinosis”, понятно дело, не велись – тут бы душевное равновесие сохранить. Но старший Кьелтыка, несмотря на потерю брата, принял волевое решение продолжать движение, а ведь оно, как известно, есть жизнь. Для этого Вацлавом были завербованы: Рафал Пиотровски – вокал, Керим Лехнер – ударные и Филип “Хайнрих” Галуша – бас. За написание лирики взялся бывший вокалист Lux Occulta Ярослав Жубрихт. Из того состава, что пятью годами ранее стирал в пыль несчастного слушателя, остался один человек, и это способно было ввергнуть любого поклонника в состояние скорби и уныния… Реальность же оказалось не столь суровой. За модерновыми, точёными риффами и качающим ритмом практически без проблем узнаётся техно-дэт имени Decapitated. Группе удалось при неизбежном изменении формы сохранить свою суть, почерк, и не превратиться в безликого подражателя, последователя модных тенденций, как то было, например, с Cryptopsy на “The Unspoken King”.

Холодные, словно нарисованные по линейке, риффы, приукрашенные мат-металлической шершавостью, орошают холодным поздне-осенним ливнем; отстранённые соло-партии появляются из ниоткуда, и уходят в никуда; вкрадчивая акустика ласкает прохладным дуновением северных пустошей... “Carnival is Forever”, в противовес своему предшественнику, не отталкивает холодом гремящего железа, а лишь создаёт абстрактный мир, где различные эмоции слиты воедино в водовороте упорядоченного хаоса. Что ни говори, но встреча старого с неизбежным новым проходит абсолютно безболезненно. Отсутствие дисбаланса и разграничений подчёркивает целостность альбома, не давая ему разваливаться на куски. Сброшенный вес с гитар и ударных (заменивший Витека Лехнер отработал взвешенно и филигранно) высвободил энергетику, а грувовые элементы не должны вводить в ступор и ввергать в бешенство - в первую очередь благодаря этому альбом приобрёл "качовое" начало. Да, некоторая прослойка фанатов может посчитать это отупением музыки, регрессом, заигрыванием с массовой аудиторией, происками лейбла (Nuclear Blast, на минуточку) и т.п., но нельзя, сменив состав на 90%, остаться той же группой и решать те же задачи. Тут, скорее, ощущается лишь нащупывание почвы для дальнейших свершений, проверка своих сил.

Если “Organic Hallucinosis” – это занимательная, впечатляющая прогулка по злачным местам мегаполиса, где от каждого угла веет “ароматом” мочи, пива и отходов, и во всём видится упадок, запустение, то “Carnival is Forever” сродни побегу в чисто поле, где можно отдышаться и собраться с мыслями. И продолжать путешествие. Оттого мягкий, но преисполненный лёгкой тревоги инструментальный эпилог “Silence” не выглядит реквиемом, а является, скорее, передышкой, затишьем перед бурей.

MAX DE SADE  28 фев 2012

Если бы кто-нибудь, в начале этого года сказал мне, что в моём предварительном топе-2012 окажется нечто, с пометкой “metalcore”, я бы кирпичами обделался. Но именно так и случилось – металкор в топе, и, похоже, мало что его оттуда вытеснит.

C калифорнийцами Bleeding Through до сего момента я был знаком лишь понаслышке. Суть информации о банде, которая до меня доходила, можно было заключить в незамысловатую фразу: “очередной кор, с бабцой на клавишах”. С такими вот исходными данными я и подходил к прослушиванию новой полноформатной работы, которая абсолютно внезапно стала открытием года. Всё дело тут в эклектичном содержании “The Great Fire”. Нет, основообразующим стилем всё ещё является металкор, от которого тут характерный ритм и куча брейков едва ли не в каждой песне. Но коровый стержень тут оброс панцирем модерн-металлических риффов, шустрыми бластбитами и плющом симфо-блэка. Плотность просто зашкаливает - ни одной ноты мимо, ни одного риффа вон! Из ближайших аналогий можно назвать ещё одних калифорнийцев – Winds of Plague. Но подход к написанию музыки, помимо, собственно, небольших стилистических различий, существенно разнится. Если “Чумные Ветра” тупо поливают свой дэткор клавишной патокой, мало задумываясь о совместимости составляющих, то “Блидинги”, выбрав в качестве посредников между металкором и симфоническими синтами смазанные риффы и хлёсткие бластбиты, успешно выполнили задачу интеграции разных элементов. Что вылилось в появление материала, который без тени сомнения можно назвать мифическим термином “блэк-кор”, к которому, в своё время, весьма неосторожно относили ранних Abigail Williams и, прости господи, The Black Dahlia Murder.

Хотя та самая плотность способствовала крепкой спаянности песен друг с другом, альбом условно можно поделить на три части: 1) Первая часть состоит из весьма хорошего разогрева, где мощные боевики чередуются со среднетемповыми околосимфоническими темами. Ровно, мощно и без запинки (разве только “Final Hour” проседает в паре мест). 2) После первой части, где музыканты то старательно отвешивают пинков, то жарят на медленном огне, начинается апогей - идёт ход атмосферой. Клавишные берут ведущую роль, в музыку проникает кладбищенский туман, врывается рвущая душу мелодика… Жалко только, что запала хватило лишь на обжигающую симфонизмом “Walking Death” и на мелодик дэт/блэк-коровую (плодим стилевых монстров) “Devil and Self Doubt”, разбавленную чистоголосыми завываниями. Они резко выделяются из альбома, не давая тому бесследно пролетать пулей через черепную коробку - патрон разрывается аккурат посередине, оставляя в голове осколки мелодий и серный осадок.

Третья часть проходит в более спокойном русле, выглядя подведением итогов первых двух. Всё та же мишура из мяса и шторма напополам с вдумчивой рубкой, где выделяется разве только “Deaf Ears”, на которой группа решила немного поиграть в Mnemic.

“The Great Fire” обладает бронебойной силой и, при желании, им можно свалить слона. И абсолютно неважно, что 75% материала априори не запоминаема – эффект действенен на короткой дистанции, и от той мешанины стилей не следует ждать послевкусия. Он бьёт сразу, и наповал. Тем и хорош.

MAX DE SADE  21 фев 2012